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FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2020: SECCIÓN OFICIAL I

July 3, 2020, 4:08 am
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6 PELÍCULAS DE LA SECCIÓN OFICIAL A CONCURSO

Esta mañana se han dado a conocer las primeras películas de la sección oficial a concurso de la próxima edición del festival de cine de San Sebastián, cuatro de cineastas consagrados como Sharunas Bartas, Naomi Kawase, François Ozon o Thomas Vinterberg y dos obras de nuevos realizadores como Dea Kulumbegashvili o Takuma Sato.
Sharunas Bartas (Siauliai, Lituania, 1964), autor con experiencia en los festivales de Cannes, Berlín, Venecia o Locarno, ha dirigido títulos como Frost (2017) y Eurazijos aborigenas / Eastern Drift (2010), que fue seleccionado en la retrospectiva Eastern Promises. Retrato de Europa del Este en 50 películas (2014). En septiembre regresará a San Sebastián con el estreno mundial de In The Dusk, un drama de trasfondo bélico sobre la lucha del movimiento partisano contra la ocupación soviética de Lituania después de la II Guerra Mundial.

"True mothers": La nueva película de la directora japonesa Naomi Kawase

Naomi Kawase (Nara, Japón, 1969), asidua al Festival de San Sebastián, volverá a optar a la Concha de Oro con el estreno europeo de Asa Ga Kuru / True Mothers, una nueva exploración del microcosmos familiar que enfrenta a dos madres: una biológica y otra adoptiva. La realizadora nipona ya concursó en la Sección Oficial con Genpin (Premio Fipresci, 2010) y Vision (Viaje a Nara, 2018), y sus películas también han podido verse en Perlak y en las retrospectivas temáticas .doc - Nuevos caminos de la no ficción (2010) y Nuevo cine independiente japonés 2000-2015 (2015).
La joven georgiana Dea Kulumbegashvili (1986), que estrenó sus cortos en el Festival de Cannes y en la Quincena de Realizadores, debutará en el largometraje con Dasatskisi / Beginning. El filme, que tendrá su premiere mundial en San Sebastián, narra el acoso que sufren una testigo de Jehová y su familia por parte de un grupo extremista y de la policía del remoto pueblo georgiano en el que viven.

"Verano de 1985"; la nueva película de François Ozon, un habitual en el Zinemaldia

François Ozon (París, 1967) es otro de los cineastas que este año regresará a la Sección Oficial después de obtener la Concha de Oro y el Premio del Jurado al mejor guión por Dans la maison (En la casa, 2012) y concursar con títulos como Sous le sable (Bajo la arena, 2000), Le refuge (Mi refugio, Premio Especial del Jurado, 2009) y Une nouvelle amie (Una nueva amiga, 2014). El realizador, que mostró su ópera prima en Zabaltegi (Regarde la mer, 1997), competirá con Été 85 / Summer of 85 (Verano del 85), un relato de amores adolescentes impregnado de nostalgia ochentera.
El Festival también acogerá la premiere mundial del segundo largometraje del japonés Takuma Sato (Akita, 1989) tras Don’t Say That Word! (2014), que obtuvo distintos reconocimientos en el Pia Film Festival de Tokio y en el Festival Internacional de Busan. Su nuevo trabajo, Nakuko wa ineega / Any Crybabies Around?, narra el vuelco en la vida de un hombre al que la televisión graba corriendo por la calle desnudo y borracho en Nochevieja.

"Another round": el nuevo trabajo del danés Thomas Vinterberg

Finalmente, Thomas Vinterberg (Copenhague, 1969), uno de los mayores exponentes del cine danés de las últimas décadas, participará con el estreno europeo de Druk / Another Round, en la que repite con Mads Mikkelsen, actor a quien ya dirigió en Jagten (La caza, 2012). El autor de filmes como Festen (Celebración, 1998), que fue programado en la retrospectiva Fiebre helada (2007), retrata a varios profesores embarcados en un excéntrico experimento: creen que si logran mantener un grado constante de intoxicación etílica durante la jornada laboral, podrán abrir sus mentes y aumentarán su creatividad.
In The Dusk, Asa Ga Kuru / True Mothers, Dasatskisi / Beginning, Été 85 / Summer of 85 (Verano del 85) y Druk / Another Round forman parte de la lista de películas que el Festival de Cannes ha seleccionado en este año en el que no ha podido celebrar su 73 edición debido a la pandemia del COVID-19.
En las próximas semanas, el Festival continuará desvelando el resto de títulos que integrarán la Sección Oficial de la 68 edición, que el 18 de septiembre será inaugurada, fuera de concurso, por Rifkin’s Festival, una comedia romántica dirigida por Woody Allen.

"In the dusk": Dirigida por el lituano Sharunas Bartas

ANOTHER ROUND

PAÍS: Dinamarca (2020)
TÍTULO ORIGINAL: Druk
DIRECCIÓN: Thomas Vinterberg
FECHA Y LUGAR DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 19 de Mayo de 1969, Copenhague (Dinamarca)
INTÉRPRETES: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang, Lars Ranthe, Susse Wold, Maria Bonnevie, Diêm Camille G., Palmi Gudmundsson, Dorte Højsted, Helene Reingaard Neumann, Martin Greis
GUIONISTAS: Tobias Lindholm, Thomas Vinterberg
FOTOGRAFÍA: Sturla Brandth Grøvlen
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Zentropa Productions, Topkapi Films
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: BTeam Pictures
DURACIÓN: 115 minutos
SINOPSIS:
Existe la teoría de que deberíamos nacer con una pequeña cantidad de alcohol en nuestra sangre, y que una ligera embriaguez abre nuestras mentes al mundo que nos rodea, disminuyendo nuestros problemas y aumentando nuestra creatividad. Animados por esa teoría, Martin y tres de sus amigos, todos cansados profesores de secundaria, se embarcan en un experimento para mantener un nivel constante de intoxicación etílica a lo largo de su jornada laboral. Si Churchill ganó la II Guerra Mundial aturdido por el alcohol, ¿quién sabe lo que unos pocos tragos podrían hacer por ellos y sus alumnos?

ANY CRYBABIES AROUND?
PAÍS: Japón (2020)
TÍTULO ORIGINAL: Nakuko Wa Ineega
DIRECCIÓN: Takuma Sato
INTÉRPRETES: Taiga Nakano
GÉNERO: Drama
SINOPSIS:
Un hombre desnudo y ebrio aparece en directo en una televisión japonesa en plena celebración de la festividad de Namahage, en la que hombres disfrazados de ogros irrumpen en las casas para asustar a los niños y que se porten bien todo el año. Tasuku, un joven padre, es condenado al ostracismo por avergonzar al pueblo y su tradición y huye a Tokio solo. Dos años después regresa al pueblo para intentar arreglar las cosas con su exmujer y su hija pero se encontrará con una situación muy dura.

BEGINNING
PAÍSES: Georgia-Francia (2020)
TÍTULO ORIGINAL: Dasatskisi
DIRECCIÓN: Dea Kulumbegashvili
AÑO Y LUGAR DE NACIMIENTO DE LA DIRECTORA: 1986, Georgia
INTÉRPRETES: Ia Sukhitashvili, Rati Oneli, Kakha Kintsurashvili, Saba Gogichaishvil
GUIONISTAS: Dea Kulumbegashvili, Rati Oneli
FOTOGRAFÍA: Arseni Khachaturan
MÚSICA: Nicolas Jaar
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: First Picture
DURACIÓN: 130 minutos
SINOPSIS:
En un tranquilo pueblo de provincias, una comunidad de Testigos de Jehová es atacada por un grupo extremista. En pleno conflicto, el mundo de Yana, la esposa del líder de la comunidad, se desmorona lentamente. La insatisfacción interior de Yana crece mientras lucha por encontrar sentido a sus deseos.

IN THE DUSK

PAÍSES: Lituania-Francia-Serbia-República Checa-Letonia (2020)
TÍTULO ORIGINAL: Sutemose
DIRECCIÓN: Sharunas Bartas
FECHA Y LUGAR DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 16 de Agosto de 1964, Siauliai (Lituania)
INTÉRPRETES: Arvydas Dapsys, Marius Povilas Elijas Martynenko, Vita Siauciunaite, Alina Zaliukaite-Ramanauskiene
GUIONISTAS: Sharunas Bartas, Ausra Giedraityte
FOTOGRAFÍA: Eitvydas Doskus
MÚSICA: Gabriele Dikciute, Jakub Rataj
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Studio Kinema, KinoElektron, Sirena Film, Biberche, Mistrus Media, Terratreme Filmes
DURACIÓN: 126 minutos
SINOPSIS:
Lituania, 1948. La guerra ha terminado, pero el país está en ruinas.  Untė, de 19 años, es miembro del movimiento partisano que resiste a la ocupación soviética. No combaten en igualdad de condiciones, pero esta lucha desigual determinará el futuro de toda la población. A la edad en que se descubre la vida, Untė descubre la violencia y la traición. Las líneas se desdibujan entre su ardiente pasión juvenil y la causa por la que está luchando. Se entregará en cuerpo y alma, aunque eso signifique perder la inocencia.

TRUE MOTHERS

PAÍS: Japón (2020)
TÍTULO ORIGINAL: Asa ga Kuru
DIRECCIÓN: Naomi Kawase
FECHA Y LUGAR DE NACIMIENTO DE LA DIRECTORA: 30 de Mayo de 1969, Nara (Japón)
INTÉRPRETES: Hiromi Nagasaku, Arata Iura, Aju Makita, Miyoko Asada, Hiroko Nakajima, Tetsu Hirahara, Taketo Tanaka
GUIONISTAS: Naomi Kawase, Izumi Takahashi
BASADA EN: La novela homónima escrita por Mizuki Tsujimura
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Kino Films, Kazumo, Kinoshita Group, Kumie
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: La Aventura Audiovisual
DURACIÓN: 140 minutos
SINOPSIS:
Tras una larga e insatisfactoria lucha por quedarse embarazada y convencida por una asociación de adopción, Satoko y su marido deciden adoptar a un niño. Años después, su familia se tambalea con la amenaza de Hitari, una chica desconocida que dice ser la madre biológica. Satoko opta por confrontar a Hitari directamente.

VERANO DEL 85

PAÍS: Francia (2020)
TÍTULO ORIGINAL: Eté 85
DIRECCIÓN: François Ozon
FECHA Y LUGAR DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 15 de Noviembre de 1967, París (Francia)
INTÉRPRETES: Benjamin Voisin, Félix Lefebvre, Philippine Velge, Melvil Poupaud, Valeria Bruni Tedeschi, Samuel Brafman-Moutier, Isabelle Nanty, Aurore Broutin, Philippine Veerman
GUIONISTA: François Ozon
FOTOGRAFÍA: Hichame Alaouié
MÚSICA: Jean-Benoît Dunckel
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Mandarin Production, Scope Pictures
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Golem Distribución
DURACIÓN: 100 minutos
SINOPSIS:
Alexis, a punto de cumplir 16 años, casi se ahoga cuando vuelca su barco en la costa de Normandía. Por suerte, David, de 18 años, le salva heroicamente. Alexis acaba de conocer al amigo de sus sueños. Pero, ¿durará ese sueño más de un verano? El verano del 85.

(Fuente de la lista de películas del Zinemaldia: prensa del festival de San Sebastián)
(Fuentes de la información de las películas, carteles e imágenes: Zinemaldia, Filmaffinity, IMDb, Sensacine, BTeam Pictures, Golem Distribución, La Aventura Audiovisual)
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LOS MIEMBROS DE LA FAMILIA (2019)

July 6, 2020, 12:20 am
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DOS HERMANOS MUY DIFERENTES


PAÍS: Argentina (2019)
DIRECCIÓN: Mateo Bendesky
FECHA Y LUGAR DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 12 de Septiembre de 1989, Buenos Aires (Argentina)
INTÉRPRETES: Tomás Wicz, Laila Maltz, Alejandro Russek, Sergio Boris, Edgardo Castro, Ofelia Fernández, Javier Abril Rotger
GUIONISTA: Mateo Bendesky
FOTOGRAFÍA: Roman Kasseroller
MÚSICA: Santiago Palenque
GÉNERO: Comedia
PRODUCCIÓN: Varsovia Films, Volpe Films
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Barton Films
DURACIÓN: 86 minutos
PREMIOS: 2 premios, incluyendo uno en el festival de Cinema Jove 2019


SINOPSIS:
Lucas (17) y Gilda (20) viajan a un pequeño pueblo costero para intentar cumplir la última voluntad de su madre recientemente fallecida: depositar sus restos en el mar. Desafortunadamente, el único “resto” con el que cuentan es su mano prostética, aunque como dice Gilda “da lo mismo, mientras nos lo saquemos de encima”. 
Listos para volver a casa, un paro nacional de transporte los deja varados en el pueblo. Lucas, obsesionado con el físicoculturismo, encuentra en la costa tierra fértil para explorar su sexualidad y los límites de su cuerpo. Gilda, aún afectada por su reciente estadía en un centro de rehabilitación y obsesionada con su “mala energía”, pone a prueba innumerables terapias y métodos de adivinación para intentar encontrar algún sentido en el mundo que la rodea. Atrapados en un limbo, deberán confrontar el espacio vacío que dejo el suicido de su madre, al mismo tiempo que despiden su adolescencia y se enfrentan a la ambigüedad de la vida, la muerte y el fitness. 
 (Fuente de la sinopsis y el cartel: Barton Films)
 (Fuentes de las imágenes: IMDb, Cinergia Online)
 (Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, Barton Films, IMDb)


CRÍTICA:
El segundo largometraje del director argentino Mateo Bendesky es una película intimista, que se puede englobar en ese cine latino actual en donde hay pocos diálogos, con un ritmo pausado, y con unas historias familiares en donde se cuenta poco y es el propio espectador el que tiene que ir construyendo las vidas de los personajes. Ese cine me suele gustar, cuando los temas que abordan son atractivos y cuando se consigue crear una atmósfera enigmática que me aptrape, pero no es el caso de esta propuesta bastante plana y aburrida que funciona por escenas aisladas, sobre todo en la parte final que es cuando tienen lugar las mejores situaciones de una película que tarda en arrancar y va de menos a más.


La película tuvo su presentación en la sección panorama del festival de Berlín de 2019, y en nuestro país en el festival de Cinema Jove, en donde recibió la mención especial del jurado de la pasada edición de ese festival que tiene lugar anualmente en Valencia.
La propuesta cuenta con un guion escrito por el propio director, y tiene como protagonistas a dos jóvenes hermanos, Lucas y Gilda, que se encuentran atrapados en una localidad costera argentina, de la que no pueden salir porque las carreteras están cortadas por la huelga nacional de transportes. El motivo por el que se encuentran en ese pequeño municipio es echar las cenizas de su madre al mar, cumpliendo así sus deseos, ya que en esa ciudad es donde había pasado una etapa de su vida junto a sus progenitores.


Los dos hermanos se ven atrapados en ese lugar y terminan contando sus problemas, planteando sus inquietudes y salen a relucir temas a debate importante relativos al pasado familiar. La película no aporta las soluciones para que esas subtramas sean atractivas, y si mantiene algo el interés es por la atmósfera intrigante que hay alrededor de la que fue la casa familiar y los enigmas en la vida de esos dos personajes, además de por las interpretaciones de Tomás Wicz y Laila Maltz, que cumplen en unos papeles que no son fáciles de interpretar, teniendo en cuenta que el guion no ayuda a la hora de aportar soluciones. 
La película no destaca por sus aspectos técnicos y artísticos, aunque la dirección de Mateo Bendesky es uno de los puntos fuertes del proyecto, y me parece un acierto la ausencia de la múisca durante gran parte de la película para aparecer en los momentos en los que es necesario.
Una película que puede tener su público, en especial los que disfrutan con historias familiares que se desarrollan a ritmo pausado.


LO MEJOR: Las actuaciones de Tomás Wicz y Laila Maltz.
LO PEOR: El guion no aporta las soluciones necesarias para mantener el interés de la historia.

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

José Antonio Alarcón en Séptimo Escenario

Pedro de Frutos en El Ónfalos

Pedro de Frutos en Coveralia


PODCAST:



NOTAS DEL DIRECTOR:
Desde el día que dejé de ser uno me interesó hacer una película sobre adolescentes. LOS MIEMBROS DE LA FAMILIA tiene dos tópicos centrales: la adolescencia y el duelo, procesos que considero fundamentales en la construcción de la identidad y del sentido propio. Me interesa explorar la adolescencia como estadio medio, como una sala de espera a la adultez donde el cuerpo y la mente se encuentran en pleno desarrollo pero todavía no tienen una dirección concreta. 
Lucas y Gilda , sin embargo, tampoco son adolescentes típicos: Lucas, obsesionado con su cuerpo, encuentra en el físicoculturismo y las peleas de contacto una válvula de escape para sus inquietudes sexuales. Gilda, por su parte, acaba de abandonar un centro de rehabilitación y busca de forma desesperada algo de sentido en el mundo que la rodea. Esto, sumado a la tensión constante en su relación, hizo que su aventura excéntrica en un mundo sin adultos me resulte aún más interesante de retratar. 
Como dos exploradores perdidos en la niebla, Gilda y Lucas avanzan con pasos firmes sin tener en claro hacia dónde van ni por qué. Esta imagen es para mí la más precisa para definir al duelo y a la adolescencia al mismo tiempo, y es la forma que elegí para retratar la historia de estos hermanos en el film.
 (Fuente del texto: Pressbook-Barton Films)


TRAILER:

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TODO PASA EN TEL AVIV (2018)

July 6, 2020, 1:34 am
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 AYUDANDO AL GUIONISTA


PAÍSES: Luxemburgo-Bélgica-Francia-Israel (2018)
TÍTULO ORIGINAL: Tel Aviv on Fire
DIRECCIÓN: Sameh Zoabi
AÑO Y LUGAR DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 1975, Iksal (Israel)
INTÉRPRETES: Kais Nashif, Lubna Azabal, Yaniv Biton, Maisa Abd Elhadi, Nadim Sawalha, Salim Dau, Yousef 'Joe' Sweid, Amer Hlehel, Laëtitia Eïdo, Ashraf Farah, Ula Tabari
GUIONISTAS: Dan Kleinman, Sameh Zoabi
FOTOGRAFÍA: Laurent Brunet
MÚSICA: André Dziezuk
GÉNERO: Comedia
PRODUCCIÓN: Samsa Film, TS Productions, Artémis Productions, Lama Films, Film Fund Luxembourg , Gesher Multicultural Film Fund , Israeli Film Fund
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Surtsey Films
DURACIÓN: 100 minutos
PREMIOS: 15 premios, incluyendo dos en el festival de Venecia de 2018


SINOPSIS:
Salam, un buscavidas palestino de 30 años que vive en Jerusalén, trabaja en el set de la famosa telenovela palestina Arde Tel Aviv, producida en Ramallah. Todos los días, para llegar a los estudios de televisión, Salam debe pasar por un estricto control israelí. Allí trabaja Assi, el comandante a cargo del puesto, cuya esposa es fan de la telenovela. Para impresionarla, Assi se involucra en la escritura del guión. Salam se da cuenta de que las ideas de Assi podrían ser lo mejor que le ha pasado nunca.
 (Fuente de la sinopsis, el cartel y las imágenes: Surtsey Films)
 (Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, Surtsey Films, IMDb)


CRÍTICA:
El tercer largometraje de ficción dirigido por el palestino Sameh Zoabi, conocido por su cortometraje "Be quiet (2005)", es una comedia con un guion muy bien trabajado, con unos diálogos ágiles y que logra mantener el interés hasta el final, teniendo como punto de partida el de una telenovela palestina de gran popularidad titulada igal que esta película, de cuyo guion se tiene que encargar un ciudadano palestino inexperto en la materia con el que termina colaborando un agente de puesto fronterizo israelí.
La propuesta tuvo su presentación en el festival de Venecia de 2018 integrada en la sección Horizontes, y fue premiada con el galardón de mejor actor de la sección, y unas semanas después se proyectó en el festival de cine de Toronto. La semana pasada se pudo ver en los cines Verdi de Barcelona, ya que formó parte del programa de la cuarta edición del BCN Film Fest.
En 2019 fue candidata al premio a la mejor comedia en la pasada edición de los galardones del cine europeo (los EFA).


La película está inspirada en la propuesta mexicana "Mejor es que Gabriela no se muera (2007)" dirigida por Sergio Umansky, y tiene como punto de partida una telenovela palestina de gran éxito, y que tiene su set de rodaje en la ciudad de Ramala, una ciudad palestina situada en Cisjordania, a 15 km al noroeste de Jerusalén, y que en un momento se produce un conflicto con el guionista y deciden encargar el texto de los siguientes capítulos a Salam Abbass, un joven palestino que no tiene experiencia en la materia. Pero esto no se queda aquí, ya que todo se complica cuando este joven es parado en el punto de control fronterizo y que termina confesando que viene de trabajar en ese proyecto televisivo, lo que hace que Assi, el comandante de ese puesto fronterizo le chantajee con ayudarle a coescribir el guion, y así contentar a su mujer que es fan de esa telenovela.


El director y los guionistas de la película han sabido crear un proyecto dinámico, que mezcla el humor con momentos dramáticos relacionados con el conflicto Palestina-Israel, en donde no hay parones, y sin necesidad de grandes giros consigue mantener el interés hasta el final, aunque no me termina de convencer el desenlace y esos minutos finales, y que sin necesidad de un presupuesto elevado consigue atrapar el espectador simplemente con un guion ingenioso y unas interpretaciones decentes. En cuanto al reparto destacan las actuaciones de Kais Nashif, premiado en Venecia, que es el protagonista de la película, interpretando al guionista inexperto Salam Abbass, y a Yaniv Biton como el capitán Assi Tzur.
Una película curiosa, que no destaca por sus aspectos técnicos o artísticos, ya que tampoco es necesario que tenga una brillante dirección de fotografía, aunque al menos los decorados y el diseño de vestuario de las escenas del rodaje de la telenovela son destacadas, y sobre todo destaca el montaje, que es otro de los punto fuertes del proyecto.


LO MEJOR: El guion. La actuación de Kais Nashif.
LO PEOR: El desenlace.

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Ricardo Pablo López en Destino Arrakis


PODCAST:



DÍAS DE CINE:


ENTREVISTA AL DIRECTOR:
Todo pasa en Tel AViv es una comedia. ¿Qué significa hacer una comedia en Israel cuando eres palestino?
Es un gran desafío hacer una comedia sobre el conflicto entre Palestina e Israel. La gente se toma muy a pecha todo lo relacionado con la religión, y cualquier intento de hacer una comedia puede ser malinterpretado fácilmente. Pero creo que la comedia permite la libertad de discutir muchos problemas serios de una manera más sutil. En mis películas, mi objetivo es entretener pero también hablar con sinceridad sobre la condición humana de todos mis personajes. Mi primer largometraje, Man without a cell phone, fue inspirado en la educación que recibí. No estaba necesariamente buscando hacer una comedia, pero debía ser sincero con la realidad, crecí como palestino. Una constante sensación de desesperación se cierne, sin embargo, hay espíritu y sentido del humor alrededor de la mesa. Con Todo pasa en Tel Aviv, la historia trata directamente con la idea de puntos de vista conflictivos. Como en mi película anterior, el tono es cómico, no para aclarar una situación que es más terrible que nunca, sino para utilizar las ideas que la exageración cómica puede traer. Como dijo Charlie Chaplin "Para reír de verdad, debes ser capaz de soportar tu dolor y jugar con él."

Salam, tu personaje principal, está trabajando en una telenovela árabe producida en Ramallah. ¿Por qué una telenovela? 
Las telenovelas son un tema interesante en el Oriente Medio. El público las ve y enseguida se enganchan al argumento. Lo que yo encuentro interesante es que las personas que miran telenovelas encuentran las actuaciones y el diálogo directo más creíble que la actuación sutil y el guión de los largometrajes. La introducción de la telenovela en la película me permitió explorar cosas que no habría podido hacer son ella Por ejemplo, en la escena inicial de la película, que me parece bastante política, los personajes palestinos en la telenovela expresan cómo se sienten sobre la inminente guerra árabe-israelí de 1967. Ellos hablan sobre sus esperanzas, historia y miedo a la ocupación israelí de Jerusalén. Hablan emocionalmente, sin filtros, pero porque esta escena tiene lugar dentro de una telenovela. Proporciona un giro diferente.

¿Viste telenovelas? 
Cuando era un adolescente vivía en Israel, desconectado del mundo árabe y solo había dos canales de televisión. Los programas de televisión en idioma árabe eran principalmente de Egipto. Ellos producían las mejores telenovelas, particularmente en el mes del Ramadán; incluso los israelíes las veían. El show que creé en mi película es un homenaje a un famoso programa con el que crecí. Hoy en día, la realidad ha cambiado. Existen cientos de canales de televisión árabes y muchos programas de Siria, Líbano, Egipto e incluso los llegados desde Turquía e India. Las telenovelas se ven a todas horas y en todos lados. Son un lenguaje universal. Hace poco, estaba viendo una telenovela con mi mamá. Me estaba riendo en un momento emotivo debido a su actuación dramatizada y trabajo de cámara, pero mi madre estaba sosteniendo un pañuelo, llorando. Esta experiencia me inspiró a escribir y dirigir la película.

¿Cómo abordaste la película visualmente? 
Visualmente, la película trabaja en contraste con dos realidades: el mundo mágico y colorido de la telenovela televisiva y la realidad diaria, arenosa, fuera del estudio. Rodamos las escenas de la telenovela en estudios, en su mayoría, utilizando enfoques bastante dramáticos, iluminación que realza la puesta en escena, colores vivos y, por supuesto, movimientos de cámara que proporcionaran un tono dramático. En cuanto a la realidad diaria fuera del programa de televisión, cinematográficamente era más cerca del cine vérité. El trabajo de la cámara fue más fluido. y filmamos en lugares reales con iluminación natural, a excepción del punto de control que tuvimos que crear para la película. 

Habla un poco sobre tu proceso de casting 
En anteriores proyectos trabajé con una mezcla de actores profesionales y no profesionales. En esta película, debido a que la historia es más compleja y las escenas están completamente escritas, decidí trabajar solo con profesionales. Elegí varios miembros del elenco durante el proceso de escritura, como Lubna Azabal, Nadim Sawalha, Salim Dau y Maisa Abd Alhadi, con quienes había trabajado o cuyo trabajo conocía. Un gran desafío en el casting de la película fue encontrar la mejor combinación de energía y química entre mis principales personajes, Salam, y su antagonista, Assi. Su relación es el eje central sobre el que gira la película. Encontré que la actuación matizada y minimalista de Kais Nashif como Salam, junto al enérgico Yaniv Biton como Assi, me potenció el tono de comedia. Yaniv viene de un fondo cómico mientras Kais siempre había desarrollado personajes más dramáticos como en Paradise Now. Era un riesgo ponerlo en una comedia, pero Kais le proporcionó profundidad, complejidad y melancolía a Salam, lo que ayudó crear un arco más interesante para su personaje. 

¿Puedes hablar un poco más sobre los diferentes niveles en Todo pasa en Tel Aviv? 
Cuando mostré mis películas anteriores, vi cuán fácilmente el cine puede sacar a relucir el choque de narrativas palestino-israelí. Hubo quienes pensaron que mis películas eran demasiado palestinas/insuficientemente israelí o todo lo contrario. Este conflicto permanente de puntos de vista me proporcionó el tema subyacente de Todo pasa en Tel Aviv. A nivel personal, la película trata sobre un artista (un aspirante a escritor) que lucha por encontrar su sitio dentro de un lugar tan disputado por la realidad política. Me atraen las personas como Salam que todavía no han desarrollado una idea completa de sí mismos. Intentan gestionar y encontrar su lugar en su mundo mientras se enfrentan a constantes desafíos y disturbios. Me atraen los personajes que se esfuerzan por cambiar y mejorar sus vidas pero no estoy seguro de cómo finalmente encuentran su lugar. En un nivel más amplio, la película tiene dos líneas políticas: primero, está la historia de la guerra contada a través de la telenovela y presentada por Bassam, el productor y creador del programa, quien es también el tío de Salam. Bassam pertenece a la generación anterior de palestinos que lucharon en la guerra de 1967, pero también firmaron el Acuerdo de Paz de Oslo. Y segundo, está el día a día de los puntos de control. Finalmente, la telenovela y la realidad narrativa comienzan para conectar y fusionar. Como un joven palestino, Salam, se encuentra luchando con estas dos realidades. La vida de Salam y su dinámica con Assi se refleja en la telenovela. En pocas palabras, Assi, "el ocupante" quiere dictar su propia versión de una realidad sobre Salam, "Los ocupados". A medida que crece la confianza de Salam, se da cuenta que esto es imposible y que necesita detenerlo. Nada puede cambiar en Palestina e Israel hasta que ambas personas sean iguales. Esta es la única forma de avanzar.
 (Fuente del texto: Notas de prensa-Barton Films)


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ZAPATOS ROJOS Y LOS SIETE TROLLS (2019)

July 8, 2020, 11:09 pm
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UN GIRO A LAS HISTORIAS DE ANIMACIÓN CLÁSICAS


PAÍS: Corea del Sur (2019)
TÍTULO ORIGINAL: Red Shoes and The 7 Dwarfs
DIRECCIÓN: Hong Sung-Ho, Kim Jin
INTÉRPRETES: Chloë Grace Moretz, Sam Claflin, Gina Gershon, Patrick Warburton, Jim Rash, Simon Kassianides, Frederik Hamel, Nolan North
GUIONISTA: Hong Sung-Ho
MÚSICA: Geoff Zanelli
GÉNERO: Animación
PRODUCCIÓN: Locus Creative Studios, Next Entertainment World, Sidus Pictures
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Flins & Pinículas
DURACIÓN: 92 minutos


SINOPSIS:
¿Qué ocurriría si Zapatos Rojos fuese una joven extraordinaria que no encaja con los estereotipos de las princesas de los cuentos de hadas…? ¿Y si los trolls fueran siete valientes caballeros transformados por un hechizo… ¿Y si el secreto de la belleza externa se encontrase en unos zapatos rojos…? Una protagonista femenina que hace que el personaje principal Merlin y el resto de los troll se den cuenta de lo que es la verdadera belleza. Una increíble y divertidísima aventura que cambiará tu visión de los cuentos de hadas.
 (Fuente de la sinopsis, el cartel y las imágenes: Flins & Pinículas)
 (Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, Flins & Pinículas, IMDb)


CRÍTICA:
El coreano Hong Sung-Ho debuta en la dirección de largometrajes, en colaboración con su compatriota Kim Jin (conocido en Estados Unidos por su trabajo en el diseño de personajes en películas como "Frozen (2013)", "Big hero 6 (2014)" y "Moana (2016)"), y ambos han sacado adelante una película de animación asiática, pero que parece filmada en Hollywood ya que, tanto a nivel estético como en dar prioridad al entretenimiento frente a una historia más adulta, tiene todos los elementos del cine estadounidense del género.


La propuesta tiene como protagonistas a personajes de cuentos o de películas clásicas del género, y lo hace dando un giro a esas historias que conocemos, presentando a una Blancanieves distinta que es mucho más guapa cuando lleva puestos los zapatos rojos, los siete trolls que recuerdan a los enanitos del clásico de Walt Disney y que actuan como protectores de la protagonista. Entre los secundarios nos encontramos con una nueva versión de la madrastra, la reina Regina, que está obsesionada con su belleza, y que pregunta al espejito mágico "Quién es la más guapa", para encontrarse con una rival en la joven cuando lleva puestos los zapatos rojos, pero también hay príncipes y un Merlín (uno de los trolls que formán parte de ese equipo de rescate).


La película es un entretenimiento fácil de recomendar sobre todo al público infantil, ya que tiene unos personajes con los que es fácil identificarse, tiene mucho ritmo, momentos divertidos. Pero también puede gustar a los padres, ya que contiene todos los elementos citados anteriormente, y con todo esos ingredientes es lógico que haya logrado ser la película más vista en los cines españoles en su primera semana, y estoy seguro que seguirá teniendo éxito. 
A nivel personal me ha interesado la parte inicial con la presentación de los personajes, pero no soy admirador de este tipo de cine que busca entretener sin más, desaprovechando la oportunidad para presentar una película menos convencional. La música compuesta por Geoff Zanelli
funciona bastante bien, y es ideal para este tipo de proyectos, siendo uno de los responsables del éxito del proyecto.


LO MEJOR: Es muy entretenida. Los personajes secundarios son muy interesantes.
LO PEOR: Es demasiado covencional y previsible.

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Pedro de Frutos en El Ónfalos

Pedro de Frutos en Coveralia


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MARCELINO, EL MEJOR PAYASO DEL MUNDO (2020)

July 8, 2020, 11:10 pm
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EL ESPAÑOL QUE TRIUNFÓ EN EUROPA Y ESTADOS UNIDOS


PAÍS: España (2020)
DIRECCIÓN: Germán Roda
FECHA Y LUGAR DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 16 de Marzo de 1975, Granada (España)
INTÉRPRETES: Pepe Viyuela, Alberto Castrillo Ferrer, Laura Gómez-Lacueva, Salomé Jiménez, Nacho Rubio
GUIONISTAS: Germán Roda, Miguel Ángel Lamata
FOTOGRAFÍA: Daniel Vergara
MÚSICA: David Angulo
GÉNERO: Documental
PRODUCCIÓN: Estación Cinema
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Super 8 Media Distribución
DURACIÓN: 83 minutos


SINOPSIS:
Marcelino Orbés fue el mejor payaso del mundo desde 1900 a 1914, triunfando en Londres y Nueva York. Fue el mejor y el más aclamado por el público en la mayor industria del entretenimiento de la época. Actuaba en el teatro más grande jamás construido, El Hippodrome, y lo veían 2 millones y medio de personas al año. No sólo fue un payaso sino un clown, acróbata y un cómico admirado por Charles Chaplin y del que Buster Keaton afirmó que era el mejor del mundo.
Nacido en Jaca (Aragón), recorrió España, Europa y E.E.U.U. haciendo reír a la gente pero acabó protagonizando el tópico del payaso atormentado fuera de los escenarios, hasta el punto de acabar él mismo con su vida.
No se trata de un artista maldito sino que es un artista del que no se sabía de su existencia. Gracias a este documental, descubrimos 150 años después, a Marcelino, uno de los mayores artistas de la historia de España y el único del que no se sabía de su existencia.
 (Fuente de la sinopsis, el cartel: Super 8 Media Distribución)
 (Fuentes de las imágenes: Super 8 Media Distribución, RTVE, La Rioja)
 (Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, Prismaideas, Super 8 Media Distribución, IMDb, Wikipedia)


CRÍTICA:
El director español Germán Roda, experto en documentales, nos ofrece un proyecto muy bien trabajado y que nos permite conocer a uno de los payasos más populares de finales del siglo XIX y principios del XX, y que siendo español pasa desapercibido en los momentos de recordar a esos personajes nacionales que marcaron una época, y gracias al trabajo del cineasta y del equipo de la película es cuando nos damos cuenta de la repercusión internacional de Marcelino Orbés, un aragonés que después de trabajar en el madrileño Teatro Circo Price de la época, y que ese escenario se le quedaba pequeño y decidió trasladarse primero a París y posteriormente a Londres, en donde tuvo su primer gran éxito internacional, al ser uno de los más queridos del teatro Hippodrome (actualmente ese lugar es un casino de grandes dimensiones) en número cómicos, en donde coincidió con un joven Charles Chaplin que estaba iniciando su carrera en el mundo del espectáculo teatral.


El documental, que tenía previsto su estreno en el festival de cine de Málaga (finalmente no pudo ser debido al retraso de ese fetsival que tiene lugar anualmente en la bell localidad situada en la Costa del Sol) finalmente ha tenido su presentación en el festival de cine de Huesca, y tiene muchas cosas positivas ya que, además de dar a conocer a ese artista español tan importante, es dinámico, tiene momentos divertidos otros más dramáticos, es realista y nos permite conocer como era el mundo del circo y los espectáculos cómicos teatarles de la época, tanto en Europa como en Estados Unidos.
En menos de 1 hora y media hace un recorrido por los principales momentos profesionales de Marcelino, y algunas situaciones personales importantes, de manera cronológica, empezando con sus inicios en nuestro país y terminando en su estancia en Nueva York, gracias a la labor del montador. 


Hay un gran trabajo en la dirección por parte de Germán Roda, teniendo en cuenta el poco material de archivo del que disponía para poder presentar un proyecto tan interesante, y suple ese inconveniente citado anteriormente con una recreación de muchas escenas con actores y actrices actuales, en especial Pepe Viyuela en el papel del protagonista, lo que se acompaña con unas fotografías de la época de esos lugares inónicos, como el Hippodrome de Londres y Nueva York o el Teatro Circo Price de Madrid y unos recortes de periódicos o revistas de la época en donde se pone de manifiesto la popularidad de ese cómico español.
El otro aspecto positivo es su música compuesta por David Angulo, y que sirve de acompañamiento perfecto a la historia.
Un largometraje recomendable, que puede gustar a todo tipo de público, cuyo visionado es imprescindible para conocer a un personaje nacido en España y que tuvo gran éxito en una época en el que los cómicos que actuaban en escenarios teatrales eran unos ídolos de masas.


LO MEJOR: Nos permite conocer un personaje tan importante y desconocido (al menos a nivel personal). La música.
LO PEOR: Falta algo más de material de archivo de la época.

NOTA DEL DIRECTOR:
Parece increíble que con la sobreinformación con la que contamos en la actualidad no supiéramos de la existencia del que fue el mejor payaso del mundo. Con esta “Docuficción” descubrimos al clown español que triunfó en Nueva York y que fue la inspiración de Charles Chaplin.” “Llevar a la pantalla grande la vida y obra del mejor payaso del mundo ha sido una experiencia inolvidable. Trabajar con Pepe Viyuela, descubrir que un español fue el mejor payaso del mundo, contar el ascenso y la caída de un artista que no superó la llegada del cine sonoro ha sido el punto de giro de mi vida.

NOTA DE PEPE VIYUELA:
Este trabajo me ha dado la oportunidad de vivir uno de los episodios más apasionantes de mi vida como payaso. Marcelino había desaparecido, no existía, ahora se ha convertido en un referente. La película reivindica su talla de artista y lo devuelve al lugar de privilegio que nunca debió abandonar. En ella se han unido la labor de investigación periodística, el tesón y el talento de un gran equipo y una visión artística y generosa de las posibilidades del cine para contar, crear y emocionar. Marcelino ha vuelto.
 (Fuente de los textos: Dossier de prensa-Super 8 Media Distribución)


TRAILER:




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PROGRAMACIÓN DEL ATLÁNTIDA FILM FEST 2020

July 11, 2020, 9:58 am
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LOS 113 TÍTULOS QUE SE PODRÁN VER EN LA 10ª EDICIÓN DEL ATLÁNTIDA FILM FEST

Ayer viernes tuvo lugar en Palma de Mallorca la presentación de la programación completa de la 10ª edición del Atlántida Film Fest, que arrancará el próximo 27 de Julio.
Jaume Ripoll, director del festival y cofundador de Filmin, ha sido el encargado de desvelar el cartel completo desde el centro cultural La Misericòrdia, uno de los enclaves del festival.
En Palma, sede física por quinto año consecutivo, el festival se celebrará del 27 de Julio al 2 de Agosto mientras que en la plataforma Filmin la programación se podrá ver de forma online desde el 27 de Julio hasta el 27 de Agosto.
A pesar de las dificultades generadas por la crisis sanitaria del Covid-19, la edición de este año cuenta con la programación más ambiciosa y estimulante de las celebradas hasta el momento. En la versión online del festival se podrán ver 113 títulos de 25 países: 53 estrenos absolutos en España, 37 óperas primas, 30 documentales, 5 series y 30 títulos dirigidos por mujeres.

"Tesla": Una de las propuestas más atractivas del Atlántida Film Fest 2020

En Palma se podrá disfrutar de una cuidada selección compuesta por 42 títulos: 16 documentales, 10 conciertos, 8 conferencias y 5 series. Además se celebrará por tercer año consecutivo el proyecto Mallorca Talents Lab, un taller dirigido a jóvenes guionistas.
La décima edición del festival continúa girando en torno a Europa y analiza la realidad, los problemas y los retos del Viejo Continente y de sus habitantes. Europa dividida en 6 bloques temáticos: Memoria histórica (obras centradas en los errores del pasado), Política y controversia (historias hacia las que está prohibida la indiferencia), Muros y fronteras (las barreras reales o imaginadas de la UE), Generación (películas que analizan el comportamiento de las jóvenes generaciones europeas), Identidad (cine de temática LGBTI) y Domestik (la intimidad del ciudadano dinamitada por la política y la economía).


"The Hit": De Stephen Frears (el padrino del Atlántida Film Fest 2020)

Sumergiéndonos ya en el apartado cinematográfico, el director británico Stephen Frears apadrina la edición de este año y recibirá en Mallorca el premio Masters of Cinema en reconocimiento a su trayectoria. Además ofrecerá una clase magistral y se podrá ver su película “The Hit”, rodada en España en 1984 y protagonizada por John Hurt, Terence Stamp y Tim Roth. En años anteriores recibieron este reconocimiento Ken Loach, Guy Hamilton (póstumamente), Vanessa Redgrave y Roland Joffé. El actor británico Joseph Fiennes será el encargado de entregar este premio.
La inauguración tendrá lugar en el patio del centro cultural La Misericòrdia. La película inaugural será “Destrucció creativa d’una ciutat”, un documental dirigido por Carles Bover (ganador del Goya al Mejor Cortometraje Documental por "Gaza"). Bover disecciona la realidad de una ciudad como Palma que, hasta hace poco, estaba abocada al turismo. Los problemas de identidad urbana analizados por quienes los sufren y por quienes los deberían solucionar.

"Destrucció creativa d’una ciutat": Largometraje de inauguración del festival en Palma

La clausura del festival en Palma se celebrará en Ses Voltes y correrá a cargo de la película “Sempre dijous”, de Joan Porcel. El evento será muy singular ya que los espectadores serán testigos del rodaje del tercer acto de la película. “Sempre dijous“ es un retrato de una de las artistas baleares emergentes con más talento de los últimos años, Júlia Colom. La historia de una veinteañera que busca su voz entre las tonadas populares y la nueva música electrónica. La de un viaje de ida y vuelta entre Mallorca y Barcelona. Al término de la proyección, la cantante ofrecerá el primero de los conciertos en la isla.

"Sempre dijous": El largometraje de clausura del fetival en Palma

Stephen Frears, Ethan Hawke, Ben Wishaw, Anya Taylor-Joy, Ane Dahl-Torp, Tilda Swinton, Adèle Exarchopoulos, Charlotte Gainsbourg, Banksy, Gerard Depardieu, Michel Houllebecq, Vanessa Paradis, Joanna Hogg, Jóhann Jóhannsson, Tom Cullen, Angela Merkel, Robert Fisk, Alex Brendemühl, Ana Pastor i Óscar Camps son algunos de los nombres propios de esta edición. A algunos los recibiremos físicamente en la isla. A otros los veremos en sus últimos trabajos.
A la cuidada selección que compone la programación de esta 10ª edición, hay que sumarle además la filmografía completa de Aleksei Balabànov, nombre de referencia y enfant terrible del cine ruso. En total se podrán ver los 13 largometrajes del añorado director, muerto prematuramente a los 54 años tras de sufrir un infarto.

"Of freaks and men": De Aleksey Balabánov, una de las películas de la retrospectiva del director ruso

Los coloquios y las charlas son otro de los platos fuertes de la versión física del festival en Palma. Todos los encuentros tendrán lugar en el Museu de Mallorca y además se podrán ver también en streaming a través de Instagram. Este año contaremos con los siguientes invitados:
-“Reflexión sobre la relación entre África y Europa”. Con la periodista Ana Pastor, el activista y fundador de Open Arms, Óscar Camps, la directora de la Fundació Barça, María Vallés y el director del documental “El escritor de un país sin librerías”, Marc Serena.
-“El futuro de Europa en tiempo de pandemias”. Con el director Stephan Wagner.
-“Feminismo, cine y cuotas después del #MeToo”. Con Patricia Arquette.
-“El periodismo vs la extrema derecha”. Con la periodista Maria Llull y el politólogo Pablo Simón
-“Los retos de la España vacía en el mundo actual”. Con el escritor y periodista, Sergio del Molino
-“Europa verde, Europa utópica”. Con el escritor y periodista, Sergio del Molino
-“Descifrando el enigma del Estudio Harris”. Coloquio entre el periodista Emili Manzano y el editor y crítico, Andreu Jaume.
-“Recordando el hotel de las estrellas”. Coloquio entre la escritora Carme Riera y el director de “Formentor”, José Luis López Linares.

"Adoration": En la programación del AFF 2020, después de haberse proyectado en Sitges 2019

Por tercer año consecutivo Atlàntida Film Fest acogerá el proyecto Mallorca Talents Lab, un espacio que permitirá a 6 guionistas desarrollar su proyecto cinematográfico bajo la tutela de grandes expertos del sector. Se celebrará del 27 al 30 de julio en Can Oleo.
Todos los eventos en Palma, incluidas las proyecciones de películas y los conciertos, son gratuitos previa reserva de entrada. AFF es el único festival multidisciplinar europeo de estas características.
Entre los artistas musicales invitados destacan Cecilio G, Vic Mirallas, Confeti de odio, Bearoid, María José Llergo, Ferran Palau, Pavvla, Marc Seguí, Júlia Colom y Mary PaxangaTodo el festival está incluído dentro de la suscripción de Filmin, exceptuando las películas “Tesla” y “The souvenir”. Los no suscriptores podrán disfrutar de toda la programación del festival por 15€.
Atlàntida Film Fest cuenta con el patrocinio de: Fundació Mallorca Turisme - Mallorca Film Commission; y el apoyo del Institut d'Estudis Baleàrics - Govern de les Illes Balears; Ajuntament de Palma, Consell Insular de Mallorca: Departament de Cultura; Creative Europe del Programa Media, ICAA Ministerio de Cultura, ICEC Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya; UNED- Illes Balears (Universidad Nacional de Educación a Distancia) y Centre Balears Europa.

"Las vidas de Marona": Una de las películas que se podrán ver en el Atlántida Film Fest 2020

LISTADO COMPLETO AFF 2020

SECCIÓN MEMORIA HISTÓRICA
-LAST AND FIRST MEN (Jóhann Jóhannsson, Islandia, 2020)
-TESLA (Michael Amereyda, USA, 2020)
-THE SOUVENIR (Joanna Hogg, Reino Unido, 2019)
-L'ETAT SAUVAGE (David Perrault, Francia, 2019)
-DIE KINDER DER TOTEN (Kelly Copper, Pavol Liska, Austria, 2019)
-HEIMAT IS A SPACE IN TIME (Thomas Heise, Alemania, Austria,  2019)
-OH LES FILLES! (François Armanet, Francia, 2019)
-THOSE WHO REMAINED (Barnabás Tóth, Hungría, 2019)
-TRUTH AND JUSTICE (Tanel Toom, Estonia, 2019)
-STORIES FROM THE CHESNUT WOODS (Gregor Bozic, Eslovenia, 2019)
-STATE FUNERAL (Sergei Loznitsa, Lituania, Países Bajos, 2019)
-SPEAK SO I CAN SEE YOU (Marija Stojnic, Serbia, Croacia, 2019)

SECCIÓN DOMESTIC
-SURGE (Aneil Karia, Reino Unido, 2020)
-PINK WALL (Tom Cullen, Reino Unido, 2019)
-LA PINTORA Y EL LADRÓN (Benjamin Ree, Noruega, 2020)
-JUST DON'T THINK  I'LL SCREAM (Frank Beauvais, Francia, 2019)
-CHARTER (Amanda Kernell, Suecia, 2020)
-EL BUZO (Günter Schwaiger, Austria, 2019)
-EASTERN (Piotr Adamski, Polonia, 2020)
-DIRTY GOD (Sacha Polak, Reino Unido, 2019)
-BURNING GHOST (Stéphane Batut, Francia, 2019)
-LET THERE BE LIGHT (Marko Skop, Eslovaquia, 2019)
-PELICAN BLOOD (Katrin Gebbe, Alemania, 2019)
-JOURNEY TO UTOPIA (Erlend E. Mo, Noruega, 2020)
-A VOLUNTARY YEAR (Ulrich Köhler, Henner Winckler, Alemania, 2019)
-THE DAZZLED (Sarah Suco, Francia, 2019)
-SCANDINAVIAN SILENCE (Martti Helde, Estonia, 2019)
-I WAS I AM I WILL BE (Ilker Çatak, Alemania, 2019)

SECCIÓN GENERACIÓN
-HERE ARE THE YOUNG MEN (Eoin Macken, Irlanda, 2020)
-LOVECUT (Iliana Estañol, Johanna Lietha, Suiza, Austria, 2020)
-PLAY (Anthony Marciano, Francia, 2019)
-ADORATION (Fabrice du Welz, Bélgica, 2019)
-THE PIG (Dragomir Sholev, Bulgaria, 2019)
-VERNON SUBUTEX (Cathy Verney, Francia, 2019)
-BACK HOME (Jessica Palud, Francia, 2019)
-FOMO (Attila Hartung, Hungría, 2019)
-ON THE QUIET (Zoltán Nagy, Hungría, 2019)
-TENCH (Patrice Toye, Bélgica, 2019)
-STARS BY THE POUND (Marie-Sophie Chambon, Francia, 2019)
-ALL ABOUT YVES (Benoît Forgeard, Francia, 2019)
-PSYKOSIA (Marie Grahtø Sørensen, Dinamarca, 2019)
-THE YOUNG OBSERVANT (Davide Maldi, Italia, 2019)
-EL SITIO DE OTTO (Oriol Puig, España, 2019)
-PERFECT 10 (Eva Riley, Reino Unido, 2019)
-ADOLESCENTES (Sébastien Lifshitz, Francia, 2019)
-SISTER (Svetla Tsotsorkova, Bulgaria, 2019)
-NOCTURNE (Viktor van der Valk, Países Bajos, 2019)
LA NOVA ESCOLA (Ventura Durall, España, 2020)

SECCIÓN CONTROVERSIA
-STIEG LARSSON: THE MAN WHO PLAYED WITH FIRE (Henrik Georgsson, Suecia, 2019) - serie
-SYSTEM CRASHER (Nora Fingscheidt, Alemania, 2019)
-THE EXCEPTION (Jesper W. Nielsen, Dinamarca, 2019)
-BEWARE THE CHILDREN (Dag Johan Haugerud, Noruega, 2019)
-EL ALCALDE DE RIONE SANITÁ (Mario Martone, Italia, 2019)
-THALASSO (Guillaume Nicloux, Francia, 2019)
-BAIT (Mark Jenkin, Reino Unido, 2019)
-HOW TO FAKE A WAR (Rudolph Herzog, Reino Unido, 2019)
-LA MAFIA YA NO ES LO QUE ERA (Franco Maresco, Italia, 2019)
-BIRD TALK (Xawery Zulawski, Polonia, 20199
-SUPERNOVA (Bartosz Kruhlik, Polonia, 2019)
-BANKSY: MOST WANTED (Aurélia Rouvier, Seamus Haley, Francia, 2020)
-THE FOUNDATION PIT (Andrei Gryazev, Rusia, 2020)
-MESETA (Juan Palacios, España, 2019)
-MERKEL (Stephan Wagner, Alemania, 2020)
-THE BAREFOOT EMPEROR (Peter Brosens, Jessica Woodworth, Bélgica, 2019)

SECCIÓN FOTÓGRAFOS EN GUERRA
-SYMPATHY FOR THE DEVIL (Guillaume de Fontenay, Francia, 2019)
-CAMILLE (Boris Lojkine, Francia, 20199
-THIS IS NOT A MOVIE (Yung Chang, Alemania, Canadá, 2019)
-PHOTOGRAPHER OF WAR (Boris B. Bertram, Dinamarca, 2019)

SECCIÓN IDENTIDAD
-MOFFIE (Oliver Hermanus, Reino Unido, 2019)
-EX (George Markakis, Alemania, 2020)
-X&Y (Anna Odell, Suecia, 2019)
-SEX (Amalie Næsby Fick, Dinamarca, 2020)
-GENDER DERBY (Camille Ducellier, Francia, 2019)
-FORCE OF HABIT (Varias Directoras, Finlandia, 2019)
-NORMAL (Adele Tulli, Italia, 2019)
-NO BOX FOR ME. AN INTERSEX STORY (Floriane Devigne, Francia, 2019)
-FAT FRONT (Louise Detlefsen, Louise Unmack Kjeldsen, Noruega, Dinamarca, Suecia, 2019)

SECCIÓN MUROS Y FRONTERAS
-A SON (Mehdi Barsaoui, Francia, 2019)
-BLIND SPOT (Patrick-Mario Bernard, Pierre Trividic, Francia, 2019)
-THE END OF LOVE (Keren Ben Rafael, Israel, Francia, 2019)
-MOTHERLAND ( Tomas Vengris, Lituania, 2019)
-EL ESCRITOR DE UN PAÍS SIN LIBRERÍAS (Marc Serena, España, 2019)
-NO NACIMOS REFUGIADOS (Claudio Zulian, España, 2019)
-SALKA (Xavi Herrero, España, 2020)
-ORIGEN (Ana Pastor, España, 2020) - corto

ATLÀNTIDA KIDS
-AWAY (Gints Zilbalodis, Letonia, 2019)
-LAS VIDAS DE MARONA (Anca Damian, Rumanía, Francia, 2019)

PROYECCIONES ESPECIALES
-WATER LILIES (Céline Sciamma, Francia, 2007)
-THE HIT (Stephen Frears, Reino Unido, 1984)

TALENTO BALEAR
-JE TE TIENS (Sergi Caballero, España, 2020) - corto
-ESTUDI  HARRIS (Emili Manzano, Claire Roquigny,  España, 2020)
-BOCCA CHIUSA (Joan Martí Mir, España, 2020)
-FORMENTOR: EL MAR DE LAS PALABRAS (España, 2020)
-DESTRUCCIÓN CREATIVA DE UNA CIUDAD (Carles Bover, España, 2020)
-DONNA (Marga Meliá, España, 2020) - corto
-ARDARA (Raimon Fransoy, Xavier Puig, España,2019)
-SEMPRE DIJOUS (Joan Porcel, España, 2020
-CONSTEL·LACIÓ COMELADE (Luis Hortas, España, 2019)

RETROSPECTIVA ALEKSEY BALABANOV
-HAPPY DAYS (Aleksander Balabanov, Rusia, 1991)
-THE CASTLE (Aleksander Balabanov, Rusia, 1994)
-BROTHER (Aleksander Balabanov, Rusia, 1997)
-OF FREAKS AND MEN (Aleksander Balabanov, Rusia, 1998)
-BROTHER 2 (Aleksander Balabanov, Rusia, 2000)
-THE RIVER (Aleksander Balabanov, Rusia, 2002)
-THE WAR (Aleksander Balabanov, Rusia, 2002)
-DEAD MAN’S BLUFF (Aleksander Balabanov, Rusia, 2005)
-IT DOESN’T HURT ME (Aleksander Balabanov, Rusia, 2006)
-CARGO 200 (Aleksander Balabanov, Rusia, 2007)
-MORPHIA (Aleksander Balabanov, Rusia, 2008)
-STOKER (Aleksander Balabanov, Rusia, 2010)
-ME TOO (Aleksander Balabanov, Rusia, 2012)

(Fuente de la información de la programación: Copia de parte de la nota de prensa del Atlántida Film Fest 2020)
(Fuentes del cartel y de las imágenes: Atlántida Film Fest, Filmaffinity, IMDb, Mitchel Pou, Isf)
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SUPA MODO (2018)

July 8, 2020, 11:12 pm
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LA NIÑA CON PODERES ESPECIALES


PAÍSES: Kenia-Alemania (2018)
DIRECCIÓN: Likarion Wainaina
FECHA Y LUGAR DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 20 de Febrero de 1987, Moscú (Rusia)
INTÉRPRETES: Stycie Waweru, Marrianne Nungo, Nyawara Ndambia, Johnson Gitau Chege, Humphrey Maina, Joseph Omari, Rita Njenga, Dinah Githinji, Nellex Nderitu, Ednah Daisy, Peris Wambui, Mercy Kariuki, Cindy Kahura, Nick Mwathi, Muriithi Mwangi, Martin Nyakabete, Joseph Wairimu, Isaya Evans, Manuel Siebert, Michael Bahati, Meshack Omondi, Elsie Wairimu, John Gathinya, Francis Githinji, Jubilant Elijah, Euphine Akoth Odhiambo, Mary Njeri Mwangi, Benedict Musau, Yu Long Hu, Biqun Su
GUIONISTAS: Silas Miami, Wanjeri Gakuru, Gathoni Kamau, Ian Masters, Kamau Wa Ndung'u, Mugambi Nthiga
FOTOGRAFÍA: Enos Olik, Volker Tittel
MÚSICA: Sean Peevers
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: One Fine Day Films, Ginger Ink Films
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: El Sur Films
DURACIÓN: 74 minutos
PREMIOS:44 premios, incluyendo uno en el festival de Berlín de 2018


SINOPSIS:
Jo, una niña de nueve años, está loca por las películas de acción y sueña con ser una superheroína. Su mayor deseo es rodar una película y protagonizarla. Gracias a su imaginación olvida que está en la fase terminal de una grave enfermedad. Su hermana ya no aguanta ver a la risueña Jo pasar el tiempo que le queda en una cama y la anima a usar sus poderes mágicos. De paso, convence a todo el pueblo para que haga realidad el sueño de la niña.
 (Fuentes de la sinopsis y el cartel: El Sur Films, Varanasi)
 (Fuentes de las imágenes: Sensacine, Varanasi)
 (Fuentes de la infromación de la película: Filmaffinity, El Sur Films, IMDb, Wikipedia)


CRÍTICA:
El director de fotografía ruso Likarion Wainaina afincado en Nairobi dirige su primer largometraje, que se rodó integramente en Kenia, y que se presentó en la sección Generation Kplus del festival de Berlín 2018. Esta ópera prima reune todos los elementos para que la mayoría de los espectadores empaticen con la historia dramática de esta niña de 9 años, que está enferma, pero que no pierde su alegría y su espíritu de superación, y que tiene unos poderes especiales que no tienen nada que envidiar a la de los superhéroes de las películas de Marvel o Dc.
La película se habla en suajili, inglés y Kikuyu, dependiendo de los personajes que estén presentes en cada una de las escenas.


La película se inicia en un hospital en el que está Jo, la joven protagonista, y que en la escena inicial abandona ese lugar cuando llega su madre para recogerla, y desde ese momento vuelve al hogar familiar junto a su madre Kathryn y su hermana Mwix. Antes de salir de ese hospital la niña pudo disfrutar de una película de superhéroes junto a los otros niños/as que estaban ingresados allí, y ese elemento de fantasía será el central durante los pocos más de 70 minutos, ya que esa niña con poderes mágicos empleará toda su fuerza mental para evitar que los malos se salgan con la suya, y todo eso se va insertando con la vida privada en la casa en la que vive con su madre (que ha decidido abandonar su trabajo, salgo que tenga algún caso urgente que no puede rehuir) y su hermana, y entre ambas hay unas diferencias importantes y se plantean unas discusiones o debates en unas escenas dramáticas en las que las dos actrices están magníficas y creíbles en unos momentos con una gran intensidad dramática. 


El cineasta ruso ha sabido colocar la cámara en el lugar adecuado para dejar la libertad a las tres intérpretes: Stycie Waweru en el papel de Jo, que tiene mucho desparpajo y naturalidad impropia de su juventud, Marrianne Nungo como Kathryn (la madre) y Nyawara Ndambia que está soberbia en el papel de Mwix, la hermana mayor de la protagonista. Completan el reparto Johnson Gitau Chege como Mike, el propietario de la productora cinematográfica y Humphrey Maina en el de Pato, el dueño del Kiosko de la localidad en la que viven las protagonistas.
Los aspectos positivos son, además de las interpretaciones, su sencillez narrativa, el saber mezclar diferentes géneros e introducir ese elemento de fantasía (aunque se excede en algunas situaciones que resultan repetitivas), y las canciones que suenan en el prólogo y en los títulos de crédito finales.
Es fácil de recomendar al público medio de mediana edad, y a los más mayores, por no ser compleja a nivel argumental y por el espíritu de superación de la niña protagonista.


LO MEJOR: El reparto, en especial la actuación de Nyawara Ndambia. Los elementos de comedia funcionan bien en esta historia dramática. Las canciones.
LO PEOR: Se excede en las escenas oníricas de la protagonista con la capa, que son muy repetitivas.  

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Pedro de Frutos en El Ónfalos

Pedro de Frutos en Coveralia


DÍAS DE CINE:

TRAILER:


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UNDER THE SKIN (2013)

July 12, 2020, 7:44 am
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LA MUJER ENIGMÁTICA


PAÍS: Reino Unido (2013)
DIRECCIÓN: Jonathan Glazer
FECHA Y LUGAR DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 26 de Marzo de 1965, Londres (Reino Unido)
INTÉRPRETES: Scarlett Johansson, Paul Brannigan, Robert J. Goodwin, Krystof Hádek, Scott Dymond, Michael Moreland, Jessica Mance, Jeremy McWilliams, Adam Pearson
GUIONISTAS: Walter Campbell, Jonathan Glazer
BASADA EN: La novela homónima escrita por Michel Faber, y publicada en el año 2000
FOTOGRAFÍA: Dan Landin
MÚSICA: Mica Levi
GÉNERO: Ciencia Ficción
PRODUCCIÓN: Film4 Productions, Nick Wechsler Productions, British Film Institute, Silver Reel, Creative Scotland, Sigma Films, FilmNation Entertainment, JW Films, Scottish Screen, UK Film Council
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Avalon Distribución
DURACIÓN: 108 minutos
PREMIOS: 24 premios, incluyendo uno en los EFA 2014


SINOPSIS:
Un extraterrestre en el cuerpo de una misteriosa mujer deambula por las calles de Escocia, arrastrando a hombres solitarios y confiados a un destino fatal. Adaptación de la novela homónima de Michel Faber, Under the Skin nos permite observar nuestro mundo a través de los ojos de un alienígena.
 (Fuente de la sinopsis y el cartel: Avalon Distribución)
 (Fuentes de las imágenes: Avalon Distribución, IMDb)
 (Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, Avalon Distribución, IMDb, Wikipedia)


CRÍTICA:
El británico Jonathan Glazer, conocido por sus trabajos en videoclips musicales de entre otros Radiohead o Jamiroquai, y de películas como "Sexy Beast (2000)", fue el encargado hace 7 años de adaptar la novela "Under the skin" escrita el año 2000 por el neerlandés Michel Faber.
La película es una de las más hipnóticas, extrañas, originales e impactantes de los últimos años, y ha tardado mucho tiempo en estrenarse comercialmente en los cines de nuestro país, y lo hace al mismo tiempo que en la pataforma de VOD Filmin.
La propuesta se presentó en el año 2013 en el festival de Telluride, y posteriormente se pudo ver en Venecia formando parte de la sección oficial de ese festival, además de proyectarse en Toronto. En nuestro país fue un año después cuando fue seleccionado por los festivales de Sitges y Gijón para que los asistentes a esos escenarios cinematográficos pudieran disfrutar de esta propuesta tan especial. 


Fue una de las grandes protagonistas de los premios británicos y estadounidenses más independientes de la temporada 2013-2014, y la compositora Mica Levi fue premiada con el EFA 2014 por su trabajo en la banda sonora de esta película.
El punto de partida es el de una escena oscura con un punto blanco que corresponde a un vehículo que vemos de lejos como se va moviendo en una carretera oscura, mientras escuchamos una música de fondo y un sonido muy bien insertados que van incescendo de intensidad. A partir de ahí se presenta al personaje que será el gran protagonista del proyecto, el de una mujer enigmática, de la que no sabemos su nombre, y que se mueve en una furgoneta blanca por diferentes lugares de Escocia, ya sean urbanos o rurales, y que debido a su gran belleza provocará que muchos hombres con los que se cruza caigan en su trampa, para terminar con una escena con gran contenido sexual y un final no deseado. 


La película, de la que es mejor no saber nada antes de verla, no es apta para todo tipo de espectadores, ya que no sigue los patrones habituales del cine convencional, sino que no cuenta las cosas de manera directo, no hay muchos diálogos y su ritmo pausado también puede echar para atrás al gran público. Pero hará las delicias de los que disfrutan con un cine diferente, en donde no es necesario que te den todo mascado, y que da prioridad a lo sensorial antes que a lo narrativo, con una música que está desaparecida durante la mitad del metraje, pero que cuando aparece es potente, ayudando a crear esa atmósfera tan enigmática, junto al sonido artificial o al del entorno natural (principalmente en las escenas que tienen lugar en un entorno bosquoso o cercano a los lagos escoceses). El trabajo de Mica Levi, la compositora de la banda sonora de la película, es sobresaliente. 


El otro punto fuerte, además de la dirección de Jonathan Glazer (sabe mover muy bien la cámara en lso diferentes escenarios), es la dirección de fotografía de Dan Landin, que juega muy bien con las diferentes tonalidades de los escenarios, y nos presenta unas escenas de gran belleza, lo que tiene mucho mérito teniendo en cuenta que, sobre todo en el tercio inicial, las escenas se desarrollan por la noche.
A nivel interpretativo la gran protagonista es Scarlett Johansson, que lo hace muy bien en una actuación dramática contenida, y que aparece desnuda en varias escenas de gran carga erótica. Un personaje nada fácil de interpretar, el de una mujer solitaria y enigmática, que se mueve sin un rumbo definido por las carreteras de Escocia. La película mezcla diferentes géneros, como la ciencia ficción o el suspense (en el fondo es un thriller psicológico con elementos de terror), y tiene un gran prólogo y un desenlace sorprendente, además de unos giros inesperados, y lo hace sin necesidad de tener muchos diálogos.
Una película que recomiendo a los que busquen experiencias diferentes en una sala de cine, alejadas del convencionalismo tan habitual en la mayoría de estrenos de los últimos años.


LO MEJOR: La fotografía. La banda sonora. La actuación de Scarlett Johansson.
LO PEOR: Los personajes secundarios carecen de protagonismo.

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Xavier Vidal en Cinoscar & Rarities

Pedro de Frutos en El Ónfalos

Pedro de Frutos en Coveralia

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AYKA (2018)

July 10, 2020, 4:54 am
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VIVIR AL LÍMITE


PAÍSES: Rusia, Alemania, Polonia, Kazajistán, China (2018)
DIRECCIÓN: Sergey Dvortsevoy
FECHA Y LUGAR DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 18 de Agosto de 1962, Chimkent (Kazajistán)
INTÉRPRETES: Samal Yeslyamova, Zhipara Abdilaeva, Sergey Mazur, David Alaverdyan, Andrey Kolyadov, Slava Agashkin, Azamat Satimbaev, Galina Kravets
GUIONISTAS: Sergey Dvortsevoy Gennady Ostrovsky
FOTOGRAFÍA: Jolanta Dylewska
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Ministerio de Cultura de Rusia, Eurimages, Instituto de Cine Polaco, Mitteldeutsche Medienförderung, Pallas Film, Otter Films, Kinodvor, ARTE, Eurasia Film Production, Juben Pictures, ZDF/Das kleine Fernsehspiel
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Paco Poch Cinema
DURACIÓN: 109 minutos
PREMIOS:11 premios, incluyendo un premio en el festival de Cannes de 2018


SINOPSIS:
Ayka acaba de dar a luz. No puede permitirse el lujo de criar un hijo. Vive en Moscú en situación ilegal, no tiene trabajo y debe pagar demasiadas deudas. No tiene ni siquiera un lugar donde dormir. ¿Podrá reprimir sus instintos naturales?
 (Fuente de la sinopsis, el cartel y las imágenes: Paco Poch Cinema)
 (Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, Paco Poch Cinema, IMDb, Wikipedia)


CRÍTICA:
El segundo largometraje de ficción dirigido por el kazajo Sergey Dvortsevoy, que ya triunfó con "Tulpan (2008)", su primer trabajo, que fue premiado por partida triple en el festival de Cannes de ese año, es una historia dramática de gran dureza que se desarrolla en la ciudad de Moscú, en donde vive una mujer inmigrante de 25 años que lucha por sobrevivir en la capital de Rusia, que tiene que buscar dinero legal a toda costa para pagar las deuda derivada de la puesta en marcha de un negocio de costura que no salió bien. La película se presentó en el festival de Cannes de 2018, en donde fue premiada con el galardón a la mejor actriz de la sección oficial de esa edición del mejor festival cinematográfico.


En el prólogo se pone de manifiesto la difícil situación de Ayka, que se encuentra en una clínica en donde ha dado a luz a un bebé, y que se escapa de ese lugar sin que se den cuenta porque no va a poder mantenerlo, y el abandono de una madre a su recién nacido es el inicio de unas situaciones que van complicando la vida de esa joven y que suceden a modo de cascada, lo que povocan una huida de esa mujer escondiéndose de sus prestamistas e intentando sacar dinero de debjo de las piedras con trabajos de gran dureza física. A todo esto tenemos que añadir la herida que tiene Ayka derivada del parto que la provoca sangrado abundante.
La película tiene muchos elementos positivos, y funciona muy bien a nivel dramático como en la crítica social (el cambio climático o el machismo son temas que se abordan aunque sean de puntillas), gracias al trabajo en la dirección de Sergey Dvortsevoy, que se mueve muy bien siguiendo a la protagonista en ese recorrido por las calles de una Moscú cubierta de nieve y que, junto a la dirección de fotografía de Jolanta Dylewska, son los responsables de mantener la tensión y de esa sensación de angustia y opresión, al colocar la cámara cercana a los personajes, en especial en ese mujer que lo está pasando muy mal.


Pero todo eso no funcionaría tan bien si no fuera por el trabajo interpretativo de Samal Yeslyamova que ganó el premio a la mejor actriz en el festival de Cannes de 2018 por este trabajo dramático tan intenso, y que ya había trabajado con el cineasta kazako en "Tulpán". La actriz hace creíbles los movimientos de su personaje, y traslada ese sufrimiento personal a los espectadores, y no es nada fácil teniendo en cuenta que la cámara está cerca de su rostro durante casi dos horas.
La manera de filmar de Dvortsevoy, y tanto el argumento central como el desarrollo de la historia, recuerdan mucho al cine de otros grandes directores actuales, como Farhadi, Mungiu o Iñárritu. La película tiene mucho ritmo, y se pasa de una situación dramática a otra, y lo hace con un guion bastante coherente, y con un magnífico desenlace que cierra de manera perfecta esa historia de sufrimiento personal de Ayka, que se puede extrapolar a otros inmigrantes o personas de clase social baja en un país como Rusia.
Una película recomendable a los aficionados al cine europeo más independiente, y a las historias dramáticas filmadas a gran ritmo y con la cámara cercana a los personajes.


LO MEJOR: La actuación de Samal Yeslyamova. La dirección y la fotografía.
LO PEOR: La filmación tan cercana a los personajes puede desesperar a muchos espectadores.

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Pedro de Frutos en El Ónfalos

Ricardo Pablo López en Destino Arrakis


NOTA DE DIRECCIÓN:
Todo comenzó con una fría estadística publicada en un periódico: «En 2010, en los hospitales de maternidad de Moscú, 248 bebés fueron abandonados por madres de Kirguistán».
Al leer la noticia me quedé en estado de choque durante tiempo. ¿Cómo podía ser? ¿Por qué razón tantas madres kirguisas abandonaban a sus bebés en un país extranjero? ¿Qué les obligaba a cometer un acto tan antinatural para cualquier mujer, y mucho más, si cabe, para mujeres de Asia Central, con culturas intensamente orientadas a la familia?
Me di cuenta de que debía hacer una película sobre esto: una película sobre una mujer kirguisa que abandona a su hijo recién nacido en una sala de maternidad de Moscú y sobre las circunstancias que la llevan a tomar tal decisión. De hecho, la película trata de todos nosotros: de lo que sucede cuando el entorno de una persona alcanza tales extremos que le obliga a deteriorarse moralmente. La vida misma, la naturaleza, debe intervenir y obligar al individuo a reevaluarse y cambiar, incluso a veces en contra de su voluntad.
 (Fuente del texto: Dossier de prensa-Paco Poch Cinema)


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LA CINTA DE ÁLEX (2019)

July 15, 2020, 8:23 am
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REENCUENTRO EN LA INDIA


PAÍSES: España-Estados Unidos-India (2019)
DIRECCIÓN: Irene Zoe Alameda
AÑO Y LUGAR DE NACIMIENTO DE LA DIRECTORA: 1974, Madrid (España)
INTÉRPRETES: Fernando Gil, Rocío Yanguas, Aitana Sánchez-Gijón, Amit Shukla, Krishna Singh Bisht, Aida Folch, Rohit Choudhary, Mia Speight, Monica Khanna, Kavyanshi Samaria, Daniel Alameda, Isar Khan, Adrianna Medina
GUIONISTA: Irene Zoe Alameda
FOTOGRAFÍA: Irene Zoe Alameda, Antonio Escobar
MÚSICA: Richard López
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Fronteras de papel A.I.E, Storylines Projects, Barbarella Productions, Manchester Creations, Cool shot
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Syldavia Cinema
DURACIÓN: 109 minutos
PREMIOS:2 premios en los Winter Film awards 2020


SINOPSIS:
Alexandra es una adolescente que se reencuentra con su padre tras una larga separación forzosa.
Él es un comerciante que ha pasado varios años en la cárcel acusado de terrorismo por error. Una vez sale de prisión, ambos se embarcan en un viaje a la India, donde Álex intenta rehacer su negocio y reconstruir la relación con su hija.
Una vez allí, los eventos se suceden de forma inesperada y trágica, tras una explosión que amenaza con volver a separarlos para siempre. Solo la niña tendrá las claves para salvar a su padre.
 (Fuente de la sinopsis: Syldavia Cinema)
 (Fuente del cartel: Filmaffinity)
 (Fuentes de las imágenes: Los 40, Audiovisual451, El Correo, No es cine todo lo que reluce, Diario de Mallorca, IMDb)


CRÍTICA:
La escritora Irene Zoe Alameda nos presenta su ópera prima, había algún cortometraje, pero está es su primera película. La verdad es que personalmente me hace mucha ilusión ver la cinta, porque es la vuelta a los cines después de tres meses interminables de confinamiento. La verdad que la joven directora ha arriesgado mucho y se ha puesto el listón muy algo. La película se ha rodado en muchos sitios, desde Estados Unidos hasta la India. Colabora en la banda sonora de Antonio Escobar. Y el guion es también propio.


La historia gira en torno a Alexandra, una joven que vive en Estados Unidos junto con su madre, marine de profesión. Debido a su mal comportamiento la chica ha sido expulsada varias veces de clase, y por esa razón su madre decide enviarla a la India junto con su padre. Curiosamente en el aeropuerto antes de coger el avión es donde se reencontraran, después de más de 10 años sin verse. Alexandra no lo recuerda ni lo reconoce. El padre ha pasado muchos en la cárcel, acusado de terrorismo.
Ese recuentro de padre e hija es el hilo fundamental del metraje, los dos se buscan con la mirada y este viaje les servirá para conocerse y poder vivir aventuras juntos. 
Las interpretaciones de los dos actores protagonistas me parecen más que correctas, sobre todo la niña, cuyo papel tiene una fuerza y un valor impresionante. Durante el desarrollo de la cinta vamos viendo el perdón y el amor que los dos protagonistas tenían guardados muy adentro.


Lo mejor que nos ofrece la película es la capacidad que tiene para mostrarnos los distintos lugares por donde van pasando y los momentos dramáticos que van ocurriendo. El problema que tiene es que quiere tocar muchas cosas y eso le provoca muchas dudas en el guion. Intenta ser también una denuncia social sobre las injusticias cometidas por el gobierno norteamericano, acusando de terroristas a personas inocentes. También nos muestra como funciona el mundo del contrabando y de la precariedad laboral en la India.
En definitiva para ser su primera película no está nada mal, tiene cosas buenas, como la puesta en escena y el ritmo que hace que el espectador no pierda detalle de todo lo que ocurre. Tendremos que seguir la carrera de esta directora para ver que nos va trayendo. Recomendable para pasar un rato agradable.
Puntuación: 5.5/10


LO MEJOR: Entretiene y tiene un buen ritmo.
LO PEOR: Quiere tocar muchos temas y eso la perjudica.
(Crítica escrita por Christopher Laso)

PODCAST:


DÍAS DE CINE:

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(CRÍTICA DE CHRISTOPHER LASO)
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FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN 2020: CARTELES

July 17, 2020, 12:25 pm
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WILLEN DAFOE ES EL PROTAGONISTA DEL CARTEL OFICIAL

El actor estadounidense Willem Dafoe (Appleton, Wisconsin, 1955) protagonizará la imagen del cartel de la 68 edición del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar del 18 al 26 de septiembre. El Festival comenzó en 2018 una nueva línea de carteles, cuya composición aúna fotografía e ilustración y que preside una figura de la cinematografía contemporánea. La actriz Isabelle Huppert inauguró la serie en la 66 edición y el año pasado lo hizo Penélope Cruz. El cartel ha sido realizado por el estudio donostiarra Patio a partir de una imagen del fotógrafo Martin Schoeller.
Nominado cuatro veces al Oscar y tres a los Globos de Oro, Dafoe recibió en 2005 el Premio Donostia en reconocimiento a una trayectoria que incluye colaboraciones con los cineastas Michael Cimino, Martin Scorsese, Oliver Stone, John Waters, Paul Schrader, David Lynch, Alan Parker, Abel Ferrara, Lars Von Trier, Wes Anderson, Sam Raimi, Sean Baker y Robert Eggers, entre muchos otros.

"La última tentación de cristo": Protagonizada por Willem Dafoe

Dafoe visitó San Sebastián por primera vez en 1988 para presentar The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo, Martin Scorsese). Regresó en 1997 para acompañar la película Victory (Mark Peploe), que compitió en la Sección Oficial, y en 2005 volvió para recoger el galardón honorífico más importante del Festival, el Premio Donostia, en una ceremonia en la que se proyectó Before it Had a Name (Giada Colagrande). Su última visita tuvo lugar en 2014 junto a Pasolini (Perlak), dirigida por Abel Ferrara.
“Es un honor para el Festival que uno de los mejores actores del mundo, con el que nos une una afectuosa relación desde hace muchos años, haya aceptado ser la imagen de la 68 edición del Festival de San Sebastián”, ha apuntado el director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos: “Lugar de encuentro del pasado, presente y futuro del cine”.

Willem Dafoe en "Paolini"

Los carteles de esta edición pertenecen a la serie Huele de cine, elaborada por el estudio donostiarra Patio, que ya diseñó el cartel de la retrospectiva dedicada a Ernst Lubitsch en 2006, en la 54 edición. El director creativo de Patio, Patxi Zapirain, ha partido de un concepto que agrupase la cartelería y la dotase de una identidad compartida, con el objetivo de “contribuir al posicionamiento del Festival como lugar de encuentro del pasado, presente y futuro del cine”. Los motivos orgánicos y vegetales y el color dominan las imágenes a través de las que Zapirain representa al Festival “como un gran jardín donde puedes encontrar todo tipo de flores, de sensaciones y olores, un jardín que está muy vivo, con grandes flores, grandes películas, pero también con pequeñas películas que pueden hacerse grandes”. Patio ofrece desde 2004 servicios de comunicación integrales, es decir, publicidad estratégica, marketing directo, diseño, imagen, identidad corporativa, social media, acciones no convencionales, diseño y programación de páginas web, editorial o comunicación aplicada a espacios.

"Falling": Una de las películas de la sección oficial de la 68ª edición del Zinemaldia


CARTELES DEL ZINEMALDIA 2020

SECCIÓN OFICIAL

NUEVOS DIRECTORES

HORIZONTES LATINOS

ZABALTEGI-TABAKALERA

PERLAS

NEST

CULINARY ZINEMA

PATROCINADORES Y COLABORADORES 2020

El Festival es posible gracias a la colaboración y el entusiasmo de muchas personas y empresas, entre ellas:
- RTVE y MOVISTAR +, Patrocinadores Oficiales del Festival.
- AUDI, Colaborador Oficial y Vehículo Oficial.
- KUTXABANK, Colaborador Oficial y Patrocinador del Premio Kutxabank-New Directors.
- AMENABAR, Colaborador Oficial y Patrocinador de Cine Infantil.
- AECID-COOPERACIÓN ESPAÑOLA, Patrocinador del Premio Cooperación Española.
- ASOCIACIÓN INTERPROFESIONAL DEL CERDO IBÉRICO, Patrocinador de los Cócteles Oficiales del Festival.
- AYUNTAMIENTO DE SAN SEBASTIÁN, Patrocinador del Premio del Público.
- BASQUE CULINARY CENTER, Coorganizador de Culinary Zinema.
- CHANEL, Maquillaje Oficial del Festival.
- DEPARTAMENTO DE DESARROLLO ECONÓMICO E INFRAESTRUCTURAS DEL - GOBIERNO VASCO, Por su apoyo al Departamento de Industria, impulsor del Foro de Coproducción Europa-América Latina y promotor del Zinemaldia Startup Challenge.
- DEPARTAMENTO DE TURISMO, COMERCIO Y CONSUMO DEL GOBIERNO VASCO, Colaborador del Festival.
- DONOSTIA INTERNATIONAL PHYSICS CENTER (DIPC), Co-Organizador de las proyecciones escolares.
- DOPPLER, Colaborador del Festival.
- EGEDA, por su apoyo a WIP Latam.
- EITB, Colaborador del Festival y de la Gala del Cine Vasco.
- EL DIARIO VASCO, Colaborador del Festival.
- ELIAS QUEREJETA ZINE ESKOLA, Coorganizador de Ikusmira Berriak y colaborador del proyecto Zinemaldia 70.
- EPE-APV, Colaborador de Zinemira.
- FILMOTECA ESPAÑOLA, Colaborador del Festival.
- FILMOTECA VASCA, colaborador del proyecto Zinemaldia 70.
- FUNDACIÓN SGAE, Colaborador del Festival.
- GIN MG, Colaborador del Festival.
- ¡HOLA!, Colaborador del Festival.
- IBAIA, Colaborador de Zinemira.
- IRIZAR, Patrocinador del Premio Irizar al Cine Vasco.
- KELER, Cerveza Oficial del Festival.
- KUTXA FUNDAZIOA, Colaborador del Proyecto Zinemaldia 70.
- MAR DE FRADES, Colaborador del Festival
- MUSEO SAN TELMO, Colaborador del Festival.
- NESPRESSO, Café Oficial y Patrocinador de Culinary Zinema.
- LA PERLA, Colaborador del Festival.
- LOTERÍAS Y APUESTAS DEL ESTADO, Patrocinador del Proyecto Zinemaldia 70.
- ORONA FUNDAZIOA, Colaborador del Festival y Patrocinador de Nest.
- PERRIER JOUËT, Champán Oficial del Festival.
- PETRONOR, Coorganizador de Zinemaldia & Technology.
- PROGRAMA EUROPA CREATIVA MEDIA DE LA UNIÓN EUROPEA, Por su apoyo al Departamento de Industria.
- PROGRAMA IBERMEDIA, por su apoyo a WIP Latam.
- RAMIRO MATA, Colaborador del Festival.
- SADE, Colaborador del Festival.
- TABAKALERA-CENTRO INTERNACIONAL DE CULTURA CONTEMPORÁNEA, Coorganizador de Nest, de Ikusmira Berriak, de Zinemaldia & Technology, de Zabaltegi-Tabakalera y colaborador del proyecto Zinemaldia 70.
- TCM, Patrocinador del Premio de la Juventud.
- TECNALIA, Coorganizador de Zinemaldia & Technology.
- VICOMTECH, Colaborador de Zinemaldia & Technology.
- ZINEUSKADI, Por su apoyo al Foro de Coproducción Europa-América Latina.

Y a los miembros del consejo de administración de la Sociedad Anónima Festival de San Sebastián: Ministerio de Cultura del Gobierno de España, Departamento de Cultura del Gobierno Vasco, Diputación Foral de Gipuzkoa y Ayuntamiento de San Sebastián.


(Fuente del texto: Copia de la nota de prensa del Festival de San Sebastián)
(Fuente de los carteles: Zinemaldia)
(Fuentes de las imágenes: Zinemaldia, IMDb, Good Films)
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DERSU UZALA (EL CAZADOR) (1975)

July 15, 2020, 8:45 am
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EL CAPITÁN Y EL CAZADOR


PAÍSES: Unión Soviética-Japón (1975)
TÍTULO ORIGINAL: Dersu Uzala
DIRECCIÓN: Akira Kurosawa
FECHA Y LUGAR DE NACIMIENTO Y FALLECIMIENTO DEL DIRECTOR: 23 de Marzo de 1910, Tokio (Japón); 6 de Septiembre de 1998, Setagaya (Japón)
INTÉRPRETES: Maksim Munzuk, Yuriy Solomin, Svetlana Danilchenko, Vladimir Kremena, Dmitriy Korshikov, Suymenkul Chokmorov
GUIONISTAS: Akira Kurosawa, Yuri Nagibin
BASADA EN: La novela homónima escrita por Vladímir Arséniev, y publicada en 1923
FOTOGRAFÍA: Asakazu Nakai, Youri Gantoman, Fyodor Dobronravov
MÚSICA: Isaac Schwartz
GÉNERO: Aventuras
PRODUCCIÓN: Mosfilm, Atelier 41, Daiei Studios, Trete Tvorcheskoe Obedinenie
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films
DURACIÓN: 141 minutos
PREMIOS: 8 premios, incluyendo un premio Óscar en 1976


SINOPSIS:
El capitán Arseniev y su destacamento tienen que realizar unas prospecciones geológicas en los bosques de la taiga siberiana. La inmensidad del territorio y la dureza del clima hacen que se extravíe. Condenado a vagar por una tierra salvaje, Vladimir conoce a Dersu Uzala, un cazador nómada que conoce el territorio como la palma de su mano y sabe cómo afrontar las inclemencias del tiempo. Dersu enseñará al capitán a respetar la naturaleza y a convivir en plena armonía con ella, una lección que difícilmente olvidará el resto de su vida.
 (Fuente de la sinopsis y el cartel: A Contracorriente Films)
 (Fuentes de las imágenes: Image.net-A Contracorriente Films)
 (Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, A Contracorriente Films, IMDb, Wikipedia)


CRÍTICA:
El japonés Akira Kurosawa es uno de los mejores directores de la historia del cine, en una carrera de casi 50 años con grandes películas en géneros diferentes, y uno de los que permitió conocer el cine asiático al resto del mundo. Entre su filmografía destacan títulos como "Los siete samurais (1954)", pero a nivel personal gustándome mucho esa película me quedo con otros dos títulos anteriores, "Rashomon (1950)" y "Vivir (1952)". Cuando parecía que la carrera del cineasta nipón había llegado a su fin en cuanto a presentar obras maestras fue capaz de dirigir "Dersu Uzala", con 65 años de edad, que fue premiada con el Óscar en la categoría de película de habla no inglesa, y actualmente se puede ver en los cines españoles una versión digital restaurada, que no he podido ver, pero que seguro es magnífica) de uno de los mejores trabajos de Kurosawa, y en opinión personal su última gran película ya que, aunque siguió dirigiendo películas de gran éxito de público y crítica como "Kagemusha, la sombra del guerrero (1980)" o "Ran (1986)", ninguna se acerca al nivel de esta obra maestra y de otras obras dirigidas en sus inicios en el mundo del séptimo arte.


Centrándonos en la película, que tiene su punto de partida en 1910 cuando el capitán Arséniev llega a Korfovskiy para buscar la tumba de Dersu Uzala, y después de ese prólogo el protagonista narra la historia personal de cómo conoció a esa persona en 1902, en un magnífico recorrido por los paisajes en la cuenca del río Ussuri en la parte más oriental de Rusia, con aventuras, momentos dramáticos y algunas situaciones divertidas, en compañía de su expedición y ese cazador de la china Hezhen, que le salvó la vida en más de una ocasión al ser conocedor del terreno inhóspito durante esas infernales tormentas de nieve y viento.
La película está basada en la novela autobiográfica escrita por el propio capitán en 1923, en donde narra los momentos fundamentales de esas expediciones entre 1902 y 1908 (en la película se centra en las de 1902 y 1907), y su amistad con ese cazador al que conoció en su primera expedición, del que aprendió mucho y al que consideraba uno más de su familia.



La película, que se presentó en el festival de Moscú de 1975 y posteriormente en el de Toronto, está muy bien filmada, gracias al talento del director japonés para filmar las escenas de acción y aventuras, y saber sacar el máximo partido a los personajes, además de mostrar la belleza del paisaje natural, con unas bellas estampas visuales, en donde se juega muy bien con las luces y las sombras. La propuesta sabe conjugar cine de entretenimiento con uno de calidad, cuidando al máximo todos los detalles, para lograr emocionar en las escenas con una mayor carga dramática, y disfrutar con unas escenas de aventuras con aroma al mejor cine clásico del género.


A nivel interpretativo destacan Yuriy Solomin en el papel del capitán ruso y Maksim Munzuk como el cazador, y ambos están magníficos, en unos trabajos nada sencillos, que sacan adelante con solvencia. Otro aspecto que me gustaría destacar es que la voz en off funciona bastante bien, y no se hace pesada.
A nivel técnico y artística la película es brillante, destacando el gran trabajo del montador, la fotografía de calidad, el diseño de vestuario y una música compuesta por Isaac Schwartz que es muy variada y una auténtica delicia escucharla, siendo adecuada en las diferentes situaciones.
Una película que no ha envejecido nada, que se mantiene fresca 45 años después de su estreno, y que es fácil de recomendar por ser amena, instructiva y emotiva, y que es ideal para que las nuevas generaciones se introduzcan en la obra de uno de los grandes cineastas clásicos, de gran influencia en muchos directores actuales. 


LO MEJOR: La música y la dirección. No ha envejecido y funciona muy bien en diferentes géneros, tanto en los momentos de cine de aventuras como en las situaciones más emotivas.
LO PEOR: Tiene un ligero parón en la parte central.

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Juan Murillo en Habladecine

Charles en Los Lunes Seriéfilos


PODCAST:

  


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UN TIEMPO PRECIOSO (2019)

July 17, 2020, 12:26 pm
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EL ACTOR ENFERMO


PAÍS: España (2019)
DIRECCIÓN: Miguel "Micky" Molina
FECHA Y LUGAR DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 27 de Noviembre de 1963, Madrid (España)
INTÉRPRETES: Migel "Micky" Molina, Sandra Blakstad, Carlos Pulido, Saturnino García
GUIONISTAS: Micky Molina, José Luis de Damas
FOTOGRAFÍA: Pototo Díez
MÚSICA: Luis de Arquer, Antonio Molina
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Forest Films, Platea Films
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Artistic Films
DURACIÓN: 91 minutos


SINOPSIS:
Miguel un actor en declive de su carrera tiene ante sí el ultimo viaje de su vida. Le han diagnosticado la enfermedad del Alzheimer y un tumor cerebral. Su hijo Carlos, después de que su padre le abandonara, se encuentra en la encrucijada de acudir en su ayuda. La pareja de Miguel y tía de Carlos, Sandra, intenta rehacer las relaciones entre padre e hijo y a la vez recuperar un amor casi perdido. Aparece un amigo invisible, de nombre Agapito, que acompañara a Miguel en este viaje, provocando situaciones que van desde la ternura y la risa hasta el drama.
 (Fuentes de la sinopsis, el cartel y las imágenes: Artistic Films, Forest Films)
 (Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, Artistic Films, Seminci, Forest Films, IMDb)


CRÍTICA:
La ópera prima del actor Miguel "Micky" Molina, de la que también es responsable del guion y de la producción del proyecto, es una película extraña y muy sensorial, en la que también es el protagonista de la historia, en el papel de Miguel, un actor al que le han detectado alzheimer y una enfermedad terminal, y que intenta recuperar a su familia a la que perdió por su actitu personal en el pasado, y por su comportamiento egoista, cercano a la locura, en parte por el excesivo consumo de alcohol. La película tuvo su presentación en la sección punto de encuentro de la pasada edición del festival de cine de Valladolid.


La película se inicia con un prólogo en donde vemos al protagonista escribir unas palabras en la arena de una playa vacía, antes de sumergirse en el agua para terminar con su vida. La escena nos termina mostrando esa frase escrita por Miguel que es lo que da título a la película.
A partir de aquí la propuesta va hacia atrás para contarnos los últimos años de vida de esa persona, desde su etapa en la que vive en Madrid, cuando le detectan esas enfermedades terminales, a la parte final en la isla de Ibiza, en donde intenta recuperar su pasado y acercarse a sus amigos y familiares en esos momentos tan difíciles. y es un homenaje a las personas que sufren de Alzheimer y a sus familiares.


La película no es sencilla, ya que el director ha decidido abordar el proyecto con una narrativa poco convencional y con unos movimientos de cámara que recuerdan a ese cine de autor europeo pero, en parte por lo limitado del presupuesto y por su inexperiencia en esa faceta cinematográfica, el resiltado es una propuesta extraña, que funciona por algunas escenas aisladas, que tienes sus mejores momentos en el tercio final, en especial una situación que termina con la imagen que es el cartel de la película en su estreno en los cines españoles, pero que tiene su encanto y tiene algunos elementos positivos destacados.
El punto fuerte del proyecto es la interpretación de Micky Molina, en un papel histriónico que no es nada sencillo de llevar a la gran pantalla, y que demuestra que él en realidad es un actor, aunque quien sabe si en el futuro puede ser un cineasta decente. Tampoco desentonan Carlos Pulido, que interpreta a su hijo, Sandra Blakstad como la tía de Carlos y Saturnino García en el de Agapito, el amigo imaginario del protagonista. 


La belleza de las playas y calas ibicencas y de las calles de esa preciosa isla de las Baleares es otro de los puntos fuertes del proyecto, y sobre todo la gran banda sonora compuesta Luis de Arquer, con referencias a temas del padre del director, que sabe mezclar muy bien diferenets géneros musicales como el flamenco, la copla y la música clásica, y que encajan perfectamente en este tipo de historia.
Una pena que lo musical y lo interpretativo no vayan en consonancia con el guion o el montaje, y que el resultado sea bastante irregular, con algunos momentos brillantes y otros caóticos y desconcertantes. Tampoco funcionan bien las situaciones de humor, y por conra sí tiene algunos buenos momentos dramáticos.
Una película que tendrá su público, y que recomiendo para conocer el primer trabajo en la dirección de Micky Molina, y que dedica a sus padres.


LO MEJOR: La actuación de Miguel Molina.
LO PEOR: Se nota en exceso la inesperiencia de Miguel Molina en la dirección, con unos movientos de cámara innecesarios. Demasiado extraña y con algunas situaciones excesivas.

DÍAS DE CINE:

NOTA DEL DIRECTOR:
Un tiempo precioso es una poesía, una pintura transformada en imágenes y voces, a cada momento pretende transmitir al espectador la realidad de la enfermedad -Alzheimer- y mantiene la continua incertidumbre de todos los personajes con apariciones inesperadas y nada predecibles. 
 (Fuente del texto: Nota de prensa de Artistic Films)


TRAILER:



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LA PROFESORA DE PIANO (2019)

July 17, 2020, 12:26 pm
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UN CUMPLEAÑOS MUY EXTRAÑO


PAÍS: Alemania (2019)
TÍTULO ORIGINAL: Lara
DIRECCIÓN: Jan Ole Gerster
AÑO Y LUGAR DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 1978, Hagen (Alemania)
INTÉRPRETES: Corinna Harfouch, Tom Schilling, Volkmar Kleinert, André Jung, Gudrun Ritter, Rainer Bock, Mala Emde, Edin Hasanovic
GUIONISTA: Blaz Kutin
FOTOGRAFÍA: Frank Griebe
MÚSICA: Arash Safaian
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Schiwago Film, Studiocanal Film, Leuchtstoff, Bayerischer Rundfunk, Rundfunk Berlin-Brandenburg, Medienboard Berlin-Brandenburg, Arte Deutschland TV, Filmförderungsanstalt
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Alfa Pictures
DURACIÓN: 98 minutos
PREMIOS: 9 premios, incluyendo tres en el festival de Karlovy Vary de 2019


SINOPSIS:
Lara es profesora de piano y tiene ante sí una agradable casualidad: el día de su sesenta cumpleaños coincide con el concierto de piano más importante de la carrera de su hijo, Víctor, a quien presionó desde niño para convertirse en músico. Sin embargo, nada sale como ella esperaba: Víctor ha decidido escoger este concierto para anunciar algo que sorprenderá a más de uno.
 (Fuente de la sinopsis, el cartel y las imágenes: Alfa Pictures)
 (Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, Alfa Pictures, IMDb)


CRÍTICA:
El director alemán Jan-Ole Gester, que triunfó con su notable ópera prima "Oh boy (2012)", con la que ganó dos premios Lola (los Goya alemanes), en las categorías de dirección y guion, vuelve a presentar una película sobria, detallista y narrada a ritmo pausado, que muestra las 24 horas del sexagésimo cumpleaños de una mujer, que intenta recuperar en ese día tan especial el cariño y limar las asperezas con su hijo Viktor.
La película se presentó en la pasada edición del festival de Karlovy Vary, en donde fue premiada por partida triple (actriz, premio especial del jurado y premio del jurado ecuménico de la crítica),
y que en nuestro país tuvo su estreno en el festival de Valladolid ya que formó parte de la sección oficial de la Seminci 2019.


Nos encontramos con una película en donde no hay muchos diálogos, pero que eso no significa que no sucedan cosas y, en algunos casos por pequeños detalles, vayamos conociendo detalles fundamentales del pasado, presente y futuro de Lara, una mujer cuyo nombre es el título original del proyecto. Esta mujer que acaba de cumplir 60 años es la gran protagonista de la historia, y su personaje está presente en todo momento, y con el paso de los minutos se van desgranando los detalles fundamentales de su vida, en ese recorrido en un día muy especial, en el que intenta recuperar el cariño de su hijo, coincidiendo con el concierto que su progenitor, un aclamado músico y pianista, va a dar esa noche en Berlín (la ciudad en la que se desarrolla la película).
La propuesta es muy detallista en casi todos los aspectos, y est´bastante bien dirigida, sin necesidad de excentricidades ni movimientos de cámara extraños, sino sabiendo colocar la cámara en el lugar preciso para dejar a los personajes mostrar sus sentimeintos. Un cineasta a seguir, después de dos notables películas muy bien filmadas. 


A nivel interpretativo el peso del proyecto recae sobre Corinna Harfouch, una veterana actriz alemana, muy reconocida en su país, pero poco conocida por el público o la crítica española, y que está magnífica en ese papel dramático contenido, interpretando a Lara Jenkins, una mujer que no pas por su mejor momento, y que vive en soledad, siendo despreciada incluso por su madre e hijo. Tom Schilling interpreta a Viktor, el hijo de la protagonista, en un papel secundario en cuanto a cu breve aparición en pantalla, pero que toene a un personaje sobre el que gira el argumento de la película. El joven actor alemán, que se dio a conocer con la ópera prima del director, cumple sin más, estando bien en una de las escenas claves en la parte final junto a su madre. Completan el reparto de secundarios Rainer Bock como Paul, el ex marido de Lara, Maria dragus, que interpreta a Clara (la novia de Viktor), y los veteranos Gudrun Ritter en el papel de la madre de la protagonista y de Volkmar Kleinert como el profesor Reinhoffer.



El otro aspecto destacado del proyecto es la banda sonora compuesta por Arash Safaian, una música que mezcla sonidos muy clásicos con algunas escenas en donde se toca el piano, y que es ideal para este proyecto tan bien trabajado, en donde también me gustaría destacar el montaje de Isabel Meier. Una película que va de menos a más y que tiene un buen final, además de un par de escenas en donde el guion escrito por Blaz Kutin acierta a la hora de resolver algunas situaciones dramáticas.
Una película que es fácil de recomendar al público medio de mediana edad y a los más mayores, que disfrutan con el
cine europeo de calidad, y con historias dramática familiares con unas grandes interpretaciones (en este caso el de la actriz protagonista).



LO MEJOR: La actuación de Corinna Harfouch. La música.
LO PEOR: Tarda en arrancar.

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Ricardo Pablo López en Destino Arrakis


DÍAS DE CINE:

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LA FAMILIA QUE TÚ ELIGES (2019)

July 17, 2020, 12:26 pm
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LA AMISTAD DE DOS FUGITIVOS


PAÍS: Estados Unidos (2019)
TÍTULO ORIGINAL: The Peanut Butter Falcon
DIRECCIÓN: Tyler Nilson, Michael Schwartz
LUGAR DE NACIMIENTO DE LOS DIRECTORES: Carolina del Norte (Estados Unidos)
INTÉRPRETES: Zack Gottsagen, Shia LaBeouf, Dakota Johnson, Bruce Dern, John Hawkes, Thomas Haden Church, Jermaine Rivers, Tristan S. Bradford, Jon Bernthal, Mick Foley, Jake Roberts
GUIONISTAS: Tyler Nilson, Mike Schwartz
FOTOGRAFÍA: Nigel Bluck
MÚSICA: T-Bone Burnett, Zachary Dawes, Gabe Witcher, Jonathan Sadoff, Noam Pikelny
GÉNERO: Aventuras
PRODUCCIÓN: Lucky Treehouse, Armory Films, Nut Bucket Films, Tvacom Film and Tv, 1993
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: La Aventura Audiovisual
DURACIÓN: 97 minutos
PREMIOS: 27 premios en la temporada norteamericana 2019-2020


SINOPSIS:
Zak es un joven con síndrome de Down que se escapa de la residencia donde vive para cumplir su gran sueño: convertirse en un luchador profesional. Una serie de circunstancias le llevan a encontrarse con Tyler, un delincuente de buen corazón que también se ha dado a la fuga y que se convierte en su amigo y entrenador. A su aventura se les une Eleanor, una enfermera un tanto peculiar. Juntos emprenden un maravilloso viaje que cambiará sus vidas.
 (Fuente de la sinopsis: A Contracorriente Films)
 (Fuentes del cartel y las imágenes: Imge.net-A Contracorriente Films)
 (Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, A Contracorriente Films, IMDb)


CRÍTICA:
El actor Tyler Nilson y el productor Michael Schwartz dirigen su primer largometraje, del que también son responsables del guion, en una película que se presentó en el South by Southwest Film Festival en la primavera del 2019, y que desde ese momento tuvo su protagonismo en la pasada temporada de premios norteamericanos en dos apartados, los de dirección (en el DGA fueron candidatos en la categoría de dirección novel) e interpretación revelación (Zack Gottsagen). En nuestro país tuvo su presentación en el BCN Film Fest que se celebró hace unas semanas en la ciudad de Barcelona.


La película tiene como punto de partida el de dos personas fugitivas, y a las que vemos de manera paralela en el lugar en donde se encuentran viviendo en el caso de Zak o trabajando en el de Tyler, hasta que llega el momento en el que huyen de ese lugar, y de manera casual coinciden en una lancha, y desde ese momento mantendrán una relación de amor-odio, y colaborarán para evitar ser descubiertos, lo que no será sencillo, teniendo en cuenta que están en búsqueda, en el primero de los casos por haberse escapado d ela residencia Britthayyven y en el de Tyler pos haber incendiado el muelle en donde trabajado y posteriormente escaparse con la lancha propiedad de su jefe Duncan.
La película no busca profundizar en los dramas personales de los personajes, aunque se citan de pasada, sino que quiere ser una propuesta alegre, en donde se da prioridad al espíritu aventurero y de superación de los personajes.



Todo ello se ve facilitado con la presencia de Zack Gottsagen, un actor con síndrome de Down, que lo hace bastante bien, y que al igual que en el caso de la película española "Campeones" y el actor Jesús Vidal es fácil de coger cariño a su personaje, con esa ilusión de ser un luchador profesional y conocer a su ídolo Salt Water Redneck. Shia LaBeouf interpreta a Tyler, y está correcto, y no pasará a la historia como uno de los grandes trabajos del buen actor norteamericano. 

La película cuenta con unos secundarios de lujo, en unas breves apariciones pero de gran importancia en la trama, y me refiero al veterano Bruce Dern en el papel de Carl, el amigo de la residencia de Zack, y el que le ayuda a escapar, y a Thomas Haden Church como el luchador al que idolatra el protagonista. 



Completan el reparto John Hawkes como Duncan, el jefe de Tyler en el muelle, y la que en mi opinión es la mejor interpretación de la película, la de Dakota Johnson que interpreta a Eleanor, la trabajadora de la residencia de la que se escapa Zack, y a la que encargan liderar su búsqueda. La actriz lo hace bastante bien en las escenas más dramáticas y en las situaciones más irónicas.
El otro punto fuerte de la película son sus canciones, con na selección de temas musicales, algunos conocidos, de country y pop no originales para la película, y que son perfectos para una feel good movie tan alegre como esta película que es fácil de recomendar, tanto al público adolescente como a los más mayores, y que saldrán de la sala de cine con una sonrisa, aunque los cinéfilos más exigentes probablemente se aburran con esta propuesta tan convencional y que no aporta nada a nivel cinematográfico.
¡De vez en cuando no viene mal ver una película como "La familia que tú eliges"!


LO MEJOR: Las canciones. Es fácil de recomendar.
LO PEOR: Desaprovechar a algunos personajes secundarios. Es demasiado convecional y no aporta nada a nivel cinematográfico.

DÍAS DE CINE:

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LA MALDICIÓN DEL GUAPO (2020)

July 18, 2020, 1:08 pm
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ESTAFADORES DE LA VIEJA ESCUELA


PAÍSES: España-Argentina (2020)
DIRECCIÓN: Beda Docampo Feijóo
AÑO Y LUGAR DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 1948, Vigo (España)
INTÉRPRETES: Gonzalo de Castro, Juan Grandinetti, Malena Alterio, Cayetana Guillén Cuervo, Ginés García Millán, Carlos Hipólito, Andrea Duro, Paula Sartor, Roberto Álamo, Ana Iglesias
GUIONISTA: Beda Docampo Feijóo
FOTOGRAFÍA: Imanol Nabea
MÚSICA: Federico Jusid
GÉNERO: Comedia
PRODUCCIÓN: Arcadia Motion Pictures, Cados Producciones, Dammed Bello, Zarlek Producciones, Televisión Española
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Filmax
DURACIÓN: 89 minutos


SINOPSIS:
HUMBERTO (Gonzalo de Castro), un hombre seductor y estafador a partes iguales, lleva una vida tranquila en Madrid tras haber cumplido condena por una antigua estafa que le costó la relación con su hijo JORGE (Juan Grandinetti) con el que no habla desde hace años. Ahora Jorge es un hombre honrado que se verá obligado a pedir ayuda a su padre al ser víctima de un robo en la joyería en la que trabaja. La maldición del guapo es una elegante y pícara comedia de estafadores donde nadie es lo que parece.
 (Fuente de la sinopsis, el cartel y las imágenes: Filmax)
 (Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, Filmax, IMDb)


CRÍTICA:
Beda Docampo Feijóo es un veterano director de cine nacido en España pero que se trasladó cuando era pequeño a Argentina, pero aparte de director su faceta más conocida es la elaboración de guiones, ha escrito más de cincuenta para numerosos directores. Ahora nos presenta su última película, una coproducción entre Argentina y España, que mezcla lo mejor y lo peor de los dos países. Entre sus anteriores trabajos destaca que yo recuerde un documental sobre el Papa Francisco llamado “Francisco, el Padre Jorge” rodado hace unos años. También es un mundo, el de los documentales,donde se desenvuelve bastante bien.


La maldición del guapo nos cuenta la historia de Humberto, un seductor de la vieja escuela en horas bajas, pero con un pasado de estafador. Está vida que tenía le provocó acabar en la cárcel y perder la relación con su hijo. Ahora después de varios años la vida le da otra oportunidad e intentará recuperar el tiempo perdido. Pero ya sabemos que en la vida de un delincuente, el gusanillo de volver a actuar siempre está presente.
La película funciona gracias sobre todo a la construcción de los personajes, a la trama y al tono que va cogiendo la historia, pero sobre todo lo que hace que todo fluya es la interpretación de Gonzalo de Castro, que se mete al público en el bolsillo, con una interpretación impresionante, en un papel de macarra y seductor que te dejará con unas sensaciones muy agradables. El resto del elenco también es importante, donde cada personaje tiene su función en la trama.


Sobre este tema que trata la cinta, el mundo de los estafadores, hemos visto mucho ya en el cine americano y francés, pero no tanto dentro del cine español. El director consigue tocar temas como son la paternidad, la ambición, la amistad y la lealtad. No es una película perfecta ni mucho menos, quizás le falta ritmo, y en algunos tramos los diálogos se queden algo pobres, pero aún así pasas un buen rato, que en la situación actual ya es mucho decir.
Puntuación: 5.5/10


LO MEJOR: La interpretación de Gonzalo de Castro.
LO PEOR: Le falta ritmo y fuerza en algunos tramos.
(Crítica escrita por Christopher Laso)

PODCASTS:





DÍAS DE CINE:

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(CRÍTICA DE CHRISTOPHER LASO)

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FIRST LOVE (2019)

July 16, 2020, 12:06 pm
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EL AMOR PELIGROSO


PAÍSES: Japón-Reino Unido (2019)
DIRECCIÓN: Takashi Miike
FECHA Y LUGAR DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 24 de Agosto de 1960, Yao (Japón)
INTÉRPRETES: Masataka Kubota, Nao Omori, Shota Sometani, Sakurako Konishi, Becky , Jun Murakami
GUIONISTA: Masaru Nakamura
FOTOGRAFÍA: Nobuyashu Kita
MÚSICA: Koji Endo
GÉNERO: Acción
PRODUCCIÓN: Recorded Picture Company, Oriental Light and Magic, Toei Company
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Barton Films
DURACIÓN: 108 minutos


SINOPSIS:
Leo, un joven boxeador que atraviesa una mala racha, conoce a su 'primer amor', Monica, una chica que conserva su inocencia a pesar de ser prostituta y drogadicta. Lo que no sabe es que Monica se ha visto envuelta sin querer en una trama de tráfico de drogas, y los dos son perseguidos a lo largo de la noche por un policía corrupto, un yakuza, su némesis y una asesina enviada por las tríadas chinas. Todos sus destinos se entrecruzan.
 (Fuente de la sinopsis y el cartel: Barton Films)
 (Fuente de las imágenes: Suria Comunicación)
 (Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, Suria Comunicación, IMDb, Barton Films)


CRÍTICA:
El cineasta japonés Takashi Miike es uno de los más apreciados para los fans del cine de acción y los thrillers asiáticos, y casi siempre presenta una nueva película en los festivales más importantes del cine de género. No soy admirador de su cine, y lo mismo me sucede con muchas películas asiáticas de entretenimiento porque me cuesta entrar en sus historias y reconocer a los personajes, aunque hay una propuesta de Miike que me gusta mucho: "Hara-Kiri: muerte de un samurai (2011)".
Su nuevo trabajo tuvo su presentación en el festival de Cannes de 2019 integrada en la Quincena de realizadores, y desde ese momento pasó por los principales escenarios mundiales del cine de género. En San Sebastián la pude ver ya que era una de las propuestas de la sección Zabaltegi-Tabakalera (la más radical del Zinemaldia, y que presenta los trabajos más originales), en Toronto dentro de Midnight Madness y en Sitges, en donde es un habitual, fue la película sorpresa del maratón nocturno del último día del festival.


La película tiene un buen arranque con la presentación de los personajes, en especial el del protagonista, un boxeador llamado Leo que se ve envuelto en una trama de chantajes y corrupción al enamorarse de Mónica, una femme fatale como la de los film noir clásicos. la trama se plantea interesante, pero a partir del primer tercio, y cuando la historia se complica con giros y persecuciones la película se transforma en un despropósito, con unos diálogos en los que pretende hacer reír, con una ironía con la que no conecté.
Tampoco me convencen las interpretaciones, salvo la de Sakurako Konishi, que interpreta al personaje femenino protagonista, que es lo más decente del proyecto, ya que ni Masataka Kubota lo hace bien como el boxeador enamorado, y lo mismo en los secundarios que van apareciendo en escena. 


Pero no todo van a ser cosas negativas, ya que la película no está mal dirigida, y sobre todo hay que reconocer la calidad de las escenas de acción y sobre todo de las persecuciones y tiroteos, que funcionan como escenas aisladas independientes, y también me parecen de nivel la fotografía en las escenas nocturnas de Nobuyashu Kita, y sobre todo se emplea muy bien el sonido. Sin ser lo mejor de la película, también me parece acertada la música compuesta por Koji Endo.
Una película recomendable a los aficionados al cine de acción asiático, y en especial a las dirigidas por Takashi Miike.


LO MEJOR: La calidad técnica de las escenas de acción. La El sonido.
LO PEOR: Es bastante confusa. El guion.

PODCASTS:



DÍAS DE CINE:

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LA AMABILIDAD DE LOS EXTRAÑOS (2019)

July 19, 2020, 11:24 am
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SOBREVIVIENDO EN NUEVA YORK


PAÍSES: Dinamarca-Canadá-Suecia-Francia-Alemania (2019)
TÍTULO ORIGINAL: The Kindness of Strangers
DIRECCIÓN: Lone Scherfig
FECHA Y LUGAR DE NACIMIENTO DE LA DIRECTORA: 2 de Mayo de 1959, Copenhague (Dinamarca)
INTÉRPRETES: Zoe Kazan, Tahar Rahim, Andrea Riseborough, Caleb Landry Jones, Jay Baruchel, Bill Nighy, David Dencik, Lisa Codrington, Esben Smed Jensen, Angela Thompson, Daniel Kash, Samantha Wan, Jack Fulton, Patricia McKenzie, Kim Roberts, Rodrigo Fernandez-Stoll, Will Bowes, Paloma Nuñez, Nicolaj Kopernikus
GUIONISTA: Lone Scherfig
FOTOGRAFÍA: Sebastian Blenkov
MÚSICA: Andrew Lockington
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Creative Alliance, Svenska Filminstitutet, Nordisk Film & TV Fond, Nadcon Film, Film I Väst, WDR/Arte Grand Accord, arte France Cinéma, Det Danske Filminstitut
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: BTeam Pictures
DURACIÓN: 112 minutos


SINOPSIS:
Clara (Zoe Kazan) llega a Nueva York con sus dos hijos en el asiento trasero de su coche. El viaje, que disfraza como una aventura a los ojos de los niños, pronto se revela como una huida de un marido y padre abusivo, además de policía. Los tres tienen poco más que el coche para subsistir en el invierno de Nueva York. Alice (Andrea Riseborough) les enseña que incluso, a veces, en las grandes ciudades, también hay misericordia.
 (Fuente de la sinopsis y las imágenes: BTeam Pictures)
 (Fuente del cartel: Sensacine)
 (Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, BTeam Pictures, IMDb)


CRÍTICA:
El nuevo trabajo de la directora danesa Lone Scherfig es una película de historias cruzadas que se desarrollan en Nueva York, y que después de un gran arranque va perdiendo fuerza en la parte final, ya que el guion no ofrece las soluciones necesarias para lograr mantener el interés. Hasta este momento la carrera de la cineasta europea estaba repleta de títulos recomendables, desde el momento en el que saltó a la fama con su tercer largometraje "Italiano para principiantes (2000)", y posteriormente con "Wilbur no se quiere suicidar (2002)", otra gran película europea con mucho sentido del humor. Pero su reconocimeinto internacional llegó con su sexto largometraje, la excelente "An education (2009)", que fue candidata a 3 premios Óscar, incluyendo el de mejor película. Hace 4 años filmó su anterior trabajo titulado "Su mejor historia (2016)", que mantenía todos los elementos del cine de la directora, en especial una cuidada recreación artística y de escenarios.


Este nuevo trabajo tuvo el honor de inaugurar el festival de Berlín de 2019, y tiene un gran arranque con la presentación del personaje central, el de Clara, una mujer que llega a Manhattan con sus dos hijos para escapar de su marido, un policía que no la trata bien. De manera paralela se van presentando otros que terminarán teniendo relación con ella, los de Alice, una trabajadora en un hospital y que está al frente de un centro de un centro de terapia de deshabituación. Pero también Marc, el joven que acaba trabajando en un restaurante de lujo propiedad del ruso Timofey o Jefff, que lucha por sobrevivir en la gran manzana.
Pero a partir de la segunda mitad de la película todo se vuelve convencional y desaparecen las sorpresas, aunque para los que disfrutamos con las historias de personajes, con una estética muy cuidada y unas bonitas escenas con aroma al cine clásico, encontramos cosas que nos permitan mantener el interés.


A nivel interpretativo hay dos actuaciones destacadas, las de las dos actrices protagonistas: Zoe Kazan y Andrea Riseborough. La primera está magnífica en el papel de Clara, actuando con una gran naturalidad, con momentos de alegría y otros de tristeza, que la joven intérprete nieta de Elia Kazan. 
La segunda vuelve a demostrar que es una de las mejores actrices de su generación, lo que demuestra en esta película. No em convence tanto el elenco de atores, siendo grandes intérpretes en otros proyectos, pero que están desaprovechados en esta película, y el más decente es Tahar Rahim que interpreta a Marc. Completan el reparto Caleb Landry Jones como Jeff y Bill Nighy que interpreta a Timofey.
Los otros aspectos positivos de la película son la banda sonora, que es perfecta para estas historias dramáticas y románticas Andrew Lockington, y las magníficas imágenes en las calles de Nueva York, que aparece muy bien retratada en esta película que es fácil de recomendar a ese público medio que disfruta con historias cruzadas con muchos personajes. Por contra no me convencen ni el montaje ni el guion.


LO MEJOR: Las actuaciones de Zoe Kazan y Andrea Riseborough. La música.
LO PEOR: Es demasiado irregular y quiere contar muchas cosas en menos de dos horas, dejando muchas historias que no están bien desarrolladas.

TRAILER:

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¿DÓNDE ESTÁS, BERNADETTE? (2019)

July 21, 2020, 8:09 am
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BUSCAR UN LUGAR EN EL MUNDO


PAÍS: Estados Unidos (2019)
TÍTULO ORIGINAL: Where'd You Go, Bernadette?
DIRECCIÓN: Richard Linklater
FECHA Y LUGAR DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 30 de Julio de 1960, Houston (Estados Unidos)
INTÉRPRETES: Cate Blanchett, Kristen Wiig, Billy Crudup, Judy Greer, Laurence Fishburne, Troian Avery Bellisario, Jóhannes Haukur Jóhannesson, James Urbaniak, Zoe Chao, Claudia Doumit, Zachary Davis Brown
GUIONISTAS: Richard Linklater, Holly Gent Palmo, Vincent Palmo Jr.
BASADA EN: La novela homónima escrita por Maria Semple, y publicada en 2012
FOTOGRAFÍA: Shane F. Kelly
MÚSICA: Graham Reynolds, Sam Lipman
GÉNERO: Comedia
PRODUCCIÓN: Annapurna Pictures, Color Force, Detour Filmproduction
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Eone Films
DURACIÓN: 104 minutos


SINOPSIS:
Bernadette Fox (Cate Blanchett) es una mujer de Seattle que lo tiene todo: un marido que la adora y una hija brillante. Cuando desaparece sin dejar rastro de forma inesperada, su familia se embarca en una aventura emocionante para resolver el misterio de dónde puede haber ido Bernadette. Adaptación del libro homónimo de Maria Semple.
 (Fuente de la sinopsis: Filmaffinity)
 (Fuente del cartel: Sensacine)
 (Fuentes de las imágenes: Sensacine, Filmaffinity)
 (Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, IMDb)


CRÍTICA:

El director Richard Linklater tuvo su mayo éxito en los 90, sobre todo con el cine independiente. Estuvo nominado a tres Oscar y gano dos globos de oro. Ahora nos presenta su vigésimo largometraje, cambia completamente de registro y se adentra en las profundidades del universo femenino. La cinta adapta el !best seller! homónimo de María Semple sobre una particular teoría del caos. Cate Blanchett se mete en la piel de una brillante arquitecta desubicada, que pone el contador de su vida a cero.


La película es un reflejo complejo sobre una mujer casada y con una hija, que roza la genialidad y parece tenerlo todo, pero que no encuentra su sitio en la sociedad actual. En su momento fue una arquitecta de gran prestigio, pero ahora vive bajo la sombra de su marido. Su instinto aventurero le hace desparecer y poner en orden su prioridades.
Llama la atención como se esconde bajo sus gafas negras, es como una manera de evadirse. Es curioso que esas gafas se las regalo la propia escritora a la actriz y ella decidió incorporarlas como talismán al look de su personaje. La película se divide en dos partes, la primera más estructurada, donde vamos conociendo a los personajes y una segunda donde vemos más aventuras.



En definitiva la cinta es un hermoso viaje por el mundo, donde podemos encontrar el éxito, el fracaso, la comedia, el documental, el melodrama y por supuesto el amor por la naturaleza y la Antártida. Personalmente yo me quedo con la segunda parte, me parece más entretenida y emocionante.
Aparte de Cate Blanchett, destaca la interpretación de Billy Crudup, en un papel completamente distinto a Cate, el es quien pone la sensatez en la familia. Completan el reparto la actriz Kristen Wiig y la debutante Emma Nelson como brillante hija de Bernadette. Si te dejas llevar y entras en la historia pasarás un rato agradable.
Puntuación: 6/10


LO MEJOR: La interpretación de Blanchett.

LO PEOR: Va de menos a más.
(Crítica escrita por Christopher Laso)

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Pedro de Frutos en El Ónfalos

Pedro de Frutos en Coveralia

Tomás Gutiérrez en Cine de Patio

Néstor Juez en Cinema Ad Hoc


PODCASTS:





DÍAS DE CINE:

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(CRÍTICA DE CHRISTOPHER LASO)
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EL PÁJARO PINTADO (2019)

July 20, 2020, 9:52 am
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EL HORROR DE LA GUERRA DESDE LA MIRADA DE UN NIÑO


PAÍSES: República Checa-Eslovaquia-Ucrania (2019)
TÍTULO ORIGINAL: The Painted Bird
DIRECCIÓN: Václav Marhoul
FECHA Y LUGAR DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 30 de Enero de 1960, Praga (República Checa)
INTÉRPRETES: Petr Kotlar, Harvey Keitel, Barry Pepper, Julian Sands, Udo Kier, Stellan Skarsgard, Alexei Kravchenko, Tim Kalkhof, Jitka Cvancarová, Pavel Kríz, Petr Vanok, Lech Dyblik, Dominik Weber, Filip Kankovský, Radim Fiala
GUIONISTA: Václav Marhoul
BASADA EN: La novela homónima escrita por Jerzy Kosinski, y publicada en 1965
FOTOGRAFÍA: Vladimir Smutny
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Silver Screen, PubRes, Ukrainian State Film Agency
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Cinemarán
DURACIÓN: 169 minutos
PREMIOS: 15 premios, incluyendo 9 en los premios de la academia del cine checo de 2020


SINOPSIS:
Basada en la novela de Jerzy Kosinski "El pájaro pintado" es una evocación meticulosa de la salvaje y primitiva Europa del Este, a finales de la segunda guerra mundial.
La película sigue el viaje de un niño durante la segunda guerra mundial, el cual fue dejado en adpoción a su tía, ya que sus padres estaban siendo perseguidos. La anciana fallece al poco tiempo y el niño se queda solo, deambulando por el campo, desde el pueblo hasta la granja. Mientras lucha por sobrevivir , el niño sufre una violencia brutal, impuesta por los campesions ignorantes y supersticiosos, Además es testigo de la violencia aterradora de los soldados despiadados rusos y alemanes. 
Cuando termina la guerra, el niño ha cambiado para siempre.
 (Fuente de la sinopsis: Cinemaran)
 (Fuente del cartel y las imágenes: Movistar+)
 (Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, Cinemaran, IMDb, Movistar+, Wikipedia)


CRÍTICA:
El tercer largometraje dirigido por el actor checo Václav Marhoul es una magnífica película que adapta la novela homónima de gran éxito en su época escrita por el polaco Jerzy Kosinski. La película, que está dividida en 9 capítulos identificados por el nombre de cada uno de los personajes con los que se va encontrando ese niño del que conocemos su nombre en la imagen final, y que se desarrolla en plena Segunda Guerra Mundial en el centro de Europa, en donde ese pequeño, que es el protagonista absoluto de esta película, y que tiene que luchar por sobrevivir moviéndose de un lado a otro esquivando la muerte, y estando sometido a los nazis y los rusos, según el escenario en el que se encuentra. 
La película se presentó en la sección oficial de la pasada edición del festival de Venecia, en donde recibió el premio Unicef, y posteriormente en otros escenarios como Toronto, Londres y Chicago (ganó el galardón a la mejor fotografía). Fue la seleccionada por la República Checa para luchar por el premio Óscar en la categoría de película internacional, y logró colarse en la shortlist de 10 películas, aunque finalmente se quedó fuera del quinteto de nominados.


La película dura casi 3 horas, pero no se hace larga y me parece justificado ese metraje para poder contar de la manera más fidedigna posible lo narrado en la novela de Kosinski, y hacerlo de manera detallista cuidando al máximo todos los detalles argumentales y estéticos, y se inicia con un prólogo en donde ese niño huye de unos adolescentes que le están acosando picológicamente, y posteriormente le vemos en casa de su tía Marta, con la que no se encuentra a gusto, ya que echa de menos a sus padres.
Ese joven se va trasladando de un lugar a otro en ese territorio dominado por los nazis y en la parte final con el ejército ruso, y lo hace con una seguridad y no dudando en sus actos, con la mirada seria y sobria, sin emitir palabras, ya que no comprende lo que están diciendo. 


Petr Kotlár está magnífico en el papel de el niño protagonista, haciendo creíbles cada una de sus reacciones, sabiendo mantener esa mirada fija en la cámara durante todo el metraje. Junto a él van apareciendo unos personajes secundarios en cuanto a tiempo de aparición en pantalla, pero de una gran importancia argumental, con rostros conocidos del cine europeo como Udo Kier en el papel de Miller (aparece en el tercer capítulo), Stellan Skarsgård como Hans (aparece en escena en la parte final), Harvey Keitel que interpreta a un juez con el que se encuentra el niño, y Barry Pepper en el papel del militar ruso Mitka.
La película está muy bien dirigida, y Václav Marhoul mueve la cámara con solvencia para presentarnos la escena de la mejor manera posible, jugando con los ángulos, en algunos casos con movimientos lentos y con el desenfoque de algunos personajes para dar prioridad a unos personajes frente a otros. Además consigue que la película tenga un equilibrio entre ritmo ágil y otros momentos mucho más pausado. Tanto a nivel visual como argumental recuerda al cine de otros grandes cineastas europeos como Bela Tarr, Andrei Tarkovski y Carl Thedor Dreyer.


Si hay un aspecto técnico a destacar es la dirección de fotografía, y no porque sea en lanco y negro, sino porque es de una gran calidad, y por lo tanto hay que aplaudir el trabajo de Vladimir Smutny, que nos presenta unas imágenes de una gran belleza. 
La recreación de la época, el diseño de vestuario y el sonido directo y natural del entorno son otros aspectos positivos, y también se acierta en la elección de la ausencia casi total de música, salvo una escena en la parte final con una canción que encaja muy bien con lo que se desarrolla en ese momento. También me gusta ese final abierto, sobre todo en cuanto a la identidad real de la persona que acompaña al joven protagonista, aunque tengo mi teoría a nivel personal, sobre todo cuando se da a conocer el nombre del niño judío protagonista. Lo que menos me gusta son algunos excesos innecesarios, que harán las delicias de los fans del cine gore y radical, y que rompen el tono general del proyecto, aunque entiendo que estarán en la novel y sirve para reflejar la locura del ser humano en periodo de conflicto bélico.
Una película de obligado visionado para conocer de manera general el sufrimiento y el sin sentido de las guerras, y que no se deben de perder los que disfrutan con el cine europeo de calidad que se produce en el centro o norte del viejo continente.


LO MEJOR: La dirección. La fotografía. La recreación de la época.
LO PEOR: Algunos excesos innecesarios.

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Pedro de Frutos en El Ónfalos

Ricardo Pablo López en Destino Arrakis


DÍAS DE CINE:

TRAILER:



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