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VIAJE A SILS MARIA ( 2014 )

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OLIVIER ASSAYAS DIRIGE Y HA ESCRITO EL GUIÓN DE ESTE DRAMA PROTAGONIZADO POR JULIETTE BINOCHE Y KRISTIN STEWART. GANADORA DE UN PREMIO CÉSAR EN 2015

PRODUCCIÓN: FRANCIA ( 2014 )
DIRECCIÓN: Olivier Assayas
INTÉRPRETES: Juliette Binoche, Kristen Stewart, Chloë Grace Moretz, Johnny Flynn, Lars Eidinger, Hanns Zischler, Claire Tran, Angela Winkler, Frank M. Ahearn, Alister Mazzotti, Steffen Mennekes
GÉNERO: Drama
DISTRIBUIDORA: Vértice Cine
DURACIÓN: 124 minutos

SINOPSIS:
A los dieciocho años, Maria Enders ( Juliette Binoche ) se hizo famosa interpretando en el teatro a Sigrid, una chica ambiciosa y encantadora que ocasiona el suicidio de una mujer madura, Helena. Veinte años más tarde, en la cima de su carrera profesional, le ofrecen interpretar nuevamente la pieza, pero esta vez encarnando a Helena.
 ( FUENTE: VÉRTICE CINE )
 ( FUENTE CARTEL: SENSACINE )
 ( FUENTE IMÁGENES: IMDB )

CRÍTICA:
El francés Olivier Assayas nos vuelve a presentar otra historia original, diferente, y en donde todos los elementos funcionan en conjunto, haciendo que la cinta interese desde la primera escena hasta la última. De nuevo ha vuelto a escribir el guión, que en este caso aborda el mundo del cine desde el interior, en lo que es un retrato certero de los egos y miedos de los artistas veteranos ante la llegada de nuevos talentos. La historia es bastante sencilla, a diferencia de su anterior propuesta "Después de Mayo ( 2012 )", que es mucho más reivindicativa. Sea un tema u otro siempre intenta abordarlo a fondo, y no quedarse en la superficie. Está claro que es uno de los mejores artesanos del cine europeo, y cada vez que nos presenta una nueva obra no podemos dejar de verla, porque seguro que no nos deja indiferente. 


Para este proyecto ha contado con una gran pareja de actrices protagonistas, que interpretan de maravilla esos diálogos tan profundos, y tan cinematográficos. Pero la obra tiene una gran naturalidad, y se nota que el proyecto ha sido estudiado minuciosamente, para que no falle ningún detalle, desde la elección de la localización geográfica, en medio de los alpes suizos y con una música clásica que aparece solo en ciertos momentos, para remarcar alguna situación dramática o más alegre. La fotografía es clásica, sin buscar ningún tipo de originalidad que distorsione lo fundamental, pero también hay una escena con una imagen transgresora, durante el viaje en coche de Valentine ( Kristen Stewart ). 
Excepto esta situación, en el resto de la película se encarga de colocar la cámara en el sitio adecuado para no molestar, y vemos unas bonitas imágenes de los paisajes naturales, con el mérito de el propio Assayas ya se ha encargado antes de seleccionar esas bellas localizaciones geográficas.  


Un montaje correcto que nos permite seguir a la actriz Maria Enders ( Juliette Binoche ) junto a Valentine, su asistenta personal, y al mismo tiempo saber lo que se mueve alrededor de ellas, en relación con la filmación de la nueva película y la muerte de un amigo de Maria. Las dos intérpretes están soberbias, y no me extraña que la joven protagonista de la saga " Crepúsculo " ganara el premio César hace unos meses como mejor actriz de reparto. Cada uno de los diálogos entre ambas denotan naturalidad, sin exagerar sus gestos cuando tienen una escena más dramática, y sonriendo cuando la situación lo requiere. Binoche vuelve a demostrar que es una de las mejores actrices de la actualidad, y que no para de trabajar y su simple presencia llena la pantalla al igual que demostró en "Lecciones de amor ( 2013 )". Destaco las escenas en donde la asistenta da la réplica en los diálogos de la película, y sirve como apoyo para que la más veterana se los aprenda. 

 
El resto del reparto de secundarios no está a la altura de las dos protagonistas, sobre todo los jovenes Chloë Grace Moretz ( Interpreta a Jo-An, la compañera de reparto de Valentine en su proxima pelicula. A esta joven actriz la vimos el año pasado en "The equalizer ( El protector ) ( 2014 )" ) y Johnny Flynn ( Christopher Gallis, el amigo de Jo-An ). Ambos gesticulan en exceso y no interpretan bien su personaje. La que no lo hace mal es Angela Winkler ( Interpreta a Rosa, la mujer de Wilhem ). 
Me gusta como se trata el asunto de las nubes que parece una serpiente, y que tiene una gran importancia en el argumento, en relación con el trabajo por el que se dio a conocer Maria, y que constantemente viene a su mente teniendo en cuenta que se encuentra en ese lugar montañoso, y que no se encuentra a gusto con su papel de Helene, sobre todo teniendo en cuenta que su compañera de reparto es mucho más jóven y popular. 


También me gusta el tratamiento de las redes sociales, a las que en un principio critica Maria, pero que le terminan sirviendo como forma de estar conectada con el mundo real, e incluso poder cotillear sobre el trabajo de Jo-An, tanto en las imágenes de Google como en los vídeos de Youtube.
Recomendable a los aficionados al cine francés de calidad,  los que disfrutan con unas grandes interpretaciones, y con una historia sencilla y que no aburre, además de poder disfrutar de unas bonitas vistas de la naturaleza alpina.

SPOILERS:
Desde la primera escena en el tren ya hay unos diálogos con un gran ritmo, y la película mantiene ese novel hasta los minutos finales. Hay diferentes temas que se ponen encima de la mesa, pero el fundamental es la relación entre Valentine y sus asistente personal, y los miedos y egos al verse superada por otras actrices más jóvenes ( en este asunto puede recordar a "El crepúsculo de los dioses ( 1950 ) " ). De repente sucede la situación que menos me gusta, y es la desaparición repentina de Valentine, cuando iba detrás de Maria en una excursión por la montaña. Ya no volvemos a ver a la asistenta, y ni siquiera se cita a su personaje, e incluso la actriz tiene una nueva asistenta personal en París. Me parece un error no volver a saber nada del personaje interpretado por Kristen Stewart.



LO MEJOR: Las actuaciones de Juliette Binoche y Kristen Stewart. El guión y los diálogos entre las dos protagonistas.
LO PEOR: El reparto de secundarios. La desaparición de uno de los personajes en la parte final.



PREMIOS Y NOMINACIONES:

- 5 PREMIOS Y 13 NOMINACIONES, INCLUYENDO UN PREMIO CÉSAR EN 2015.
 ( FUENTE: IMDB )

CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

José Antonio Alarcón en Séptimo Escenario  7,5 / 10 

Joan Pons en Fotogramas  4 / 5 

Nando Salvá en Cinemanía  4,5 / 5

Carlos Losilla en Sensacine  5 / 5

Roberto Piorno en Guía del Ocio  3 / 5

Gonzalo Hernández en El Antepenúltimo Mohicano  3 / 5

Marina Cisa en Videodromo

DeCine21  7 / 10 

Javier Ocaña en El País

Luis Martínez en El Mundo

Oti Rodríguez Marchante en Abc

Pablo O. Scholz en Diario Clarín

Diego Batlle en Diario la Nación

Todd McCarthy en The Hollywood Reporter  3,5 / 5

Peter Debruge en Variety  4,5 / 5 

Peter Bradshaw en The Guardian  4 / 5

Peter Travers en Rolling Stone  3,5 / 4

Robbie Collin en The Telegraph  4 / 5

Diego Costa en Slant Magazine  3,5 / 4

Chris Nashawaty en Entertainment Weekly

Manohla Dargis en New York Times

Eric Kohn en Indiewire   4,5 / 5

Alonso Duralde en The Wrap

Jessica Kiang en The Playlist  2,5 / 5

Guy Lodge en Hitfix  3 / 4 

Anthony Lane en The New Yorker

Scott Tobias en The Dissolve  4,5 / 5

John Bleasdale en CineVue  3 / 5

Zach Lewis en Sound on Sight

Marjorie Baumgarten en Austin Chronicle

Nota IMDb: 

Clouds of Sils Maria (2014) on IMDb

Nota Filmaffinity: 6,7 / 10


TRAILER:




GHESSEHA ( TALES ) ( 2014 )

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DRAMA IRANÍ CON ESPÍRITU DE DENUNCIA, Y GANADORA DEL PREMIO AL MEJOR GUIÓN EN EL FESTIVAL DE VENECIA DE 2014

PRODUCCIÓN: IRÁN ( 2014 )
DIRECCIÓN: Rakhshan Bani-Etemad
INTÉRPRETES: Peyman Moaadi, Golab Adineh, Farhad Aslani, Mohammadreza Forootan, Mehdi Hashemi, Habib Rezaei, Mehraveh Sharifinia, Hassan Majooni
GÉNERO: Drama
DURACIÓN: 88 minutos

SINOPSIS:
Tales ( Ghesseha ) repasa los diferentes personajes femeninos de la filmografía de Rakhshan Bani-Etemad, mujeres que representan no sólo los diferentes estratos de la sociedad iraní, sino que componen también una imagen valiente y honesta de la sociedad actual de Irán. Tales ( Ghesseha ), de hecho, es una historia de amor entre madres e hijos, maridos y esposas, hombres y mujeres cuyo amor y pasión les da esperanza para superar las dificultades, aunque estas sea la lucha universal de las clases más bajas, o cualquier otro conflicto social o emocional.
 ( FUENTE: FILMIN )
 ( FUENTE CARTEL: NOORIPICTURES )
 ( FUENTE IMÁGENES: IMDB )

CRÍTICA:
El cine iraní lleva copando lo más alto de los festivales europeos durante las últimas dos décadas, y en muchos casos de manera justificada por la calidad de los proyectos, cosa que no sucede con esta propuesta, que quiere ser diferente, pero se queda en el intento. Ganadora del premio al mejor guión en el festival de Venecia de 2014, y al menos el festival italiano ha premiado lo mejor de esta cinta. Desde el 9 de Junio se puede ver en filmin al formar parte de la sección Atlas de la V edición del Atlántida film fest.


La segunda película de la directora  Rakhshan Bani-Etemad aborda unos temas interesantes, y de sus diálogos se pueden extraer muchas conclusiones en su intento de crítica a la sociedad actual, pero en no termina de conectar las historias que funcionan de manera aislada, y en algún caso como coincidencias curiosas, pero falta un montaje mejor para que la idea inicial esté mejor desarrollada. En las primeras escenas aparecen unos personajes y una vez que desaparecen la cámara continúa con la otra persona que pasaba por allí, lo que me parece muy ingenioso y original, pero muchos de esos personajes no vuelven a aparecer y tienen una breve aparición. Antes de llegar a la mitad de la propuesta hay un cambio ya que no se conectan los personajes como al principio, sino que volvermos a ver a algunos de los que ya aparecieron, pero sus situaciones personales, acompañadas en la mayoría de los casos de una crítica social, se quedan a medias, y vemos que hay un interés en poner énfasis en el mensaje más que en hacer una película más compleja. 


Se critica a los funcionarios públicos, pero también a los empresarios o a los dueños de una fábrica, e incluso a la policía y los gobernantes. Me sucede lo mismo que en la escena de Ricardo Darín en "Relatos salvajes ( 2014 )", y es que esa crítica social es potente, pero se va perdiendo por la manera de terminar esa escena. Lo que más me gusta es la escena en las oficinas públicas de sanidad, y el tratamiento que se da al pasotismo del funcionario, con respecto a los ciudadanos que van a habla con él. El taxista y el cámara que están dialogando en la primera escena vuelven a aparecer, y en ninguno de los dos casos me parecen unos grandes personajes, pese a que el primero tiene una dura conversación con su mujer en la escena final. 


El reparto, en general está bastante bien, y destacan la mujer cuyo marido le ha quemado la cara con agua hirviendo y el propio taxista. Es curioso como de nuevo se vuelve a utilizar conversaciones en los taxis, o en vehículos, como parte de la historia de una cinta iraní, al igual que es habitual en el cine de Abbas Kiarostami.
Recomendable a los aficionados al,cine producido en Irán, y sobre todo al de denuncia social, con unas escenas en donde hay unos diálogos muy largos.

SPOILERS:
Curiosa la conexión de las historias, sobre todo en la escena en la administración pública, en donde el señor de bigote quiere que le paguen un dinero por haber usado un seguro privado después de haber trabajado 30 años, y luego continúa la señora que pide una ayuda para su hijo. También la conexión que hay en la escena del metro, una vez que abandona el andén el protagonista y la cámara se queda con una pareja joven.


LO MEJOR: La crítica a los funcionarios de la administración pública, a los empresarios y a la policía. Las conversaciones duras en incisivas varias escenas.
LO PEOR: Son situaciones aisladas y con poca conexión. El montaje.


PREMIOS Y NOMINACIONES:

- 2 PREMIOS Y 10 NOMINACIONES, INCLUYENDO UN PREMIO EN EL FESTIVAL DE VENECIA DE 2014.
 ( FUENTE: IMDB )

CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

Eva Hernando en El Antepenúltimo Mohicano  2 / 5

Luis Martínez en El Mundo

Deborah Young en The Hollywood Reporter  4 / 5

Jay Weissberg en Variety  4 / 5

Catherine Bray en Hitfix  4,5 / 5

John Bleasdale en CineVue  3 / 5

Nota IMDb:

Tales (2014) on IMDb

Nota Filmaffinity: 6,5 / 10

TRAILER:




EL ARDOR ( 2014 )

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 EL TERCER LARGOMETRAJE DIRIGIDO POR PABLO FENDRIK ES UNA MEZCLA DE WESTERN, THRILLER Y DRAMA. PROTAGONIZADA POR GAEL GARCÍA BERNAL Y ALICE BRAGA

PRODUCCIÓN: ARGENTINA ( 2014 )
DIRECCIÓN: Pablo Fendrik
INTÉRPRETES: Gael García Bernal, Alice Braga, Chico Díaz, Claudio Tolcachir, Jorge Sesán, Lautaro Vilo, Julián Tello
GÉNERO: Thriller
DISTRIBUIDORA: Mosaico Films
DURACIÓN: 98 minutos

SINOPSIS:
Producida y protagonizada por Gael García Bernal, " El Ardor " es un western amazónico con tintes de Sergio Leone, un relato de venganza, épico, violento y con un clímax antológico. La película de Pablo Fendrik destaca por la personalidad con la que fusiona dos géneros tan clásicos y tan tristemente obsoletos como lo son el cine de aventuras clásico y el western más mítico.

En medio de la selva tropical de Misiones, Kaï es testigo del ataque a una tabacalera por parte de unos mercenarios, que asesinan a un hombre y secuestran a su hija. Kaï no dudará en vengarse y perseguirlos, uno a uno. 
 ( FUENTE: FILMIN )
 ( FUENTE ACRTEL: FILMAFFINITY )
 ( FUENTE IMÁGENES: SENSACINE )

CRÍTICA:
El tercer largometraje dirigido por Pablo Fendrik es una mezcla de diferentes géneros, como el thriller, el drama y el western. Comienza con una imagen aérea de la selva de Paraná, después de unos letreros explicativos de una una situación enigmática que tenía lugar en su interior, con rituales y amenazas para sus habitantes. Vemos como el fuego está dejando a la selva sin árboles, y a partir de aquí vemos a un grupo de personas mercenarias, cuyo objetivo es terminar con la gente que vive en la región. Gael García Bernal es el protagonistas, al mismo tiempo que el principal productor. Una coproducción de Argentina y Brasil que sucede a ritmo bastante lento, y que tiene algunos momentos de gran tensión, sobre todo la primera gran escena de acción, pero que va de más a menos para terminar en un western que prometía mucho, pero que no está bien terminado. 
 

Lo mejor son las escenas de planificación de la acción, y las apariciones del tigre, que dan cierta mística y que parece el protector de Kaí ( Gael García Bernal ), una especia de hombre de la selva, que intenta luchar para mantener ese lugar natural alejado de los impulsos colonialistas. El reparto no están bien, y cuesta entender lo que dicen, además de que no terminan de mostrar intensidad en las escenas más dramáticas. El guión funciona en los momentos en donde tienen que preparar la estrategia, pero los que tienen que interpretar esas escenas terminan por aburrir al espectador, sobre todo en su parte central. La fotografía es lo más destacado ya que, además de mostrar la belleza del paisaje, enfoca a los personajes de manera adecuada, sobre todo en las escenas de mayor tensión. Pero es inferior a la de "Jauja ( 2014 )", a la que derrotó en esa categoría en los premios Fénix 2014.


El sonido de la naturaleza y los disparos, así como los momentos en los que suena la música clásica nos hacen despertar del letargo de una cinta que no avanza, y cuando lo hace tiene un mal desarrollo.
Werner Herzog hubiera rodado unas mejores escenas de acción en la selva, y la historia estaría mejor contada.
Recomendable a los aficionados al cine de acción lento, con algo de suspense, y unos bonitos paisajes de la selva del Paraná. Los que esperen una cinta de acción o un western con mucho ritmo no creo que sea la propuesta adecuada.

SPOILERS:
El personaje interpretado por Gael García Bernal tiene más vidas que un gato, y sobrevive a todos los tiroteos. A lo mejor es por la protección del tigre. Me gusta la escena de acción del primer tercio, que termina con el asalto a la casa en donde muere el señor mayor. La última escena es típica del western, con tiroteo incluido, y no tiene tanta tensión como la inicial.


LO MEJOR: La primera escena de acción en la casa. La fotografía.
LO PEOR: Un parón en la parte central. El reparto.


PREMIOS Y NOMINACIONES:

- 1 PREMIO Y 10 NOMINACIONES, INCLUYENDO UN PREMIO FENIX 2014.
 ( FUENTE: IMDB, PREMIOS FENIX )


CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

José Antonio Alarcón en Séptimo Escenario  5 / 10

Marcos Curto en Siempre en v.o  3 / 10

Santiago García en Leer Cine 
 
Pablo O. Scholz en Diario Clarín

Diego Batlle en Diario la Nación

David Rooney en The Hollywood Reporter

Peter debruge en Variety

Nota IMDb:

The Burning (2014) on IMDb

Nota Filmaffinity: 4,8 / 10



TRAILER:





JURASIC WORLD ( 2015 )

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LA CUARTA PARTE DE LA SAGA DE LOS DINOSAURIOS NOS VUELVE A SITUAR EN LA ISLA NUBLAR. UNAS NUEVAS AVENTURAS PROTAGONIZADAS POR CHRIS PRATT Y BRYCE DALLAS HOWARD

PRODUCCIÓN: ESTADOS UNIDOS ( 2015 )
DIRECCIÓN: Colin Trevorrow
INTÉRPRETES: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Omar Sy, Jake Johnson, Vincent D’Onofrio, Judy Greer, Ty Simpkins, BD Wong, Nick Robinson, Irrfan Khan, Katie McGrath, Lauren Lapkus
GÉNERO: Acción
DISTRIBUIDORA: Universal Pictures
DURACIÓN: 124 minutos

SINOPSIS:
Nueva entrega de la saga iniciada por Steven Spielberg. Veintidós años después de lo ocurrido en Jurassic Park, la isla Nublar ha sido transformada en un parque temático, Jurassic Wold, con versiones «domesticadas» de algunos de los dinosaurios más conocidos. Cuando todo parece ir a la perfección y ser el negocio del siglo, un nuevo dinosaurio de especie todavía desconocida y que es mucho más inteligente de lo que se pensaba, comienza a causar estragos entre los habitantes del Parque.
 ( FUENTE: FILMAFFINITY )
 ( FUENTE CARTEL: SENSACINE )
 ( FUENTE IMÁGENES: IMDB )

CRÍTICA:
Steven Spielberg ha decidido desempolvar del cajón una de sus sagas más conocidas, para continuar la historia 14 años después de dejarla con la tercera parte dirigida por Joe Johnston ( de una limitada calidad ). Una pena que la originalidad y sorpresas de la cinta inicial de 1993 se haya diluido y ninguna de las otras 3 películas de la saga se acercan a la primera. No sucede lo mismo con " Indiana Jones ", la otra saga de Spielberg, cuyas tres primeras películas son de lo mejor que se ha rodado en cine de aventuras, y se nota la implicación de manera directa del director americano, al ser el director.
Esta cinta no ha sido dirigida por Spielberg, al igual que la anterior, y le ha sido encargada a un inexperto Colin Trevorrow, que dirige su segunda película después de debutar con la irregular "Seguridad no garantizada ( 2012 )". 


No entiendo muy bien quien ha seleccionado el reparto, pero el resultado no ha sido positivo, ya que casi ninguno cumplen con su personaje, y en algunos casos rozan el ridículo en esos diálogos tan absurdos. Se salvan Bryce Dallas Howard, que curiosamente participó en la saga " Crepúsculo " al igual que Kristin Stewart, la cual está presente en otro de los estrenos de la semana ( la obra de Olivier Assayas "Viaje a Sils Maria ( 2014 )" ). Podemos incluir dentro de las correctas interpretaciones a los dos niños, que cumplen en las escenas de acción y en las más dramáticas. Ambos llevan tiempo en el mundo del cine, y en el caso de Ty Simpkins debutó con tan solo 3 años en una breve intervención en " La guerra de los mundos ( 2005 ) " dirigida por Spielberg. A Nick Robinson, su hermano mayor en " Jurasic World " le vimos el año pasado como protagonista en "The kings of summer ( 2013 )".



Chris Pine vuelve a poner esos gestos tan graciosos, al igual que en "Guardianes de la galaxia ( 2014 )", pero no me parece un actor adecuado para este tipo de películas, ya que su presencia produce gracia más que miedo o emoción, y si le sumamos a Omar Sy ( el protagonista de " Intocable ( 2012 ) " y "Samba ( 2014 )" ) y Vincent D´Onofrio nos queda el terceto de actores inadecuados para el proyecto.
La historia comienza como un homenaje a la original, con la entrada al parque y la presencia de la puerta del Parque Jurásico del ya fallecido Richard Attemborough. Hay varios diálogos en donde recuerdan la figura de John Hammond, el director del parque interpretado por el director británico antes citado, fallecido el año pasado. Curiosa la aparición del Dr. Henry Wu, el único superviviente de la original, interpretado también por B. D. Wong. 


Hay otro momento en donde los más pequeños se introducen en lo que era el parque original, con las instalaciones llenas de polvo y la presencia de uno de los coches originales, que logran arrancar. Todos esos homenajes son detalles que están bien, pero ocurren en escenas aisladas, lo mismo que el tema central de la banda sonora de John Williams, aunque en este caso la música ha sido compuesta por Michael Giacchino. También hay un homenaje a " Los pájaros ( 1963 ) , cuando los pterosaurios se escapan y atacan a los turistas del parque. Pero estas escenas no duran mucho tiempo, y posteriormente estos reptiles voladores ya no vuelven a aparecer.
 

La propuesta tiene varios problemas, y son los diálogos que rozan el ridículo y hay algunas incongruencias, sobre todo porque las escenas de acción tienen unos grandes efectos, pero en algún momento falta emoción y tensión. El sonido y la música son los responsables de que la historia no termine aburriendo, y hay una falta de ingenio para hacer que ese inmenso presupuesto se plasme en la pantalla con algo más que unos dinosaurios gigantes creados por ordenador. 
Giacchino y esos efectos digitales nos hacen olvidar el tedio de esas subhistorias, y al terminar podemos decir que hay escenas de acción interesantes, como la persecución del dinosaurio a los niños que están dentro de la bola giratoria, o una que sucede por la noche en la parte final. 

 

Hay una crítica al ejército americano, ya que el personaje interpretado por D´Onofrio quiere obtener beneficios para futuras batallas de esos dinosaurios, así como terminar con el que han creado artificialmente mediante la intervención del ejército armado. También plantea crear unos dinosaurios de pequeño tamaño para utilizarlos en las batallas.
Hay un abuso de los tópicos, como esconderse debajo de los coches o en el laboratorio.
Recomendable a los incondicionales de la saga, y que disfrutaron con las 3 primeras. 

SPOILERS:
No me interesan los diálogos entre la madre de los niños y su hermana, ni tampoco entre esta última y el director del parque. La historia de amor-odio entre Claire y Owen también me aburre. Me reí con algunas escenas en donde intervienen Chris Pratt y Omar Sy, y con las conversaciones en donde D´Onofrio es el protagonista. 


Los mejores diálogos son los que tienen los más pequeños, y me pregunto como los Tiranosaurios Rex no alcanzan a los protagonistas, pese a que corren a una gran velocidad. Tampoco entendí como el dinosaurio gigante mataba por placer sin comerse a los dinosaurios vegetarianos, cuando poco antes se estaban comiendo a todo el que se interponía en su camino.


LO MEJOR: La banda sonora de Michael Giacchino. Los homenajes a la primera película de la saga.
LO PEOR: El reparto, excepto la protagonista y los dos niños. El guión lleno de incongruencias y con unos diálogos ridículos.


CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

José Antonio Alarcón en Séptimo Escenario  7 / 10

Joan Boter en Faces on the Box  3 / 5 

Antonio Cabello en Esencia Cine  5,5 / 10

Jordi Batlle en Fotogramas  4 / 5

Daniel De Partearroyo en Cinemanía  3,5 / 5 

Roberto Resino en Argoderse  7 / 10

Suso Aira en Sensacine  3,5 / 5

Roberto Piorno en Guía del Ocio  3 / 5

DeCine21  7 / 10 

Víctor Blanco en Videodromo

Jordi Costa en El País  3,5 / 5 

Luis Martínez en El Mundo

Jordi Batlle en La Vanguardia  4 / 5

Pablo O. Scholz en Diario Clarín

Diego Batlle en Diario la Nación

Todd Mccarthy en The Hollywood Reporter  3 / 5

Scott Foundas en Variety  3 / 5

Peter Bradshaw en The Guardian  4 / 5

Robbie Collin en The Telegraph  4 / 5 

Steve MacFarlane en Slant Magazine  2,5 / 5 

Peter Travers en Rolling Stone  3 / 4

Manohla Dargis en New York Times

Greg Cwik en Indiewire  2,5 / 4

Alonso Duralde en The Wrap

Chris Nashawaty en Entertainment Weekly  3,5 / 4

Kyle Smith en New York Post  3 / 4

Joshua Rothkopf en Time Out New York  3 / 5 

Jacob Hall en New York Daily News  3 / 5

Rodrigo Perez en The Playlist  3,5 / 4 

J. R. Kinnard en Sound on Sight

Ben Nicholson en CineVue  4 / 5

Nota IMDb:

Jurassic World (2015) on IMDb

Nota Filmaffinity: 6,8 / 10


TRAILER:




UNO TRAS OTRO ( 2014 )

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 EL SÉPTIMO LARGOMETRAJE DIRIGIDO POR HANS PETTER MOLLAND ES UNA PELÍCULA DE MAFIOSOS, CON UN HUMOR ÁCIDO, Y QUE RECUERDA AL CINE DE TARANTINO

PRODUCCIÓN: NORUEGA ( 2014 )
DIRECCIÓN: Hans Petter Moland
INTÉRPRETES: Stellan Skarsgård, Bruno Ganz, Pål Sverre Hagen, Birgitte Hjort Sørensen, Jakob Oftebro, Anders Baasmo Christiansen, Peter Andersson, Tobias Santelmann
GÉNERO: Gángsters
DISTRIBUIDORA: A Contracorriente Films
DURACIÓN: 115 minutos

SINOPSIS:
Una peli de gánsters nórdica pero decididamente coeniana, que ante todo es un western noir, pero también una comedia delirantemente absurda y descaradamente negra, en irrefrenable estado de gracia. 
Ciudadano ejemplar, Nils pasa el invierno noruego conduciendo su camión quitanieves. Cuando su hijo sea encontrado muerto de una sobredosis, Nils se verá inmerso en una trama de drogas. Atrapado entre la mafia sueca y la serbia, nuestro héroe contará con su enorme vehículo como única arma. Grandes dosis de acción y toques de humor negro se dan cita en un paisaje tan blanco como el de " Fargo ".
 ( FUENTE: FILMIN )
 ( FUENTE CARTEL: FILMAFFINITY )
 ( FUENTE IMÁGENES: IMDB )
 
CRÍTICA:
El noruego Hans Petter Moland vuelve a dirigir en su país, en este caso su séptimo largometraje, y solamente había visto " Un lugar maravilloso ( 2004 ) ", que me decepcionó, pero la crítica habla muy bien de ella y de " Aberdeen ( 2000 ) ", su película más conocida.
Sin fecha de estreno en los cines españoles, aunque ya tiene distribución de A Contracorriente Films, y presente en los festivales de Berlín y Sitges en 2014. Desde el primer momento vemos una película dura, directa y con una gran fotografía de esa pequeña ciudad noruega tapada por la nieve. A partir de un acontecimiento el protagonista entre en un recorrido hacia al abismo, para vengar lo que le ha sucedido y que está afectando a su familia. Una película sobre el mundo de la mafia en el país nórdico, y con un humor muy ácido y mucho más divertido que la mayoría de las cintas americanas. 

 
Recuerda al cine de Tarantino, por su violencia y su sentido del humor. Sin contar un presupuesto alto, pero con un guión original y minucioso escrito por Kim Fupz Aakeson, el responsable de " Alguien a quien amar ( 2014 ) ". Hay muchos giros y sorpresas, y unos personajes secundarios muy interesantes. Pero el que destaca por encima del resto es Stellan Skarsgård, que está contenido en su actuación, y que guarda el duelo en su interior, pero al mismo tiempo se impone en las escenas de acción. 
La historia va de menos a más, y cada vez hay más subtramas, aunque narrada a ritmo lento con el empleo de una fotografía cercana a los personajes, al que unimos esos diálogos con un guión lleno de giros y con una crítica social en todos los niveles, como a los propios noruegos y sus políticos, sean de izquierdas o derechas y a otros países, como los Mediterraneos y Estados Unidos. 


 
La aparición de Bruno Ganz, hablando en otro idioma diferente al suyo, y cuya voz ronca recuerda a Marlon Brando en " El padrino ( 1972 ) ". Hay muchas referencias a la obra maestra de Francis Coppola y a otros directores como los hermanos Coen y Tarantino. 
El problema es que hay varias cosas que se solucionan de una manera muy fácil, pero son algunos detalles sin importancia y no desmerece el guión tan bien elaborado y sin agujeros. El problema es que hay un obsesión por matar a mucha gente, y en algunos casos me parecen innecesarias, por no tener nada que ver con la trama general. Hay dos fallecimientos que se los podían haber ahorrado, y están introducidos como situaciones de humor. Curiosa la manera de mostrarnos a cada uno de los muertos, con un cartel que parece una esquela. 


Un gran acierto la elección de los secundarios, aunque hay uno cuyo interpretación está muy exagerada y su personaje no me termina de convencer, me refiero a Pål Sverre Hagen ( Ole Forsby ).
Un divertimento que hará disfrutar a los espectadores, sobre todo a los amantes al cine nórdico narrado a ritmo lento, con una gran fotografía y un humor difícil de entender por el gran público.


SPOILERS:
Después de la muerte de su hijo el protagonista inicia la venganza, y trata de conseguir llegar hasta los asesinos. Para ello tiene que ir por un recorrido tortuoso y lleno de pistas, y por el camino va dejando muchos muertos, a los que arroja a la cascada del río envueltos en una malla con agujeros finos ( explica el motivo por el que lo hace de esta maera, y es para que los peces se coman el cadáver y evitar que flote ).
Hay dos muertes que se podían haber ahorrado, y me refiero a la del conductor del vehículo que dice al protagonista que le están esperando en su casa, y el pelirrojo al que Nils mata pese a estar agotado. 


En sus primeros pasos Nils Dickmanva localizando de manera sencilla a los contactos, que le permitirá localizar a los asesinos. La primera pista se la da Finn, que está escondido en el lugar del trabajo del protagonista, y le cuenta los sucedido. Me gustan los giros que tienen lugar con la presencia de los serbios, que quieren vengarse de la muerte de uno de sus miembros por parte de la mafia noruega encabezada por Oli. También la conversacion de Nils con su hermano, y que le aconseja que contrate a un sicario llamado Chino ( aunque es japonés ), y que le traicionará en la reunión con el malo. También me parece acertada la escena con la cabeza de uno de los trabajadores del mafioso, que envía a los Serbios como cabeza de turco, para culpabilizarle del asesinato del joven hijo del cabeza de familia Bruno Ganz ( homenaje a la cabeza de caballo de " El padrino ", y con el actor alemán que tiene una voz ronca que recuerda a la de Vito Corleone. Curioso que hable serbio, pese a no ser su lengua de orígen ). 



El joven al que mata Oli, para luego enviar su cabeza, mantenía una relación con otro de los trabajadores del capo noruego, y por ese motivo decide vengarse de su jefe, llamando a los serbios. Esta venganza se veía venir desde el primer momento, pero el director lo hace de manera sutil.
Entre los comentarios ácidos podemos citar la referencia a los suecos como paletos, y al frío y la nieve en Noruega en comparación con los países mediterraneos en donde hay una peor situación política y social ( hay que elegir entre bienestar o sol ), o que los chinos son los judíos de Asia. 
Tampoco me convence la manera en la que el hijo de Oli se deja convencer por un desconocido, y se lo lleva después de recogerlo en el colegio.



LO MEJOR: El humor ácido y con mucha ironía. La actuación sobria y contenida de Stellan Skarsgård.
LO PEOR: Algunas muertes se las podían haber ahorrado. La actuación exgerada de Pål Sverre Hagen.

PREMIOS Y NOMINACIONES:

- 3 PREMIOS Y 6 NOMINACIONES, INCLUYENDO LOS DOS PREMIOS EN EL FESTIVAL DE AUSTIN DE 2014.
 ( FUENTE: IMDB )


CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

Gonzalo Hernández en El Antepenúltimo Mohicano  3,5 / 5

Alberto Sáez en El Antepenúltimo Mohicano  3 / 5

David Rooney en The Hollywood Reporter

Stephanie Zachareck en Village Voice

Jessica Kiang en The Playlist

Mark Young en Sound on Sight

Harriet Warman en CineVue  4 / 5

Nota IMDb:

In Order of Disappearance (2014) on IMDb

Nota Filmaffinity: 6,8 / 10


TRAILER:




WE COME AS FRIENDS ( 2014 )

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HUBERT SAUPER SE ADENTRA EN SUDÁN PARA CONTARNOS LA SITUACIÓN ACTUAL DEL PAÍS, Y SOBRE TODO DE LOS HABITANTES MÁS POBRES

PRODUCCIÓN: FRANCIA ( 2014 )
DIRECCIÓN: Hubert Sauper
DURACIÓN: 105 minutos

SINOPSIS:
Lo nuevo del director de " La Pesadilla de Darwin " es un devastador cuaderno de viaje a través de Sudán que nos demuestra que el imperialismo no ha desaparecido, si no que más bien, ha adquirido una terrorífica forma. Hubert Sauper ( La pesadilla de Darwin ) sobrevuela Sudán en un avión de fabricación casera, cual bandera blanca, para poder aterrizar en la realidad de un país arrasado por la guerra y que se enfrenta a un futuro ( y presente ) apocalíptico.
Allí, todo un safari de fauna humana le espera: misioneros tejanos empeñados en vestir a lugareños desnudos, trabajadores de las ONU, chinos capitalistas, inversores de todo tipo y sudaneses que tienen que soportar a todos los que dicen venir en son de paz: las hordas de nuevos colonos explotadores. Un electrizante collage ( premiado en la Berlinale y en Sundance ) de contradicciones, horripilantes y poéticas al tiempo. 
 ( FUENTE: FILMIN )
 ( FUENTE CARTEL: THE EVENING CLASS )

CRÍTICA:
El austriaco Hupert Sauper ha realizado casi toda su carrera cinematográfica en Francia, en proyectos documentales destinados a explicar la situación de los habitantes de alguna región más pobre. Obtuvo una gran fama a nivel mundial con el documental " La pesadilla de Darwin ( 2004 ) " rodada también en África, y que obtuvo un premio César y la nominación al premio Óscar en 2005. Con su nuevo trabajo, que forma parte de la sección Atlas de la V edición del Atlántida Film Fest, ha ganado un premio en los festivales de Berlín y Sundance en 2014 y ha sido nominado en los premios del cine europeo.
De nuevo se sumerge en lo más profundo del continente africano, para contarnos la situación de los habitantes de Sudán, que han tenido que vivir los ataques colonialistas desde hace varios siglos, primero de Francia y el Reino Unido en 1898 y en la actualidad de los Estados Unidos. 


Con un inicio, en donde una toma aérea nos muestra la llegada de Sauper en una avioneta, y que una vez que está en el país africano nos intenta contar el pasado, presente y futuro de ese país. Rodada durante varios años, y con un inicio con un largo speech con voz en off, en donde se critica al colonialismo, que según el director es la causa de los males del planeta. Una vez que ha expuesto su postura ya no habla más, excepto alguna respuesta a las preguntas de un habitante sudanés, y va recorriendo diferentes lugares para que esos ciudadanos tan pobres describan su vida diaria, y aprovechen para echar la culpa a la llegada de otros países invasores. El director ha sido el responsable de todo el proyecto, desde la producción, de hacer el montaje, dirigir y escribir el guión y las preguntas. Lo mejor de esta propuesta es que ha sabido captar la  mirada sincera de estos habitantes, y que saben contar de manera más creíble lo que tienen que vivir a diario, y la pobreza en la que está inmersa el país. 


En sus críticas aparecen los americanos, su gobierno y otros  países europeos que, según ellos, se aprovechan de sus recursos naturales y el petróleo para explotarlo mientras que la población sigue sin trabajo y viviendo en la más extrema pobreza. Pero toda esa sinceridad la vemos en los habitantes de las chabolas o a las madres con los hijos y que viven en situaciones más infrahumanas, pero no tanto en los que van mejor vestidos y se nota que tienen un mayor conocimiento cultural, e incluso saben inglés o trabajan en una emisora de radio. En estos casos sus declaraciones me hacen dudar de si las quejas que van siempre en la misma dirección, y no frente a los ciudadanos musulmanes o los chinos que también están allí, no estarán aleccionadas por el propio director. Hay alguna situación curiosa como una persona que critica a los árabes y su invasión en el país, y entonces la conversación se corta y queda a medias, mientras que en otros momentos se alarga durante muchos minutos cuando se mete con Estados Unidos. Hay una situación curiosa que es cuando al propio director en vez de responderle le preguntan, y él contesta que no sabe nada y que su trabajo es preguntar, y es en referencia al colonialismo. 

 
La historia carece de originalidad, y termina siendo aburrido, y solamente remonta en la parte final con escenas tan reales como el engaño por parte de una empresa americana a uno de los habitantes del país africano, para que firmara la venta de sus tierras, lo que era un engaño debido a las estrictas condiciones que el señor mayor no entendía ni se había leído. No me interesa nada el asunto de la independencia del país, y como está tratado posteriormente, con una crítica a los nuevos gobernantes y sus educación cristiana, y que contrasta con la postura del documentalista que rehuyó de la crítica a otras religiones durante la primera mitad de la historia.


Unas buenas escenas aéreas de la región en la parte inicial y final, y algunas canciones muy interesantes es lo que anima el documental, que es bastante plano y aburrido.
Recomendable a los incondicionales de los documentales que critican al colonialismo de Estados Unidos, y a los que quieran conocer la situación de Sudán del sur y ver los rostros valientes y sinceros de sus habitantes.

SPOILERS:
Desconocía el trabajo de ciudadanos chinos y musulmanes en las empresas petrolíferas de Sudán, y cuando suena la llamada a la oración. La gente habla muy bien de estos inmigrantes, y no tanto de los americanos o europeos. Hasta que uno de los habitantes del país africano está criticando a los musulmanes que han invadido el país, y me resulta muy curioso que el director no deja continuar con esa entrevista. 
Los chinos están viendo imágenes de cintas americanas de ciencia ficción, y critican a los americanos y la llegada del hombre a la luna, comentando que es lo mismo que están haciendo en África, lo que denominan el colonialismo. Me hace gracia que ven películas americanas, y critican cosas que ellos también hacen. 


LO MEJOR: La sinceridad de los habitantes de Sudán. Algunas canciones.
LO PEOR: Falta de valentía por parte del director, que se queda a medias en su espíritu de denuncia inicial. No se atreve a criticar tan a fondo a la religión musulmana.


PREMIOS Y NOMINACIONES:

- 4 PREMIOS Y 3 NOMINACIONES, INCLUYENDO EL PREMIO EN LOS FESTIVALES DE BERLÍN Y SUNDANCE EN 2014.
 ( FUENTE: IMDB )

CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

Fernando Irardier en El Cafe de Rick

Boyd Van Hoeij en The Hollywood Reporter 

Rob Nelson en Variety 

Chuck Bowen en Slant Magazine  3 / 4

Kenneth Turan en Los Angeles Times

Nota IMDb:

We Come as Friends (2014) on IMDb

Nota Filmaffinity: 7,5 / 10

ENTREVISTA AL DIRECTOR:

 


TRAILER:



THE WORLD OF KANAKO ( 2014 )

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TETSUYA NAKASHIMA ES EL DIRECTOR DE ESTE THRILLER CON MUCHA ACCIÓN, PROTAGONIZADO POR KOJI YAKUSHO, Y QUE SE PUDO VER EN LOS FESTIVALES DE SITGES Y GIJÓN EN 2014

PRODUCCIÓN: JAPÓN ( 2014 )
DIRECCIÓN: Tetsuya Nakashima
INTÉRPRETES: Kôji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Jô Odagiri, Fumi Nikaidô, Miki Nakatani, Ai Hashimoto, Jun Kunimura, Asuka Kurosawa
GÉNERO: Thriller
DISTRIBUIDORA: Media3 Estudio
DURACIÓN: 118 minutos

SINOPSIS:
Cruzando Laura Palmer con " Oldboy ", " The World of Kanako " evoca al gran Seijun Suzuki a través de una demoledora espiral marcada por la más descerebrada ultraviolencia y la factura videoclipera. El director de " Confessions " vuelve con un film noir de poso trágico y ritmo imparable, un vigoroso y demente thriller de venganza japonés en el que prácticamente todo suena a coreano, que dedica un estiloso homenaje al pulp y el retro explotation de los 70.
Cuando Kanako, hija pródiga y alumna intachable, desaparece, su madre no duda en llamar a su exmarido, un policía poco ortodoxo. A medida que la investigación avanza, la imagen idealizada de Kanako se va resquebrajando, dejando entrever que, bajo la excelencia, la chica esconde otra vida, más oscura y secreta.
 ( FUENTE: FILMIN )
 ( FUENTE CARTEL: FLMAFFINITY )

CRÍTICA:
El cine asiático está de moda, y es uno de los que más ha avanzado durante el siglo XXI, después de unas décadas a finales del siglo XX, una vez que ya desaparecieron grandes directores clásicos como Kurosawa, Ozu y Mizoguchi. Cada vez se busca acercarse más al gran público, para conseguir que nos le de pereza ver las propuestas japonesas, chinas o coreanas. Para ello se están elaborando unos guiones de películas de suspense y muchas escenas de acción, con mucha ironía y una puesta en escena bastante potente. A esos proyectos tan entretenidos le podemos añadir las obras más dramáticas de grandes directores como Kore-Eda y Yamada. Pero el cine coreano está tomando la delantera en ese cine de entretenimiento asiático, tan cercano a las películas dirigidas por Tarantino, y esta cinta es un ejemplo al ser inferior a otras como "New world ( 2013 ) y "The Target ( El objetivo ) ( 2014 )". 
 

Tetsuya Nakashima dirige su séptimo largometraje, después de unos inicios en el mundo de la animación, lo que proyecta en algunas escenas de esta película, y cuya anterior obra " Confessions ( 2010 ) " es también un thriller que adapta una novela, pero que consigue controlar la historia pese a sus excesos. En este caso adapta la novela de Akio Fukamach. Hay demasiados cambios temporales que, pese a estar bien explicados con un cartel que indica si estamos en el presente o en el pasado, hace que nos perdamos en ciertas escenas, y sobre todo que el principal interés termina siendo demostrar la violencia de Akikazu, un padre esquizofrénico y en camino degenerativo en búsqueda de su hija desaparecida, y poner de manifiesto que la adolescente tenía una vida oculta muy compleja.

 
Hay demasiados excesos, que habitualmente suscribo cuando son un acompañamiento a la historia pero no si son la principal bandera de la película, sobre todo cuando es violencia por violencia ( cosa que no sucede en otras propuestas ). Una vez planteada la desaparición de la joven japonesa y la muerte de tres personas en un supermercado la historia se olvida de ese asunto, cosa que no me parece mal, y vuelve hacia el pasado para ver el inicio en las drogas y la prostitución de Kanako, y sobre todo la decadencia del padre, un antiguo policía que fue cesado ser enfermo de esquizofrenia y por su violencia.

 
El guión es bastante caótico, y aunque avanzamos en diferentes aspectos, de nuevo se vuelve a complicar con otras situaciones. Hay bastante sorpresa y termina por aburrir esa bajada a los infiernos del protagonista. 
El montaje no ayuda nada para poder seguir la historia, y al menos podemos disfrutar con algunas escenas aisladas y un intento de ser original en la colocación de unas imágenes animadas y en otras escenas en una discoteca con letreros en la parte superior y un sonido que resulta insoportable. Soy partidario de la originalidad, pero con control, y en este último caso esos ruidos me terminaron por sacar de la película. 


Hay que reconocer que hay una buena puesta en escena, y sobre todo el acertado reparto, en donde destaca el protagonista Kôji Yakusho, ganador del premio en el festival de Sitges de 2014 por su trabajo en esta película, pero también todos los secundarios adolescentes a los que visita el padre de Kanako. Muchos personajes tienen una breve aparición y no terminamos de entender su implicación en la trama, y en el caso de la madre de la desaparecida no da tiempo a comprender su forma de actuar. Hay mucha sangre, cosa que no me molesta e incluso me parece acertada teniendo en cuenta lo que nos están contando. 
Recomendable a los aficionados al cine asiático moderno, con escenas de acción, mucha sangre y un suspense añadido.

SPOILERS:
Poco a poco nos vamos dando cuenta que la protagonista sufrió mucho desde el suicidio de su novio, al que obligaron a hacerlo por envidia, y que decidió vengarse de sus compañeros de instituto iniciándolas en la adicción a las drogas y el sexo. Todos los descubrimientos van enfureciendo cada vez más al padre, que mata a todo el que se encuentra en su camino, y abusa de esa violencia y machismo, que fue la causa principal por la que tuvo que abandonar el trabajo como policía. También aparecen implicado el jefe de policía. Me interesan más las escenas del pasado que la búsqueda del presente. No termino de entender el final y la relación de lo que está haciendo Kanako con la muerte de tres personas en un supermercado, con la que da comienzo la película, y en donde uno de ellos es un compañero de la protagonista, el fotógrafo Yasuhiro Matsunaga.


LO MEJOR: La actuación del protagonista. Las imágenes animadas.
LO PEOR: El montaje. Los flashbacks sonoros con las chicas en la discoteca.


PREMIOS Y NOMINACIONES:

Pablo González en Cinemanía  

Lluís Alba en Zumbarte

Marcos Curto en Siempre en v.o  8 / 10

John DeFore en The Hollywood Reporter 

Patrick Gamble en CineVue  2 / 5

Nota IMDb:

The World of Kanako (2014) on IMDb

Nota Filmaffinity: 6,3 / 10


CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

- 3 PREMIOS Y 1 NOMINACIÓN, INCLUYENDO EL PREMIO EN EL FESTIVAL DE SITGES DE 2014.
 ( FUENTE: IMDB )


TRAILER:




BIRD PEOPLE ( 2014 )

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PASCALE FERRAN NOS PRESENTA UNA PROPUESTA BASTANTE ORIGINAL. LOS DOS PERSONAJES PROTAGONISTAS ESTÁN INTERPRETADOS POR JOSH CHARLES Y ANAIS DEMOUSTIER

PRODUCCIÓN: FRANCIA ( 2014 )
DIRECCIÓN: Pascale Ferran
INTÉRPRETES: Josh Charles, Anaïs Demoustier, Roschdy Zem, Clark Johnson, Radha Mitchell, Hippolyte Girardot, Geoffrey Cantor, Anne Azoulay, Genevieve Adams, Sharon Mann
GÉNERO: Drama
DURACIÓN: 126 minutos

SINOPSIS:
Simpática, asombrosa e insólita rareza que tiene el descaro, más bien la sutileza, de sacudir los lugares comunes narrativos, con uno de los giros más deliciosos, audaces y disfrutables jamás plasmados en pantalla.
La tercera película en los últimos 20 años de Pascale Ferran levanta altos y alucinantes vuelos en su muy esperado nuevo film. La urgencia de romper con la alienación es contada desde los dos extremos de la implacable cadena alimenticia del sistema. Por un lado, un alto ejecutivo de Silicon Valley ( Josh Charles, de " The Good Wife " ) en tránsito entre Nueva York y Dubai, y por otro la doncella de un hotel junto al aeropuerto. Lugar donde la liberación de ambos transcurre en paralelo, y donde quizás terminen por encontrarse.  
 ( FUENTE: FILMIN )
 ( FUENTE CARTEL: FILMAFFINITY )

CRÍTICA:
La directora francesa Pascale Ferran nos presenta una propuesta muy original, que tiene varias cosas positivas, pero que desaprovecha esa idea inicial para haber expuesto mejor la historia de Gary Newman ( Josh Charles ), y no tanto la de Audrey Camuzet ( Anaïs Demoustier ) que es lo más interesante de la película. Estamos ante otra propuesta, al igual que el caso de " The Tribe ( 2014 ) " que es mejor conocer lo menos posible del asunto principal, para llevarte las sorpresas al igual que me sucedió a mí. Presente en el festival de Cannes de 2014 formando parte de Un Certain Regard, y nominada a dos premios César en 2015. 


Con un guión original inventado por la propia directora junto a Guillaume Bréaud, y que tiene un inicio con dos personajes que llegan al mismo lugar a través de medios de transporte diferentes. Poco a poco se van manteniendo las vidas de ambos en paralelo hasta que poco a poco se va centrando en los asuntos profesionales y personales del americano Gary en París. Llega un momento en que se abandona a este personaje para centrarse en la historia de Audrey, la trabajadora en un hotel y que vive sola en un barrio pobre de la capital francesa. Una vez que nos han presentado a ambos personajes es cuando llega el último tercio, en donde tienen que mantener sus ideas iniciales y no dar marcha atrás, y volvemos a ver a ambos en ese futuro tan diferente que han decidido tener. Un buen guión, sobre todo por la originalidad de la historia, y no tanto por los diálogos que carecen de profundidad. 


Hay una gran puesta en escena, y un montaje que facilita la comprensión de lo que está sucediendo. La directora no busca giros innecesarios, sino que hay uno en cada uno de los personajes y desde este momento hay una evolución bastante lineal, pero comprensible. Me gusta el final, que es que necesitaba la cinta, aunque estoy seguro que va a decepcionar a muchos espectadores que igual se esperaban un final menos convencional y más impactante.
La historia del americano no me termina de convencer, y aunque me gusta la idea original no tanto la credibilidad en varios aspectos de su desarrollo. Sin embargo me parece perfecta la historia de Audrey, y encima es donde vemos esas vistas aereas, con un sonido de fondo muy llamativo y con unas canciones destacadas, entre las que se encuentra " Space Oddity " de David Bowie. Me quedo con la actuación de Anaïs Demoustier ( aquí está mucho mejor que en " Una nueva amiga ( 2014 ) ", la última película de Francois Ozon ), ya que está creíble, emotiva y con mucha alegría. Josh Charles, el protagonista conocido por la serie " The Good wife " va de menos a más, y mejora en esa parte final en donde se libera del encorsetamiento que tiene su personaje en la parte inicial.


Una película que recomiendo a casi todo el mundo, pero sobre todo a los que disfrutan con las propuestas sencillas y originales, pero que mezclan el drama personal con unas situaciones de ficción.
Estoy seguro que muchos nos gustaría hacer lo mismo que los dos protagonistas, y su reacción será aplaudida por los espectadores.

SPOILERS:
La historia plantea dos personas de estratos de vida muy diferentes, pero que están hartos de su vida personal y profesional, y que quieren dar un giro a su día a día. Él es un americano de gran poder adquisitivo que trabaja para un banco, y que se encuentra en París por temas laborales, y que le obligan a ir a Dubai durante unos meses para un proyecto que tiene su empresa. Pese a su negativa en la reunión le dicen que tiene que hacerlo. Llega a la capital francesa en avión y luego le recogen para ir en coche hasta el hotel. 
 

Por contra Audrey vive en un barrio pobre y trabaja en el servicio de limpieza del hotel, además de no tener una buena relación con su familia. Ella dice que no puede trabajar en su día libre en domingo, inventándose que tiene un examen, y se libera al negarse a cumplir con todo lo que le ordenan sus superiores. 
De repente el protagonista, cuyo vuelo a Dubai ya ha salido sin su presencia, continua con sus pasos de su nueva vida, pero no tiene que estar muy convencido de lo que hace porque quiere contárselo a su mujer y no abandona el teléfono móvil con lo que recibe las llamadas de su jefe y otros trabajadores de su empresa. La valentía de la idea se queda a medias al no hacerlo del todo, y sobre todo porque las conversaciones con esos personajes que terminan siendo muy secundarios no aportan nada, y alargan la historia sin ninguna necesidad. 


De repente la protagonista se transforma en un pájaro, que también se libera de su vida, y va volando de un lado a otro, y esta historia es mucho más interesante tanto a nivel visual como a nivel argumental. Esta situación recuerda a la oscarizada "Birdman ( 2014 )", y ambas cintas podrían formar parte de un programa doble. El final de la historia de Audrey es que ha sido un sueño, y cuando se despierta aparece en la terraza del hotel. Desde aquí vuelve a su trabajo, y coincide con el protagonista, que inexplicablemente ha vuelto al hotel, cuando ya tenía incluso un plan para marcharse a los pirineos.
El personaje secundario más interesante es el de Akira, el cliente del hotel que pinta al pájaro, y que es la propia Audrey en la habitación 


LO MEJOR: La originalidad del proyecto. El montaje.
LO PEOR: El desarrollo de la historia del personaje protagonista. Los personajes secundarios a la historia, excepto el de Akira.


PREMIOS Y NOMINACIONES:

- 5 NOMINACIONES, INCLUYENDO LAS DOS EN LOS PREMIOS CÉSAR DE 2015.
 ( FUENTE: IMDB ) 
 
CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

José Antonio Martín en El Antepenúltimo Mohicano  4 / 5

Gonzalo Hernández en El Antepenúltimo Mohicano  2 / 5

Víctor Blanes en El Antepenúltimo Mohicano  2,5 / 5

Adrián González en El Antepenúltimo Mohicano  8,5 / 10

Jordan Mintzer en The Hollywood Reporter  3,5 / 5

Peter Debruge en Variety  3 / 5

Jesse Cataldo en Slant Magazine  2,5 / 4

Manohla Dargis en New York Times

Robert Abele en Los Angeles Times  4,5 / 5

Jordan Hoffman en New York Daily News  2 / 5

Melissa Anderson en Village Voice  4,5 / 5

Oliver Lyttelton en The Playlist  2,5 / 5

Noel Murray en The Dissolve  4 / 5

Zach Lewis en Sound on Sight

Nota IMDb:

Bird People (2014) on IMDb

Nota Filmaffinity: 5,8 / 10
TRAILER:





PREMIOS DAVID DE DONATELLO 2015

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" CALABRIA " ES LA GRAN TRIUNFADORA CON UN TOTAL DE 9 PREMIOS, Y ES LA SUCESORA DE " EL CAPITAL HUMANO " COMO MEJOR PELÍCULA

El pasado sábado se celebró la gala de los premios David de Donatello, en donde la gran triunfadora ha sido "Calabria ( 2014 )" con un total de nueve premios, la cinta estrenada hace unos meses en España. Las derrotadas han sido las nuevas propuestas de Ermanno Olmi y Nanni Moretti, aunque esta última se ha llevado los dos premios de interpretación femenina. 
"Birdman ( 2014 )" y "La teoría del todo ( 2014 )" se han llevado los premios a mejor película extranjera y europea respectivamente.

PELÍCULA
- Calabria.
- Hungry hearts.
- Il giovani favoloso.
- Mia madre.
- Volverán los prados.

DIRECCIÓN
- Ermanno Olmi - Volverán los prados.
- Francesco Munzi - Calabria.
- Mario Martoni - Il giovane favoloso.
- Nanni Moretti - Mia madre.
- Saverio Costanzo - Hungry hearts.

ACTOR
- Alessandro Gassman - Il nome del figlio.
- Elio Germano - Il giovane favoloso.
- Fabrizio Ferracane - Calabria. 
- Marco Giallini - Se dio vuole.
- Riccardo Scarmacio - Nessuno si salva da solo.

ACTRIZ
- Alba Rohrwacher - Hungry hearts. 
- Jasmine Trinca - Nessuno si salva da solo.
- Margherita Buy - Mia madre. 
- Paolo Cortellesi - Scusato se esisto !
- Virna Lisi - Mi familia italiana.

ACTOR DE REPARTO
- Carlo Buccirosso - Noi e la Giulia.
- Claudio Amendola - Noi e la Giulia. 
- Fabrizio Bentivoglio - Il ragazzo invilisibile.
- Luigi lo Cascio - Il nome del figlio. 
- Nanni Moretti - Mia madre.

ACTRIZ DE REPARTO
- Anna Foglietta - Noi e la Giulia.
- Barbora Bobulova - Calabria.
- Giulia Mazzarini - Mia madre.
- Micaela Ramazzotti - Il nome del figlio.
- Valeria Godino - Il ragazzo invilisibile. 

GUIÓN
- Calabria.
- Hungry hearts.
- Il giovane favoloso.
- Mia madre.
- Noi e la Giulia.

MONTAJE
- Calabria.
- Hungry hearts.
- Il giovane favoloso.
- Italy in a day.
- Mia madre.

FOTOGRAFÍA
- Calabria.
- Hungry hearts.
- Il giovane favoloso.
- Il ragazzo invisibile.
- Volverán los prados.

MÚSICA
- Calabria.
- Hungry hearts.
- Il giovane favoloso.
- Il ragazzo invisibile.
- Volverán los prados.

CANCIÓN
- Anime nere - Calabria.
- Bonesempio - Take five.
- Elis - Nessuno si salva da solo.
- Sei mai stata sulla luna ? - Sei mai stata sulla luna ?
- Wrong skin - Il ragazzo invisibile.

PELÍCULA EXTRANJERA
- Birdman ( o la inesperada virtud de la ignorancia ).
- Boyhood ( Momentos de una vida ).
- El francotirador. 
- La sal de la tierra.
- Mommy.

PELÍCULA EUROPEA
- Alabama Monroe.
- La teoría del todo.
- Locke.
- Pride ( Orgullo ).
- Relatos salvajes.

ÓPERA PRIMA
- Banana.
- Cloro. 
- N-Capace.
- Se Dio vuole. 
- Vergine giurat.

EFECTOS VISUALES
- Il giovane favoloso.
- Il ragazzo invisibile. 
- La buca.
- Noi i la Giulia.
- Volverán los prados.

SONIDO
- Calabria.
- Il nome del figlio.
- Il ragazzo invisibile.
- Mia madre. 
- Volverán los prados.

PRODUCTOR
- Calabria.
- El país de las maravillas.
- Il giovane favoloso.
- Il ragazzo invisibile.
- Mia madre.

DISEÑO DE PRODUCCIÓN
- Calabria.
- Il giovane favoloso. 
- Maraviglioso Boccaccio.
- Noi i la Giulia.
- Volverán los padres.
  
VESTUARIO
- Calabria.
- Il giovane favoloso.
- Maraviglioso Boccaccio.
- Mi familia italiana. 
- Volverán los prados.

MAQUILLAJE
- Calabria.
- Il giovane favoloso. 
- Il ragazzo invisibile.
- Mi familia italiana.
- Mia madre.

PELUQUERÍA
- Calabria.
- Ho ucciso Napoleone.
- Il giovane favoloso. 
- Maraviglioso Boccaccio.
- Mi familia italiana.

LARGOMETRAJE DOCUMENTAL
- Belluscone, una storia siciliana.
- Enrico Lucherini.
- Io sto con la sposa.
- Quando C´era Berlinguer.
- Sul vulcano.

DAVID DE LA JUVENTUD
- Calabria. 
- I nostri ragazzi.
- Il giovane favoloso.
- Il ragazzo invisibile.
- Noi e la Giulia.

CORTOMETRAJE 
- Due piedi sinsitri.
- L´Errore.
- La Valiglia.
- Sinuaria.
- Thriller.


PELÍCULAS POR NÚMERO DE PREMIOS: 

- CALABRIA 9 Premio.
 ( Película, Dirección, Guión, Fotografía, Montaje, Música, Canción, Sonido, Productor )

- IL GIOVANE FAVOLOSO 5 Premios.
 ( Actor, Diseño de Producción, Vestuario, Maquillaje, Peluquería )

- MIA MADRE 2 Premios. 
 ( Actriz, Actriz de Reparto )

- NOI E LA GIULIA 2 Premios.
 ( Actor de Reparto, David de la Juventud ) 

 ( Película Extranjera )

 ( Película Europea )

- SE DIO VUOLE 1 Premio.
 ( Ópera Prima )

- IL RAGAZZO INVISIBILE 1 Premio.

 ( Efectos Visuales ) 

- BELLUSCONE, UNA STORIA SICILIANA 1 Premio.
 ( Largometraje Documental )

- THRILLER 1 Premio.
 ( Cortometraje )

 ( FUENTE INFORMACIÓN: DAVID DE DONATELLO )
 ( FUENTE CARTELES: FILMAFFINITY )


LA VIDA EN UNA PECERA ( 2014 )

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LA PELÍCULA SELECCIONADA POR ISLANDIA PARA LOS ÓSCAR 2015. UN DRAMA DE TRES PERSONAS QUE LUCHAN POR SOBREVIVIR EN REYKJAVIK

PRODUCCIÓN: ISLANDIA ( 2014 )
DIRECCIÓN: Baldvin Zophoníasson
INTÉRPRETES: Hera Hilmar, Thor Kristjansson, Ingvar Þórðarson, Sveinn Ólafur Gunnarsson, Þorsteinn Bachmann, Laufey Elíasdóttir
GÉNERO: Drama
DURACIÓN: 130 minutos

SINOPSIS:
El destino unirá las vidas de tres personajes en Reykjavik. Móri, refugiado en el alcohol para olvidar una tragedia que sucedió hace 20 años; Eik, madre soltera que ejerce de prostituta para poder llegar a fin de mes y Sölvi, buen padre y esposo que se ve inmerso en los entramados de las instituciones financieras.
 ( FUENTE: FILMAFFINITY )
 ( FUENTE CARTEL: FILMAFFINITY )
 ( FUENTE IMÁGENES: IMDB )

CRÍTICA:
El cine islandés tiene muy poca distribución en España, y tenemos que esperar a que algún proyecto como el Atlántida Film Fest se anime a que esas cintas formen parte de su programa. El año pasado sucedió lo mismo con "De caballos y hombres ( 2013 )", que se pudo ver en este festival, y que meses después se exhibió en algunos cines al ser comprada por una distribuidora española. " La vida en una pecera " de momento no se va a poder ver en nuestros cines, y ojalá alguien se decida a comprar este gran drama de historias cruzadas. Hay que recordar que las dos propuestas que he citado fueron las seleccionadas por su país para los premios Óscar en 2014 y 2015 respectivamente.


Presente en los festivales de Toronto, Valladolid ( formando parte de la Sección Punto de encuentro ) y Zurich en 2014. Tres protagonistas y sus situaciones dramáticas, que van evolucionando poco a poco hasta que sus destinos se unen. Un guión bien estudiado y con unos diálogos muy incisivos. No quedan cosas sin resolver, y hay alguna situación impactante, y su principal problema es que al terminar te quedas frío porque es predecible, y se podía haber buscado algo diferente en las tres historias. No quedan cosas sin solucionar e incluso quedan resueltas las posibles dudas. En la parte inicial cuesta entender lo que está pasando y las relaciones entre los personajes, pero poco a poco vamos encajando las piezas del puzzle, y al terminar el primer tercio ya sabemos quien es cada uno de los personajes, para pasar a desarrollar y complicar sus historias.

 

Un gran reparto del que sobresalen Hera Hilmar ( Eik, la trabajadora de la guarderia) y Þorsteinn Bachmann ( Móri, el escritor borracho ). Las mejores escenas son en las que aparecen los dos juntos, y su amistad junto a la hija de la protagonista. El resto de personajes e intérpretes son más planos, y no lo hacen mal, pero me interesa menos la microhistoria de Thor Kristjansson ( Sölvi, el trabajador en una emoresa constructora ) que la de los otros dos protagonistas. La estructura de la película y su desenlace recuerda a la ópera prima de Alejandro González Iñárritu " Amores perros ( 2000 ) ", y el personaje de Móri tiene similitudes físicas con las de uno de los protagonistas de la cinta mexicana.


Un buen montaje, que une las distintas historias en el momento justo, y que cierra el círculo en la parte final sin ninguna arista. Los primeros minutos son desconcertantes, rodada de noche y con unas situaciones extrañas de varios personajes. De ritmo lento y con momentos de parón, pero necesarios para coger aire para la siguiente situación. Se ponen de manifiesto asuntos como los miedos, la ambición, las envidias o los celos. Hay un retrato de las diferencias sociales en los habitantes de Reykjavik, con unos que tienen una vida llena de gastos y excesos y otros que no tienen dinero en su cuenta bancaria pese a tener dos trabajos. 

 
Tanto la fotografía como la banda sonora son correctas, y no llaman la atención por su originalidad, pero no molestan ni interfieren en el seguimiento de la historia.
Recomendable a los aficionados a los dramas de historias cruzadas.

SPOILERS:
Me gusta como se trata el momento de conexión de las tres historias, cuando el trabajador de la empresa constructora va al bar para convencer a Móri de que venda su piso y luego cuando Eik acepta ir al crucero para conseguir un dinero que necesita, y por otro lado deja a Heida, su hija de 8 años al cuidado del escritor borracho. A partir de aquí la historia transcurre de manera predecible, y acaba de manera poco valiente, ya que Móri acepta el dinero y vende su piso e ingresa ese dinero en la cuenta de la joven protagonista. Tampoco me sorprendió que el escritor deje a la niña sola en casa, para irse a beber. Lo que me gustó es la relación de Eik con sus padres, y el momento en donde entendemos el motivo por el que no quiere dejar a su hija con ellos, sobre todo cuando se entera de la presencia de su abuelo materno ( cuando le visita en el hospital descubrimos que la violaba, y es probable que el padre de Heida sea su propio abuelo ). No me interesa tanto el asunto profesional de Sölv, y como terminan engañando a Gústi, que se queda fuera de juego ante la puñalada de sus compañeros.


LO MEJOR: El montaje. La totalidad del reparto, en especial Hera Hilmar y Þorsteinn Bachmann.
LO PEOR: Los finales de las historias son predecibles y de poco riesgo. La historia de Sölvi y su vida profesional es inferior a la de los otros dos protagonistas.


PREMIOS Y NOMINACIONES:

- 15 PREMIOS Y 2 NOMINACIONES, INCLUYENDO 12 PREMIOS EDDA EN 2015.
 ( FUENTE: IMDB )

CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

Ignacio Navarro en El Antepenúltimo Mohicano  3 / 5

Elsa Keslassy en Variety

Nota IMDb:

Life in a Fishbowl (2014) on IMDb

Nota Filmaffinity: 6,6 / 10


TRAILER:




TU DORS NICOLE ( 2014 )

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EL TERCER LARGOMETRAJE DIRIGIDO POR STÉPHANE LAFLEUR ES UNA MEZCLA DE COMEDIA Y DRAMA. EL VERANO EN UNA ZONA RESIDENCIAL DE CANADÁ

PRODUCCIÓN: CANADÁ ( 2014 )
DIRECCIÓN: Stéphane Lafleur
INTÉRPRETES: Claudia-Émilie Beaupré, Julianne Côté, Juliette Gosselin, Marc-André Grondin, Francis La Haye, Simon Larouche, Fanny Mallette, Godefroy Reding
GÉNERO: Comedia
DURACIÓN: 93 minutos

SINOPSIS:
Rodada en luminoso blanco y negro e infundida por una melancolía sensual, la nueva " Frances Ha ", éxito crítico absoluto en Cannes, brilla una vez más por su característico humor absurdo. A través de una peculiar sensación de hastío de dos amigas veinteañeras," Tu dors Nicole " capta esa etapa donde los desvanecimientos familiares de la infancia todavía parecen mucho más atractivos, preciosos y reales, que la esterilidad a la que se ve abocada el mundo de los adultos que asoma. 
Nicole está disfrutando de un verano tranquilo en casa de su familia junto a su mejor amiga Verónique. Cuando su hermano mayor aparece con su banda para grabar un álbum, la amistad de las chicas se pone a prueba. Sus vacaciones dan un giro inesperado, marcadas por una ola de calor, el insomnio creciente de Nicole y el cortejo persistente de un niño de 10 años de edad.
 ( FUENTE: FILMIN )
 ( FUENTE CARTEL: FILMAFFINITY )
 ( FUENTE IMÁGENES: IMDB )

CRÍTICA:
No es muy frecuente que el cine canadiense llegue a los cines españoles, y en caso de hacerlo no suele tener una gran repercusión. Hay que excluir a las películas dirigidas por David Cronenberg y en los últimos años las de Xavier Dolan, que tienen muchos seguidores que van a ver sus propuestas. En el caso del nuevo trabajo de Stéphane Lafleur es una cinta que ha sido de las más premiadas en su país entre 2014 y 2015, y que formó parte de la Quincena de realizadores del festival de Cannes de 2014.


Una historia que deambula entre la comedia y el drama, y que se compara de manera muy acertada con "Frances Ha ( 2012 )", por ser también dos chicas protagonistas de familia con poder adquisitivo, y que tienen una manera de vida un poco hipster. 
Nos encontramos en verano, y aprovechando que los padres de Nicole están fuera y que la protagonista se va a quedar sola, la casa termina siendo el lugar de celebración de fiestas y del ensayo de un grupo musical de unos amigos. Ambas son excéntricas y en algún momento parecen tener mucho menos edad por su comportamiento tan infantil. La historia pretende entretener, pero no lo consigue, ya que no terminé de conectar con esas pequeñas gracias en varias situaciones o en los diálogos. Pero tampoco me produce emoción o sufrimiento esos momentos en donde las dos mujeres lo pasan mal. 


Va pasando los minutos y disfruté más con los personajes secundarios, como el adolescente 10 años más joven que Nicole, al que cuidó cuando era más pequeño y del que sigue enamorado ( curiosa su voz tan de adulto, y me pregunto si el director buscó al niño en un casting, porque Godefroy Redinges ideal para el personaje de Martin ), o Normand el compañero de trabajo de la protagonista, incluso con la breve aparición de el jefe de Véronique. Con unos diálogos bastante pesados, aunque hay que entender que reflejan la manera de comportarse de una parte de la sociedad, que están ajenas a la realidad, y que viven en lo que se denominan " los mundos de yupi ". 
En el último tercio hay un giro que hace que aumente mi interés, y termine con un gran final. La propuesta va de menos a más, y me gusta la sinceridad de los personajes, que termina siendo su perdición, pero que no engañan a nadie, y buscan conseguir sus objetivos personales, laborales o románticos yendo de frente.

 
Pero lo mejor es su aspecto estético, y sobre todo la fotografía en Blanco y negro ( no por ser en B & N tiene que ser buena, y un ejemplo es la nominada al Óscar 2015 en esa categoría, la polaca "Ida ( 2013 )" ), que emplea diferentes recursos técnicos sin molestar y favoreciendo el visionado de las escenas. Hay muchos planos en movimiento y otros planos fijos muy bien centrados, y en algún caso se pasa de un plano en movimiento a otro fijo. Su montaje también está muy bien, al igual que su banda sonora y sonido. Todos estos elementos, junto al giro final, es lo que hace que la cinta no termine por ser soporífera, y el espectador se mantenga despierto, teniendo en cuenta que Nicole tiene bastante sueño, y se queda dormida en diferentes lugares durante el día ( de ahí el título, que traducido del francés significa " Nicole te duermes " ).


Se agradece que dure tan solo 93 minutos, y no pasará a la historia del cine, pero al menos es sencilla y fácil de seguir, y gustará a los que disfrutaron con "Frances Ha ( 2012 )", y a los aficionados al cine cuyas protagonistas son unas jóvenes con una mente demasiado infantil.

SPOILERS:
El giro es cuando Véronique no avisa a Nicole que no se puede ir con ella a Islandia, o más bien no quiere, y desde ese momento se pasan varios días sin verse, lo que unido a que la echan del trabajo por robar hace que vea su futuro de otra manera. Así se sincera con su ex-novio, al que encuentra junto a la chica con la que se va a casar, y lo mismo con el baterista del que está enamorado. Me gustan las escenas de Nicole con Martin, cuando él chico la invita a un helado porque no tiene crédito en la tarjeta, y cuando tiene que volver a cuidarle porque necesita dinero porque le han despedido.


LO MEJOR: La fotografía. La sinceridad de los personajes.
LO PEOR: No funciona ni como comedia ni como drama. La primera mitad es bastante plana y rutinaria.

 
PREMIOS Y NOMINACIONES:

- 3 PREMIOS Y 17 NOMINACIONES, INCLUYENDO 7 NOMINACIONES EN LOS PREMIOS JUTRA 2015.
 ( FUENTE: IMDB )

CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

Ignacio Navarro en El Antepenúltimo Mohicano  4 / 5

Carlota Ezquiaga en Cine Divergente

Boyd Van Hoeij en The Hollywood Reporter  4 / 5

Alissa Simon en Variety  4 / 5

Stephen Holden en The New York Times  4 / 5

Clayton Dillan en Slant Magazine  3 / 4 

Farran Smith Nehme en New York Post  2,5 / 4

Carlos Aguilar en Indiewire

Oliver Lyttelton en The Playlist  5 / 5

Mike D´Angelo en The Dissolve  4 / 5

Ed Frankl en CineVue  3 / 5

Justine Smith en Sound on Sight

Nota IMDb:

Tu dors Nicole (2014) on IMDb

Nota Filmaffinity: 6,2 / 10

TRAILER:




WHITE GOD ( 2014 )

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PELÍCULA HÚNGARA QUE NOS CUENTA LA RELACIÓN ENTRE UNA NIÑA Y SU PERRO. PRESENTADA POR SU PAÍS A LOS PREMIOS ÓSCAR 2015, Y GANADORA DE DOS PREMIOS EN CANNES 2014

PRODUCCIÓN: HUNGRÍA ( 2014 )
DIRECCIÓN: Kornél Mundruczó
INTÉRPRETES: Zsófia Psotta, Sándor Zsótér, Lili Horváth, Szabolcs Thuróczy, Lili Monori, Gergely Bánki, Tamás Polgár, Károly Ascher, Erika Bodnár, Bence Csepeli
GÉNERO: Drama
DISTRIBUIDORA: Golem Distribución
DURACIÓN: 119 minutos

SINOPSIS:
Una nueva regulación impone un fuerte impuesto a todos los dueños de perros que no sean de pura raza. Los animales son abandonados y los refugios ya no tienen sitio para acogerlos. Lili, de 13 años, lucha con todo su ser para proteger a su amado Hagen, pero su padre acaba soltándolo en la calle. Hagen y su joven dueña se buscan desesperadamente hasta que Lili se rinde, convencida de que no volverá a verlo. Hagen se esfuerza por sobrevivir y no tarda en aprender que no todos los hombres son los mejores amigos. Se une a una manada de perros sin hogar, pero es capturado y llevado a la perrera. Perdida la esperanza, los perros aprovecharán una oportunidad para escaparse y rebelarse contra los seres humanos. Su venganza será despiadada. Puede que Lili sea la única capaz de detener la inesperada guerra entre el hombre y el perro.
 ( FUENTE: GOLEM DISTRIBUCIÓN )
 ( FUENTE CARTEL: GOLEM DISTRIBUCIÓN )

CRÍTICA:
De nuevo nos llega otra gran película procedente del centro o norte de Europa, y en este caso una cinta húngara al igual que la estrenada hace un año "El gran cuaderno ( 2013 )". Ambas han sido las seleccionadas por su país para el premio Óscar, y son cintas de calidad, con mucha tensión y con situaciones transgresoras. " White god " está dedicada a Miklós Jancsó, uno de los mejores directores del país y fallecido en 2014, el año de producción de la película. Está claramente dividida en tres partes, una primera con una relación entre Lili y su perro Hagen, que es su principal amigo, y más cuando su madre y padrastro se encuentran durante varios meses en Sidney, una segunda en donde hay un parón en la historia y la última que se puede considerar como una película de terror-acción.


Aprovechando la belleza de Budapest, y de su puente por encima del Danubio, en la primera escena la protagonista atraviesa uno de los puentes con su bicicleta y de repente la persiguen una manada de perros. La adolescente tiene que luchar contra la intransigencia de casi todo el mundo, empezando por su propio padre que no acepta la presencia del animal en su casa, y de los vecinos que llaman a la policía para advertir de la presencia de Hagen. La capital de Hungría parece que tiene fobia a los perros, y se inicia una lucha por poder quedarse sin el animal, y que no acabe en una perrera. Esa amistad entre la niña y el perro es entrañable, y nos recuerdan a otras propuestas como " Siempre a tu lado ( Hachiko ) ( 2009 ) " y las películas de Lassie. 


Pero la historia va dando varios giros, alguno de ellos predecible como el de la parte central, y además a partir de ese momento hay un parón y el montaje de las diferentes situaciones lo único que hace es perjudicar al seguimiento de lo que está haciendo la protagonista. Su interpretación es uno de los aspectos más destacables, y sabe expresar su dolor sin hacerlo de manera exagerada, y hace que nos creamos su sufrimiento. El resto de personajes están supeditados a la actriz principal, pero tampoco lo hacen mal, sobre todo el padre y el profesor de música, y todos tienen su rol. En el último tercio llega la gran explosión, que no me esperaba según estaba evolucionando la historia, y es mejor no conocer lo que sucede en la parte final. 

 
Todo funciona como una maquinaria, y para ello la cámara está colocada en el lugar adecuado para mostrar tensión, y sobre todo el sonido y la banda sonora recuerdan a los de alguna superproducción de Hollywood. Estoy seguro que ha sido muy complicado preparar la película, teniendo en cuenta todo el despliegue que se tiene que hacer, sin disponer de un gran presupuesto. Con una duración cercana a las dos horas, pero que no se hacen largas, salvo es parón en la parte central. 


Disfrutarán los aficionados al cine europeo, y también deberían de pasarlo bien los que nunca ven una película húngara, pero sí las películas de acción hechas en Hollywood. Abstenerse los defensores de los animales, y que no quieren ver su sufrimiento en la gran pantalla, aunque al final ningún animal sufre y solamente sea una historia de ficción.

SPOILERS:
La niña tiene que convivir con la dificultad para poder seguir con su perro, hasta que llega el momento en que su padre lo abandona. Me parece curioso el impuesto que tiene que pagar los vecinos por tener un perro, y otras cosas como que los vecinos denuncien a la policía por la presencia de un perro. Una vez que Lili y Hagen se han separado la cámara sigue al animal, en su calvario, pasando por diferentes lugares y siempre como moneda de cambio para obtener algún beneficio. Lo último es que le entrenan para ser un perro de pelea ( en una escena en donde le pegan mientras que corre en una cinta como la que tienen los gimnasios para hacer ejercicio ). 


Al final el animal, al que le han rebautizado como Max, se vuelve agresivo y ataca a todo el que se pone en su camino. Durante ese tramo central no hay una buena conexión entre lo que hace el perro y la búsqueda de su mascota por parte de su antigua dueña. 
Una vez que está en la perrera se escapa, tras morder al vigilante, y detrás suyo todos los que se encuentran en el interior de ese centro. Desde este momento disfrutamos con una película de terror, con unos animales que causan el terror en las calles de Budapest, al igual que en otros personajes como King Kong o Godzilla. Hay mucha tensión que terminará con persecuciones, y en donde vemos la primera escena que se repite ( la niña montada en la bicicleta, y de repente aparece la manada de perros ). 





Su antiguo amigo no la acepta, y amenaza con atacarla, hasta que la chica saca su trompeta y toca el instrumento, de manera que consigue amansar a las fieras, como dice el refrán de " La música amansa a las fieras ". Un gran final, con una imagen aérea con la niña y el padre tumbados  en el suelo al igual que cientos de perros. Poco antes nos encontramos son la escena de mayor acción, y en donde los policías se ven obligados a tumbarse al lado de las trincheras, y los perros pasan por encima, como si fuera una carrera de caballos de obstáculos como el Grand National.


LO MEJOR: La banda sonora. El giro que da la historia en el tercio final.
LO PEOR: Un parón en la parte central. Desconectar durante bastante tiempo de lo que está haciendo uno de los personajes.

IMÁGENES DE HAGEN:












 
PREMIOS Y NOMINACIONES:

- 3 PREMIOS Y 6 NOMINACIONES, INCLUYENDO DOS PREMIOS EN EL FESTIVAL DE CANNES DE 2014.
 ( FUENTE: IMDB )

CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

José Antonio Alarcón en Séptimo Escenario  6,5 / 10

Gerard A. Cassadó en Fotogramas  3 / 5

Rubén Romero en Cinemanía  4 / 5

Xavi Sánchez Pons en Sensacine  3,5 / 5

Andrea Núñez-Torrón en El Antepenúltimo Mohicano  5 / 5

Gonzalo Hernández en El Antepenúltimo Mohicano  1,5 / 5

DeCine21  6 / 10 

Ricardo Fernández en El Café de Rick  7,5 / 10

José Cabello en Cine Divergente 

Daniel Krauze en El Financiero

Stephen Dalton en The Hollywood Reporter  3 / 5

Guy Lodge en Variety  5 / 5 

Peter Bradshaw en The Guardian  4 / 5 

Cath Clarke en Time Out London  4 / 5

Mike McCahill en The Telegraph  4 / 5 

Manohla Dargis en The New York Times

Jesse Cataldo en Slant Magazine  2,5 / 5

Farran Smith Nehme en New York Post  3,5 / 4

Damon Wise en Empire  4 / 5

Jessica Kiang en The Playlist  3,5 / 4

John Bleasdale en CineVue  2 / 5

Ben Nicholson en CineVue  4 / 5

Josh Slater Williams en Sound on Sight

Josh Kupecki en Austin Chronicle

Serge Kaganski en Le Monde  3 / 5 

Samuel Douhaire en Télérama  4 / 5

Nota IMDb:

White God (2014) on IMDb

Nota Filmaffinity: 6,5 / 10

ENTREVISTA AL DIRECTOR:
¿Quién es el DIOS BLANCO? ¿Qué significa el título? Quería que el perro simbolizara al eterno paria cuyo amo es su dios. Siempre me han interesado las características de Dios. ¿Dios es realmente blanco? ¿Cada persona tiene un dios propio? El hombre blanco ha demostrado una y otra vez que solo es capaz de gobernar y colonizar. Las dos palabras del título son contradictorias, por eso me parecieron fascinantes. 

Esta película difiere en muchos aspectos de sus anteriores obras, ¿qué le impulso a hacerla? Después de diez años haciendo películas, sentí que un periodo de mi vida como realizador había llegado a su fin. De hecho, Szelíd Teremtés - A Frankenstein Terv ( Dulce hijo - EL proyecto Frankenstein ) puso el cierre a ese capítulo. Digamos que había acabado con mi periodo “adolescente” de cineasta. Me interesaban pensamientos que requerían otra forma cinematográfica. Como resultado del masivo declive cultural actual, sentí el deseo apremiante de hablar a un público más amplio. Durante el transcurso de la escritura del guion y del rodaje, me enfrenté a varias preguntas. haber podido contestarlas sin repetirme me ha hecho feliz. Desde luego, aunque sea diferente, es una película de Kornél Mundruczó de principio a fin. 

¿La película es un reflejo del estado político actual en Hungría? 
La película no solo es una crítica de la hungría actual, sino de la hungría futura, donde una clase dirigente compuesta por muy pocas personas domina a la mayoría. pero ocurre lo mismo en toda Europa. un pequeño grupo formado por la élite se reserva el poder y, como si se tratara de un reality show, los políticos se convierten en auténticas estrellas a las que apoyamos o no. Me parecen tendencias muy peligrosas. Si no nos preocupamos, las masas se alzarán algún día. 

¿Cómo es el Budapest que quería mostrar? 
Sentí que debía alejarme del tópico de una melancólica Europa oriental postsoviética. Europa del Este existe en medio de un caos tremendo, de una mutabilidad, de una inestabilidad; planificar cara al futuro es imposible. Busqué espacios e imágenes que representasen esta idea. intenté crear una nueva Budapest expresando una relación actual con la historia de la ciudad. 

¿Cómo se le ocurrió usar perros para representar a los eternos parias? ¿Qué le inspiró? 
En el arte es sumamente difícil encontrar una forma de describir verdades atemporales de una forma nueva. pero conocer las novelas de j.M. Coetzee fue una experiencia reveladora. Su obra nos recuerda que debajo del paria más paria existe otra capa de seres inteligentes y racionales que también pueden ser explotados por los seres humanos: los animales. Empecé a preguntarme si no sería posible rodar una película con un perro. Me pareció difícil, pero me inspiró. también hacía tiempo que quería hacer una película con una chica joven como protagonista. En la película, una joven adolescente pierde la inocencia de la misma forma que los perros. Es una historia espejo entre la niña y los perros.

 ¿Cómo fue trabajar con los perros, y qué fue de ellos luego?  
Fue una experiencia terapéutica, como entrar en contacto con la madre naturaleza, incluso con un trozo del universo. Durante el rodaje, nos ajustamos a los perros, no los perros a nosotros. puede decirse que la película es un claro ejemplo de una singular cooperación entre dos especies. también fue maravilloso porque todos los perros salieron de refugios, y una vez acabado el rodaje conseguimos que todos fueran adoptados y tuvieran un hogar. 

¿Cómo se prepararon los actores para trabajar con los perros? ¿Qué pensaron los actores de la idea? 
No hubo ningún problema, pero es verdad que el rodaje no se desarrolló como siempre. Al trabajar con perros, nos ceñimos a las reglas del uS-Guide (Guía estadounidense para rodajes con animales). Cada escena debía ser un juego para los animales. En cierta medida, los perros se convirtieron en actores, y los actores en perros.


También cambió de coguionistas para esta película. ¿Se debe a que deseaba dar un tono diferente a la historia? 
Sí, pero hace tiempo que trabajo con ellos en el teatro. Kata Wéber y yo hemos creado varios melodramas sociales en los últimos años, lo que nos ayudó a aportar un nuevo contenido al guion. hace tiempo que viktória petrányi es mi coguionista y productora. trabajar en equipo siempre ha sido importante para mí. 

La película está construida a partir de elementos procedentes de géneros muy diversos. 
¿Hasta qué punto fue una decisión consciente mezclar el  melodrama, las películas de aventuras y de venganza? 
No fue tanto una mezcla, como una nueva forma de contar una historia. tengo la impresión de que estos géneros están presentes en la sociedad de nuestro mundo occidental en vías de desintegración. La vida de algunos son auténticas telenovelas y la de otros, thrillers. Se alternan en la vida diaria con la facilidad con que cambiamos de canal de televisión. Me gustó la idea de superponer varios géneros para servir mejor a un gran tema. 
¿Es posible infundir auténticas ideas dentro de un estereotipo? A veces, esas capas están tan cerca que se mezclan, pero solo puede unirlas una idea central. no debe ser nunca una parodia. 

Los movimientos de cámara también han cambiado con respecto a sus anteriores películas. ¿Se debe a que parte de los actores eran impredecibles? 
Los movimientos de cámara son parecidos en otras películas mías, pero en esta he trabajado con un director de fotografía muy joven, Marcell rév. Las imágenes no significan lo mismo para él que para las personas de mi generación. Además, queríamos contar este cuento con mucho realismo, pero nos dimos cuenta de que no solo dependía de nosotros. Debido al hecho de que los perros eran impredecibles, a menudo no sabíamos cómo iba a desarrollarse la escena. tuvimos que adaptarnos, casi como si rodásemos un documental sobre la naturaleza. también quiero añadir que no me interesa crear formas, me parece que es la mejor manera de llevar al creador a la muerte, un pensamiento nada estimulante. Mi forma de pensar hace que cada película adopte la forma que más le conviene.

¿Qué emociones le gustaría despertar en el espectador mientras ve la película? 

Al ser una película con una fuerte dosis moral, plantea una pregunta moral, y el espectador debe llegar a una conclusión moral. pero para mí, lo más importante es que el público se emocione viéndola. 

¿Por qué escogió la pieza “rapsodia húngara”, de Franz liszt, como uno de los principales motivos musicales de la película? 
tom y jerry son una referencia en el mundo entero. también es una música pegadiza. Al ser tan conocida, la obra carece de connotaciones. he buscado una pieza que pudiera ser emblemática de hungría y también de algo pasado. El director de orquesta, desesperado, dirige a la orquesta de jóvenes, y a esta imagen se yuxtapone la de los perros enfurecidos. La misma furia que desprende la autenticidad de la rapsodia. Además, me conmovió profundamente la imagen de una joven tocando la trompeta y que, como en los cuentos de hadas, comprende a los animales. zsófia psotta interpreta a ese personaje con asombroso convencimiento y talento. 

Ha rodado con un equipo y un reparto muy joven. ¿Fue una decisión consciente? 
En muchos aspectos, desde luego. pero también se debió a que casi nadie de mi generación estaba disponible. La idea de la película me vino de golpe y todo el mundo estaba metido en otros proyectos cuando me puse en contacto con ellos. he cambiado mucho estos últimos años y me apetecía el riesgo que representaba esta película. Fue un reto incluso para los más experimentados adiestradores de perros y para gran parte del equipo técnico. nadie había rodado antes una película con 250 perros.

Después de interpretar un papel principal en Szelíd teremtés - a Frankenstein-terv (Dulce hijo – el proyecto Frankenstein), también interpreta un papel en esta película. ¿tiene pensado actuar en todas sus películas a partir de ahora? 
no lo tenía pensado. Fue un desafortunado accidente, pero no me arrepiento. El actor que debía encarnar al Afgano tuvo un impedimento de última hora y no encontré a nadie para sustituirle. Me gusta actuar, pero prefiero hacerlo en las películas de otros. 

¿Tiene algún otro proyecto? 
para mí, esta película significa el principio de un periodo de cineasta adulto, pero quiero seguir contando cuentos de hadas. La atmósfera de Europa del Este es importante, porque el alma de Europa oriental sigue siendo la misma, pero todo ha cambiado a su alrededor. Creo que mi trabajo es relatar lo que ocurre. 

Los últimos 40 minutos de la película muestran imágenes nunca vistas. 
Son los momentos en que las masas se levantan. Simbolizan el miedo actual de Europa: el alzamiento de las masas. no se equivocan al tener miedo. Busqué imágenes icónicas para mostrarlo, para dejar clara la dirección en la que vamos cuando rehusamos colocarnos en el lugar de otra especie, del adversario, de una minoría. Quería enseñar su punto de vista. El arte nunca debe dejar de ser crítico. Debe alzar un espejo ante la sociedad.
( FUENTE: GOLEM DISTRIBUCIÓN )

TRAILER:



THE FOOL ( 2014 )

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EL TERCER LARGOMETRAJE DIRIGIDO POR YURI BYKOV ES UNA CRÍTICA SOBRE LA CORRUPCIÓN EN RUSIA, Y LA LUCHA DE UN FONTANERO POR MANTENER SUS PRINCIPIOS

PRODUCCIÓN: RUSIA ( 2014 )
DIRECCIÓN: Yuri Bykov
INTÉRPRETES: Artyom Bystrov, Natalia Surkova, Dmitry Kulichkov, Ilya Isaev, Maxim Pinsker, Lyubov Rudenko, Irina Nizina, Gordey Kobzev, Petr Barancheev, Yury Tsurilo, Boris Nevzorov
GÉNERO: Drama
DURACIÓN: 116 minutos

SINOPSIS:
Premio al Mejor Actor en el último Festival de Locarno, " The Fool " sigue la valiente estela de "Leviatán" con otra demoledora crítica socio-política que de forma retorcidamente metafórica ' dedica ' a Rusia. 
Dima Nikitin, es un sencillo y honesto padre de familia que trabaja como fontanero para pagarse los costes de la universidad. Un hombre aparentemente “ normal ” que decide seguir a su propia conciencia, a su propia sed de integridad, a pesar de las dificultades y la corrupción de un mundo actualmente a la deriva.

CRÍTICA:
La tercera película dirigida por Yuriy Bykov es una de las mejores historias dramáticas de lo que llevamos de siglo, y junto a la también rusa "Leviatán ( 2014 )" el mejor retrato de la situación del país, y que se puede extrapolar a otros lugares. Desde la primera escena no hay respiro, y el excelente guión no deja ningún cabo suelto, pese a tener muchos personajes. Una historia muy dura, en el intento en solitario de luchar contra el poder establecido, por parte de un fontanero que observa un problema grave en un edificio, y que decide lanzarse a la piscina sabiendo que se estaba metiendo en un terreno peligroso, y que podía hacer peligrar su vida y la de su familia. Esas largas conversaciones, en donde el ciudadano modelo Dima Nikitin ( Artyom Bystrov ) siempre está presente, son un prodigio de puesta en escena y de profundidad en los diálogos. 


Hay frases míticas, que son difíciles de olvidar, y el padre de familia tiene que escuchar los reproches de su mujer y sus padres, y de esos poderosos que ven como un simple ciudadano les puede derribar ese castillo de naipes. Un reflejo de la corrupción por parte de la alcaldesa y todo el séquito de corruptos que la acompañan, y que intentan salvar su trasero, así como evitar las posibles responsabilidades. Los que lo pasan mal y no soportan los dramas intensos ( pensando que tiene haber alguna esperanza, y para eso uno va a ver una película ), mejor ni intenten verla, porque en esta propuesta no hay situaciones dulcificadas ni momentos de humor ( en todo caso " reír por no llorar ", ante lo que estamos viendo ).
Para que todo funcione como un reloj es necesario un buen guión, y en este caso es perfecto, pese a la complejidad de lo planteado, y que los intérpretes están a la altura de estos diálogos.


Un gran reparto, en donde destaca el protagonista, un desconocido que se llevó el premio por su actuación en el festival de Locarno de 2014, pero el elenco de secundarios no tiene nada que envidiar a los de " El padrino ", por poner el ejemplo de una cinta conocida. Las breves apariciones de la mujer y la madre de Dima son dignas de premios a intérpretes de reparto, y nos creemos su sufrimiento, al igual que el que está viviendo en otra escala la alcaldesa, que ve interrumpida la fiesta de su 50 cumpleaños por la aparición de ese " señor tan pesado ", y que parece quiere tocar las narices. En vez de buscar las soluciones para la posible catástrofe se dedican a ver cual es su mejor salida, y todo pensando en ellos mismos, y se echan en cara el " y tú más ". Todos están pringados en la corrupción, empezando por el jefe de policías, y continuando por el de vivienda o el de bomberos.


Todo sucede casi a tiempo real, que es otro de los aciertos, ya que no es nada fácil concentrar tanta historia en poco más de 24 horas. Pero hay muchas sorpresas, ya que en el camino que ha recorrido el fontanero, que está en segundo de carrera de arquitectura, no pensaba que iba a tener tanta oposición, sobre todo de la gente a la que está ayudando. Hay mucha diferencia entre los poderosos con sus opulencias y esos ciudadanos que viven en la extrema pobreza en un edificio a punto de derrumbarse. Estos últimos son adictos a las drogas y el alcohol, lo que les sirve para olvidarse de esa vida de miseria, y cualquier cosa que les saque de esa rutina de destrucción no será bienvenida, ya que se han acomodado a ese tipo de vida.  




En la historia hay mucho de cine mafioso, porque en el fondo esos gobernantes actúan como unos gángsters, y ponen en marcha todo su poder para deshacerse del que pueda delatarles o hacerles que tengan que abandonar el poder.
Esas escenas tan cercanas al cine negro están muy bien dosificadas, y colocadas en el momento justo, con una gran puesta en escena, y sin quedar ninguna arista. Además hay que agradecer que lo que está sucediendo es fácil de comprender, y no nos queda nada sin resolver. 
La fotografía tan opresiva, durante esos diálogos y en las escenas en el interior del edificio, es otra de las responsables del éxito final del proyecto. La historia transcurre por la noche y en unas calles cubiertas de nieve. Un gran montaje, y un final impresionante que no me esperaba. 


Ideal para hacer un programa doble con "Leviatán ( 2014 )", ya que ambas son el retrato perfecto de la corrupción actual. La diferencia es que esta última no es tan incisiva, pero tiene bastante humor. 
Recomendable a los aficionados a los dramas europeos, y a los que disfrutan con las propuestas que retratan la situación política actual, y la corrupción.

SPOILERS:
El ciudadano observa la grieta en el edificio, y debido a sus conocimientos de arquitectura decide plantarse en la fiesta en donde está la alcaldesa, celebrando su 50 cumpleaños, ya que trabaja como fontanero para la comisión de vivienda. Antes había sufrido las reprimendas de su madre y su esposa, y ambas sufren y lloran por no entender que sea tozudo y quiera evitar el derrumbamiento del edificio. Se encuentra con la sorpresa de que la alcaldesa le escucha y decide trasladarse a otra sala para reflexionar, pero nada más lejos de la realidad ya que estaba viendo la mejor salida para ella misma, pensando de manera egoísta, y lo mismo sucede con todos los que trabajan con ella en el ayuntamiento. 
 
  
La alcaldesa Niny Galaganovoy manda visitar el edificio, acompañando a Dima, y allí nos encontramos con una situación surrealista, en donde vemos la manera tan infrahumana en la que viven esos vecinos, en donde hay drogadictos y mujeres maltratados, o niños fumando en los pasillos y jóvenes que suben al ático para tener sexo. Eso contrasta con los dos funcionarios de vivienda que van bien vestidos y con corbata, además de estar ebrios por haber bebido en la fiesta. Al regresar cuentan el estado del edificio, y la alcaldesa decide actuar, pero en una reunión en corrillos, a las afueras del lugar en donde se celebraba la fiesta, ha planeado acabar con el protagonista, el arquitecto y el encargado del servicio de bomberos. 
 

La gobernante los mandan otra vez al edificio, pero es una trampa, y realmente les llevan a un lugar aislado y rodeado de nieve, para terminar con su vida, con la suerte ( quizás el único punto negativo de la película, que no le maten ) de que el jefe del protagonista ( el arquitecto Fedorov ) roga que no maten al fontanero, y le dejan ir, pero con la obligación de que tiene que abandonar la ciudad con su familia. Una vez que ha convencido a su mujer ( tras una discusión con la esposa y con su madre ) se ponen en marcha para abandonar la ciudad, pero otra gran sorpresa es que decide desviarse y pasar por delante del edificio, y al ver que nadie había acudido a desalojarlo se mete para tocar a la puerta de los vecinos para que salgan a la calle. 


Una vez que todos están en el exterior del edificio se produce una jauría humana que se abalanza sobre el pobre ciudadano que intentaba salvarles, y terminan por pegarle una paliza, de manera que al final vemos una imagen aérea con Dima muerto ( o herido grave ) en el suelo, y los vecinos volviendo a entrar en el interior del edificio. Un final poco convencional, arriesgado, duro y que seguramente no guste a mucha gente, pero que a mí me ha dejado impactado y es probable que pasen años en que se me olvide esta pequeña joya, que de momento es lo mejor que he podido ver en 2015.


LO MEJOR: El guión. El reparto, destacando la actuación de Artyom Bystrov. El montaje.
LO PEOR: No tenga todavía distribución en España.
 
PREMIOS Y NOMINACIONES:
 ( FUENTE: IMDB )
 
CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

Alberto Sáez en El Antepenúltimo Mohicano  5 / 5 

Boyd Van Hoeij en The Hollywood Reporter

Peter Debruge en Variety

Drew Hunt en Slant Magazine  3 / 4

Nota IMDb:

Durak (2014) on IMDb

Nota Filmaffinity: 7,5 / 10

TRAILER:

 
 

UNOS DÍAS PARA RECORDAR ( 2014 )

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EL VETERANO JEAN BECKER DIRIGE UNA COMEDIA QUE SE DESARROLLA EN UN HOSPITAL, Y PROTAGONIZADA POR GÉRARD LANVIV

PRODUCCIÓN: FRANCIA ( 2014 )
DIRECCIÓN: Jean Becker
INTÉRPRETES: Gérard Lanvin, Fred Testot, Jean-Pierre Darroussin, Swann Arlaud, Daniel Guichard, Anne-Sophie Lapix, Claudia Tagbo, Philippe Rebbot, Mona Jabeur
GÉNERO: Comedia
DISTRIBUIDORA: A Contracorriente Films
DURACIÓN: 81 minutos

SINOPSIS:

Después de caerse al río Sena, Pierre debe pasar cuatro semanas de convalecencia forzosa en el hospital. Allí no para de recibir, a todas horas, las visitas de amigos, familiares, otros pacientes y personal médico.... Atrapado en su cama con tiempo para reflexionar, se da cuenta que su convalecencia le brindará la oportunidad de empezar una nueva vida.
 ( FUENTE: A CONTRACORRIENTE FILMS )
 ( FUENTE CARTEL: A CONTRACORRIENTE FILMS )
 
CRÍTICA:
Jean Becker, el hijo del gran director clásico Jacques Becker sigue trabajando a sus 81 años, y aunque nunca ha llegado al talento de su padre al menos tuvo unas películas decentes a lo largo de su carrera. Pero lleva unos años bastante perdido, y aunque siempre se ha hecho un cine bastante cercano a los espectadores, en otra época ha sabido mezclar calidad y fácil acceso al público. En este caso ha realizado una propuesta bastante clásico, con algunas ideas destacadas, pero que no consigue hacer reír teniendo en cuenta que es una comedia. Nos volvemos a encontrar otra película francesa más, cuya historia se desarrolla en un hospital, al igual que "Hipócrates ( 2014 )".



Con un magnífico comienzo, de un plano secuencia que recorre las orillas del Sena, hasta que se produce la caída de Pierre Laurent ( Gérard Lanvin ) al río. A partir de aquí casi todo sucede en el interior del hospital, con un guión muy teatral, en donde el gran protagonista es Lanvin y en por esa habitación van circulando diferentes personajes. El gran problema no es el guión, sino la mala elección del actor que encabeza el reparto. Gérard Lanvin no tiene carisma y no funciona en una historia cómica, y hay otros intérpretes que están mucho mejor, y que en algún caso aparecen muy poco tiempo. Su personaje también es aburrido, y da se puede sacar poco jugo a su vida y la relación con el resto de gente, y este sí es un problema del guión. 


Las apariciones de Claudia Tagbo ( la enfermera Myriam ), y de la niña que quiere coger prestado el ordenador de Pierre para poderse conectar al facebook, son mucho más empáticas con los espectadores, y en el caso de la primera hay una buena actuación. La historia es sencilla, con pocos giros, y algunas sorpresas no esperadas, y que va de menos a más, terminando de manera aceptable. Pese a no tener situaciones cómicas tampoco es aburrida, y en su última hora consigue mantener la atención por esos personajes que van entrando y saliendo de la habitación. 
Amable y que afortunadamente no busca un giro hacia el drama, y que la historia del gato y del chapero que le ha salvado de la muerte ahogado, son unos alicientes para que aprobemos esta cinta tan sencilla y que tampoco pretende nada más, a diferencia de su anterior película "Mi encuentro con Marilou ( 2012 )", que gustó a parte de la crítica, y en donde sí que había un giro que estropeaba la historia inicial.

 
Recomendable a los aficionados al cine francés, y sobre todo a los que quieran ver una película amable y sencilla, y en donde hay varias situaciones que les pueden hacer sonreír. En los títulos de crédito finales hay un homenaje al cine clásico, con unos títulos que recuerdan al cine romántico francés.

SPOILERS:
Las escenas más divertidas son los masajes que le dan al protagonista, y cuando Pierre se acuerda de lo sucedido y que la causa es que se le había escapado su gato, y el vehículo al evitar atropellar al animal arrolla al protagonista, que cae al Sena. Ese visionado de lo sucedido es divertida. 
En la parte final entra en juego el chapero, al que el protagonista termina dando un trabajo en su casa, para ayudarle cuando salga del hospital. Cuando llega a casa el protagonista se encuentra con el gato que ha vuelto, y se encuentra en la puerta de su casa.
La niña que necesita el ordenador aparece con un bebé, y nos enteramos que el niño es suyo, y es una chica muy alegre y que se toma la vida con filosofía. Este personaje también me gusta.


LO MEJOR: Las apariciones de Claudia Tagbo. El plano secuencia inicial recorriendo el Sena.
LO PEOR: Tiene pocas situaciones cómicas. La actuación de Gérard Lanvin.

CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

Guillemette Odicino en Télérama  1,5 / 5

Nota IMDb:

Get Well Soon (2014) on IMDb

Nota Filmaffinity: 5,8 / 10

ENTREVISTA DEL DIRECTOR:

¿Qué es lo que le atrajo de la novela de Marie-Sabine Roger, de la que ya había adaptado “Mis tardes con Marguerite”, hasta el punto de querer llevarla a la pantalla?

Marie-Sabine tiene el don de crear personajes de enorme humanidad. Lo que me gustaba, esta vez, era su manera de tratar el mundo hospitalario en clave de comedia, con ligereza y no con esa tristeza que produce la enfermedad. Pero quizá, "Unos días para recordar" ha sido un poco más difícil de adaptar que “Mis tardes con Margueritte”. Lo hemos conseguido alejándonos, probablemente, un poco del texto, pero hemos tratado de mantener ese tono de comedia de esta obra que se desarrolla en un ambiente cerrado aunque incluye también algunos flash-back. Como rayos de luz que ayudan a entender la vida del personaje protagonista.


¿Cómo ha sido el trabajo de adaptación del libro? ¿Qué elementos ha reforzado o aligerado?
Ya había mucho material existente, aunque sólo sea porque, en la novela, Marie-Sabine había optado por narrar la historia y describirla con una voz en off. Le pedí que escribiera diálogos y que visualizara las escenas, que le diera vida a todo para hacerlo cinematográfico. Luego, Jean Loup Dabadie, con ese talento natural que posee, aportó ese tono crujiente y gráfico a los diálogos.

¿De qué trata la historia?
Trata de un hombre que está en el hospital contra su voluntad porque un coche le ha atropellado y le ha tirado al Sena, accidente del que no recuerda nada. Poco a poco, se van sucediendo ciertos encuentros que le van a cambiar la vida. En primer lugar, los miembros del personal - auxiliares, médicos, enfermeras, - luego las visitas y, por último, los personajes variopintos que pueblan el hospital. Lo que más me gustó fue, precisamente, esta pluralidad de personajes que gravitan alrededor del papel de Pierre que Gérard Lanvin interpreta con fuerza y maestría. Es, al mismo tiempo, la víctima y un personaje muy divertido. 

¿Por qué se le ocurrió ofrecerle el papel a Gérard Lanvin? ¿No podríamos pensar que es un papel escrito para él, que se le parece?
Quería un actor viril, fuerte, al que no le cuelan ni una. Y, al mismo tiempo, quería que se descubriera rápidamente en su interior una cierta fragilidad. Un cascarrabias con un buen corazón escondido en el fondo de su ser, que fuera capaz de evolucionar gracias al contacto con los demás, que fuera dejando brotar sus emociones. Por este motivo elegí a Gérard para el papel de Pierre, porque, como lo conozco desde hace mucho, sé que es así en la vida real. Estuvimos a punto de trabajar juntos en “La fortuna de vivir” hace unos quince años. 
 
¿Y durante estos quince años, nunca ha perdido la esperanza de trabajar con él?
No, claro, sobre todo teniendo en cuenta que nuestra amistad se remonta más allá, porque Gérard tuvo la amabilidad de venir a ayudarnos a dar las réplicas en los ensayos de “Verano asesino”, hace treinta años.  Siempre he querido trabajar con él, he seguido de cerca su carrera. Estaba esperando el papel ideal para ofrecérselo. Si se hubiera negado me hubiera quedado un poco descolocado.

¿Y esta primera colaboración ha estado a la altura de lo esperado?
Realmente me ha encantado ver al actor, que me ha embobado y engatusado, pero también ver la percepción que tenía del personaje, al que ha ido nutriendo con sus propias reflexiones y al que ha dado una gran profundidad. Ha añadido detalles que yo no me había ni imaginado, tanto en el registro de la comedia - muy presente en la película -, como en el drama. Aparece en la película como casi nunca le hemos visto. Fuerte y frágil a la vez, ¡fantástico!

¿En qué se parecen ustedes dos, cinematográfica y personalmente?
Lo que nos gusta en las películas son las relaciones humanas. Gérard, en la vida real, es una persona honesta, y yo también creo que lo soy en las decisiones que tomo. No trato de sorprender a nadie sino de contar historias a la gente. Somos cuentacuentos, hedonistas. Como decía Jean Cosmos: nos encanta la buena vida.

¿La relación que le une con Gérard Lanvin es la misma que le unía a Jean Paul Belmondo o a Jacques Villeret?
Sí, y podría meter en el mismo saco a Albert Dupontel, Jean Pierre Darroussin, Daniel Auteuil … Son relaciones que se fundan en la amistad. No concibo la confección de una película si no es así. Esta relación puede ser más o menos profunda, pero necesito de esa amistad, de esa confianza, para avanzar.
Tenemos las mismas aspiraciones, las mismas ganas de trabajar cuando toca y de reírnos también cuando toca, de pasar juntos veladas memorables. Puedo considerarlos mis amigos.



¿El personaje interpretado por Gérard Lanvin tiene, al principio, un pequeño problema con los jóvenes, las mujeres y los homosexuales? ¿Podemos pensar que es un poco retrógrado?
Yo no diría retrógrado. Es un tipo normal. Todos tenemos, creo, bloqueos, todos podemos ser víctimas de ideas preconcebidas. El posicionamiento con respecto a la homosexualidad, por ejemplo, ha empezado a cambiar hace muy poco. El de mi personaje protagonista también se va modificando a lo largo de la película. Al principio, se defiende y luego se enfada consigo mismo, y es así como va abriéndose a los demás.

A este personaje, que tiene sesenta años bien cumplidos, la vida le ha dado muchos golpes. ¿La idea de que podemos cambiar a cualquier edad, independientemente de lo que hayamos vivido, también le parecía un tema atractivo?

Sí, por razones personales. Seguramente se acuerda de esa hermosa película de Claude Berri “El viejo y el niño”. Uno de mis abuelos era exactamente como el personaje interpretador por Michel Simon: antibolchevique, homófobo, racista, antisemita. Poco a poco, porque le quería mucho, conseguí que fuera cambiando de opinión. Nunca me lo dijo, pero se dio cuenta de que estaba equivocado.


¿Qué es lo que le gustaba de Claudia Tagbo y de Fred Testot, que interpretan a una enfermera y a un inspector de policía? ¿Cómo dio con ellos?
Había visto a Claudia en sus one woman shows y me hacía mucha gracia. No le pedí que hiciera un número cómico en la película, sino que interpretara a un personaje muy amable, agradable y sensible. Es una magnífica actriz. En cuanto a Fred, sigo su carrera desde hace mucho tiempo. Los sketches del SAV en Canal+, que hacía con Omar Sy, siempre me divirtieron mucho. Es un poco como Claudia, empleado aquí un poco a contrapelo - en un papel que no se ajusta a su físico ni a su carácter -, pero creo que le va muy bien.

¿Por qué  Anne Sophie Lapix, una periodista? ¿Y el cantante Daniel Guichard?
Siempre es divertido e interesante trabajar con tipos de fuerte personalidad, como son ambos. Y aquí, lo que ha primado es la idea del papel contra natura, a contrapelo, improbable, en todo caso, en un empleo distinto al que tienen en su vida real. Anne-Sophie siempre se encuentra muy cómoda, es increíblemente cinegénica. En cuanto a Daniel, es un animal de escena, no podía estar mal.

¿Por qué eligió a Jean Pierre Darroussin para el personaje del Hermano, tan poco parecido al personaje protagonista? 
Jean Pierre, con el que ya había trabajado en “Conversaciones con mi jardinero”, es un actor que me encanta y que tiene tantas facetas… divertido, amable, tierno. Las tres escenas en las que nos ha hecho el honor de aparecer son muy importantes en la película. Mi padre solía decir: no hay papeles protagonistas y secundarios, sólo hay personajes de los que te acuerdas o de los que no te acuerdas. Lo que Jean Pierre aporta a la película ilustra perfectamente estas palabras. En este hospital, que sirve de telón de fondo a la película, esas personas a las que llamamos "las eminencias"– esos intelectuales en el ámbito académico - no salen muy bien paradas…

No dudo de su nivel de estudios y de sus competencias, son profesionales super preparados, que salvan vidas. Pero quería hablar de ciertas actitudes. Me las he visto, dos o tres veces, con gente que, permítame la expresión, se lo tiene muy creído. Por tanto, sí, tenía una pequeña cuenta que ajustar con ellos. Sin acritud.


¿Qué mensaje quería transmitir con la película?
Que siempre hay que desconfiar de los prejuicios. La gente a la que vamos conociendo, muy distinta toda ella, pueden irnos transformando profundamente. 
 ( FUENTE: A CONTRACORRIENTE FILMS )
 

TRAILER:



AHORA O NUNCA ( 2015 )

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MARÍA RIPOLL DIRIGE A DANI ROVIRA, MARÍA VALVERDE Y CLARA LAGO EN ESTA COMEDIA ROMÁNTICA CUYA ACCIÓN SUCEDE EN ÁMSTERDAM Y LONDRES

PRODUCCIÓN: ESPAÑA ( 2015 )
DIRECCIÓN: María Ripoll
INTÉRPRETES: Dani Rovira, María Valverde, Clara Lago, Alicia Rubio, Marcel Borràs, Jordi Sánchez, Víctor Sevilla, Yolanda Ramos, Gracia Olayo, Melody, Carlos Cuevas, Joaquín Núñez, Anna Gras
GÉNERO: Comedia
DISTRIBUIDORA: Sony Pictures 
DURACIÓN: 91 minutos

SINOPSIS:
Eva y Alex son una pareja que, tras años de noviazgo, decide casarse en el lugar en el que se enamoraron, un pequeño pueblecito de la campiña inglesa, pero una huelga de controladores impide que el novio y los invitados se reúnan con la novia y su séquito.
 ( FUENTE: SONY PICTURES )
 ( FUENTE CARTEL: SONY PICTURES )

CRÍTICA:
María Ripoll lleva muchos años trabajando en el mundo del cine, tanto en la dirección como en la creación de guiones y la enseñanza en una escuela de cine. Su ópera prima " Lluvia en los zapatos ( 1998 ) " tenía situaciones divertidas, pese a sus defectos, y su anterior cinta "Rastros de Sándalo ( 2014 )" tenía una buena primera mitad. Su nuevo proyecto es una comedia, cuyo guión no ha sido escrito por ella, y que su único objetivo es recaudar dinero y no hacer una comedia de calidad o destacada, y para ello utiliza una fórmula que funciona, y es la participación de los dos intérpretes de moda en el cine español: Dani Rovira y Clara Lago. 


Tras el éxito de "Ocho apellidos vascos ( 2014 )", tanto de público como de premios, cosa que nunca entendí, me hice la promesa de no volver a ver este tipo de cine y de momento lo había cumplido hasta que he cometido el error de ver esta comedia de limitada calidad. La cinta dirigida por Emilio Martínez Lázaro al menos tenía dos escenas divertidas, y la presencia de Karra Elejalde, además de una gran banda sonora. Pero en este caso no hay nada que podamos destacar, y es una historia aburrida y llena de tópicos, y se agradece que Clara Lago haya dado un paso atrás para ser una de las secundarias, ya que la única que se salva del reparto es María Valverde, que es la protagonista y al menos mantiene el tono, sin necesidad de sobreactuaciones como sus acompañantes en las escenas londinenses. 

 
Yolanda Ramos, que ha demostrado ser una buena actriz en otras cintas como " Carmina y amén ( 2014 ) ", en este caso tiene un personaje desagradable y mal interpretado. El guión carece de originalidad, e incluso emplea chistes que podemos escuchar en la calle . Es probable que la gente se ría con la simple presencia del señor Rovira, que tiene la suerte de haber caído en gracia al público español, pero este tipo de excesos y tics nerviosos terminarán por aburrir cuando llegue otro más joven que ocupe su lugar. Igual lo hacía bien en el club de la comedia, asunto sobre el que no puedo opinar por no ser seguidor de ese programa de monólogos, pero como actor cinematográfico no lo es. 



Todo transcurre entre Londres y Ámsterdam, ya que en la primera ciudad se encuentra el grupo femenino y en el segundo el masculino, ya que estos últimos tienen las comunicaciones cortadas y no pueden acceder a la capital británica. Tampoco hay unas buenas imágenes en las dos ciudades en donde se desarrolla ha historia, y la fotografía es bastante convencional. Al menos tiene un corto metraje, ya que esta historia tampoco da para mucho más. Lo mejor son algunas canciones que nos animan, sobre todo en la parte final.
Recomendable a los incondicionales de Rovira y de la comedia española actual.

SPOILERS:
La nube volcánica es el motivo por el que no pueden llegar el novio y los padrinos hasta Inglaterra, y se ven obligados a ir a Ámsterdam. Allí se produce la pérdida de una maleta, y las situaciones absurdas que tienen que vivir para recuperarla. Por otro lado el grupo femenino, encabezado por la novia pasan una noche de fiesta en la capital británica, y a partir de aquí sufren un chantaje para que no cuente que se ha acostado con un señor. Terminan metidas en el barro en una carrera para obtener dinero, aunque el premio no era el esperado. Todo termina con una escena ridícula en el aeropuerto. Ni siquiera tiene gracia la caída del protagonista al  agua en los canales de la ciudad holandesa.


LO MEJOR: Alguna canción.
LO PEOR: Aburrida para ser una comedia. El reparto. El guión.


CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

José Antonio Alarcón en Séptimo Escenario  2 / 10

Rafael Nieto en Cinema Nostrum  1 / 5

Jesús Martín en Acción Cine  3 / 5

Elisabet Pereira en Críticas en 8mm  7 / 10

Nota Filmaffinity: 4,2 / 10


TRAILER:




UNA SEGUNDA MADRE ( 2015 )

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CINTA BRASILEÑA SOBRE LAS DIFERENCIAS DE CLASES EN SAO PAULO. LA HISTORIA DE VAL, INTERPRETADA POR REGINA CASÉ, QUE LLEVA 10 AÑOS TRABAJANDO PARA UNA FAMILIA RICA

PRODUCCIÓN: BRASIL ( 2015 )
DIRECCIÓN: Anna Muylaert
INTÉRPRETES: Regina Casé, Camila Márdila, Karine Teles, Lourenço Mutarelli, Michel Joelsas, Helena Albergaria, Antonio Abujamra
GÉNERO: Drama
DISTRIBUIDORA: Caramel Films
DURACIÓN: 110 minutos

SINOPSIS:
Val es una interna que se toma su trabajo muy en serio. Sirve a un adinerado matrimonio de Sao Paulo día y noche y cuida a su hijo adolescente, al que ha criado desde su infancia. El orden de este hogar parece inquebrantable, hasta que un día llega desde su ciudad de origen la inteligente y ambiciosa hija de Val, Jessica. La presencia de la joven pone en peligro el balance de poder en la casa. Esta nueva situación pondrá en tela de juicio las lealtades de Val y la obligará a valorar lo que está dispuesta a perder. 
 ( FUENTE: CARAMEL FILMS )
 ( FUENTE CARTEL: CARAMEL FILMS ) 

CRÍTICA:
El cine brasileño está volviendo a resurgir en los últimos años, y sus películas están presentes en los festivales de todo el mundo. Un claro ejemplo es "El lobo detrás de la puerta ( 2013 )", cuya calidad fue tenida en cuenta por el jurado de Donosti, y que pudimos ver el año pasado. " Una segunda madre " está destinada a ser un gran éxito, por ser de fácil comprensión y tener unas situaciones bastante divertidas. En 2015 ya se ha llevado un premio en los festivales de Berlín y Sundance.
 

Durante el primer tercio nos encontramos con las escenas más divertidas, y en todas está presente la gran protagonista Regina Casé. La veterana actriz brasileña hace que Val ( la empleada del hogar de una familia rica de Sao Paulo ) sea un personaje entrañable, sincero y divertido. Es un auténtico terremoto que trae por la calle de la amargura a la mujer de la casa. Bárbara ( Karine Teles ) es egoísta, celosa y prepotente, y trata muy mal a la gente a la que considera inferior. Todos los personajes están muy bien presentados, y me quedo con esa relación de amistad sincera entre la criada y Fabinho ( Michel Joelsas) al que lleva cuidando durante los últimos 10 años que es el tiempo que lleva sirviendo en esa casa. Toda esa primera mitad me recordó al humor de "La jaula de dorada ( 2013 )", en donde se ponía de manifiesto las diferencias entre unas familias ricas y los empleados más pobres ( en este caso es una familia portuguesa que vive en París ). 

 
Nos encontramos con situaciones divertidas tanto en los diálogos como en los silencios, y la protagonista cede ante todas las exigencias de su jefa. Pero Val tiene un pasado y al terminar el primer tercio se introduce un personaje que dará un giro al tono, ya que poco a poco se transforma en una historia más dramática. En la parte final es cuando todo se complica y aparecen dos asuntos que no están muy bien desarrollados. Me quedo con la primera hora y media y con algún detalle del final, pero creo que la historia se alarga de manera innecesaria y sobran esos dos temas que están colocados con calzador. La actuación de Regina Casé es muy destacada, y sin ella la propuesta no sería lo mismo. El resto del reparto cumplen con su papel y tampoco lo hacen mal, pero el problema es que el personaje de Val es divertido y que conectará con los espectadores.


La fotografía es digna de mención, con algunos planos fijos y nunca busca unas imágenes complejas, como sucede en algunas películas iberoamericanas.
Recomendable a casi todos los espectadores, excepto a los que solamente disfrutan con el cine de acción o terror. La primera media hora es una comedia y luego una historia más dramática.

SPOILERS:
Está muy bien contada la diferencia de clases, en donde la criada no puede sentarse en la mesa de los dueños de la casa, y tiene que vivir en una habitación pequeña en el sótano, además de no poder meterse en la piscina. Me gusta la liberación de Val, cuando se mete en la piscina y se marcha a vivir con su hija.
Las dos situaciones que sobran, y que están metidas con calzador son " la relación entre Carlos (  Lourenço Mutarelli, el padre de la familia ) y Jéssica ( Camila Márdila ) " y sobre todo la foto que localiza Val y que corresponde a su nieto ( el hijo de Jéssica ) ".


LO MEJOR: La interpretación de Regina Casé. La amistad y el cariño entre Val y Fabinho.
LO PEOR: El tercio final. Varias situaciones que no están bien desarrolladas.


PREMIOS Y NOMINACIONES:

- 4 PREMIOS Y 2 NOMINACIONES, INCLUYENDO UN PREMIO EN BERLÍN Y OTRO EN SUNDANCE 2015.
 ( FUENTE: IMDB )

CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

Boyd Van Hoeij en The Hollywood Reporter  4 / 5

Geoff Berkshire en Variety  4 / 5

Lcuy Popescu en CineVue  5 / 5

Nota IMDb:

The Second Mother (2015) on IMDb


ENTREVISTA CON LA DIRECTORA:
¿A quién se le permite acceder al salón? ¿Quién no debe salir de la cocina? ¿Quién está autorizado a abrir la puerta de la nevera? ¿Quién no debería tocar el helado? ¿Quién puede sentarse en la mesa del comedor? ¿Quién no puede acercarse a la piscina? ¿Quién puede abrazar a los niños? ¿A quién no se puede llamar madre? 
UNA SEGUNDA MADRE es una película sobre las normas sociales que imperan en Brasil desde la época colonial y que siguen conformando la arquitectura emocional del país hasta el día de hoy.

¿Cuál fue el punto de partida de UNA SEGUNDA MADRE?
Empecé a escribir el guión hace 20 años cuando tuve mi primer hijo y comprendí lo maravilloso que era criar a un niño. Pero también me di cuenta del escaso valor que le da la cultura brasileña a esa tarea. En mi círculo social no sueles ocuparte de tu hijo sino que contratas a una niñera porque se considera que es una carga pesada y aburrida. Pero lo cierto es que muchas niñeras se ven obligadas a dejar a sus propios hijos al cuidado de otros para encajar en ese esquema. 
Esta paradoja social me pareció una de las más impactantes de Brasil porque los niños son los que siempre salen perdiendo, tanto los de los señores como los de las niñeras. Se produce un problema muy importante en la piedra angular de nuestra sociedad: la crianza de los hijos. ¿Pueden crecer sin cariño? ¿Se puede comprar el cariño? Y en caso afirmativo, ¿a qué precio?

 ¿Cuáles son las características fundamentales de la película?
Se puede decir que UNA SEGUNDA MADRE es una película de contenido social, pero también es algo más. No trata de juzgar ni de ensalzar a los personajes y sus actos, sino que aspira a mostrar la cruda realidad.
La estructura dramática es sobria, casi matemática. Empieza describiendo las rutinas y las normas que rigen las relaciones sociales y afectivas de una familia de clase alta de São Paulo.
Una vez hecho eso, la atención se centra en Jessica, la hija de la niñera, que irrumpe en la paz doméstica sin conocer las normas de la casa. Y termina cruzando algunas líneas e invadiendo espacios que le están vedados.
Por supuesto, la expulsan de esos espacios que han estado siempre fuera de su alcance. La " ponen en su sitio ", pero lo cierto es que ese " sitio " ya no existe.



¿Cómo discurrió el proceso creativo?

La película ha tardado 20 años en ver la luz. Empezó con un guión llamado " La puerta de la cocina ", y el argumento abordaba sobre todo la relación entre señores y niñera con un estilo próximo al realismo mágico. Cinco años después decidí hacer algo más realista.
Hice que la hija de la niñera viniera a São Paulo para compartir el destino de su madre: abandonar su mundo para aceptar un trabajo mal pagado. Pero quise inyectar cierta esperanza en el personaje. Mientras trabajaba en esos cambios para que la película no se deslizase hacia un final feliz falso, Brasil eligió a un presidente del Partido de los Trabajadores y las cosas empezaron a cambiar. Se reformaron las leyes laborales y se erradicó casi todo el trabajo doméstico interno.
En 2013, cuando iba a empezar el rodaje de la película, me senté y reescribí el guión para que reflejara los cambios y los debates que se habían producido. En vez de retratar a la hija de la niñera como sumisa y desgraciada, como mandan los clichés, la doté de una personalidad muy marcada; la hice lo bastante noble y fuerte como para enfrentarse a esas normas sociales segregadoras que remontaban a un pasado colonial. 


¿De qué manera se identifica la película con el Brasil del pasado y el Brasil de hoy? 
La película aborda dos generaciones de mujeres de origen humilde, ambas nacidas en el noreste de Brasil. Val, la protagonista, es una empleada doméstica que respeta las antiguas normas y las costumbres segregadoras. Acepta que la traten "como a una ciudadana de segunda clase", como dije su hija. Por su parte, su hija Jessica, a pesar de su origen humilde, tiene un gran curiosidad y mucha fuerza de voluntad, y exige sus derechos de ciudadana. Como ella dice: “No me considero ni mejor ni peor que cualquier otra persona”. 
 ( FUENTE: CARAMEL FILMS )
 
TRAILER:



NO ONE´S CHILD ( 2014 )

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LA ÓPERA PRIMA DE VUK RSUMOVIC ES UN DRAMA BASADO EN UN HECHO REAL. LA HISTORIA DE UN NIÑO SALVAJE ENCONTRADO EN LOS BOSQUES DE BOSNIA EN 1988

PRODUCCIÓN: SERBIA ( 2014)
DIRECCIÓN: Vuk Rsumovic
INTÉRPRETES: Denis Muric, Pavle Cemerikic, Zinaida Dedakin, Branka Selic, Milos Timotijevic
GÉNERO: Drama
DURACIÓN: 95 minutos

SINOPSIS:
La primavera de 1988 un niño salvaje es encontrado en la profundidad de las montañas bosnias, mientras vivía con los animales. Llamado Haris, le envían a un orfanato en Belgrado. Tras unas infructuosas lecciones, se hace amigo de Zika, un chico carismático, que le protege de los abusones. Poco a poco, empieza a pronunciar sus primeras palabras. Si bien empieza como otra historia de niños salvajes y pigmallion, con Truffaut como referente, el film crece a medida que lo hace su metáfora con la historia de Yugoslavia y de todo el continente. Llevando las grandes preguntas hacia otro prisma: qué nos hace humanos, qué nos hace bestias, el contraste entre naturaleza y civilización. En ese punto ya estaremos enganchados a la suerte de este chico perdido, tan perdido como Europa parece estar. Esta historia de superación, de adaptación al medio, y las grietas que provoca la historia con mayúsculas sedujo a público y crítica en el Festival de Venecia, iniciando una exitosa carrera en los festivales.
 ( FUENTE: FILMIN )
 ( FUENTE CARTEL: FILMAFFINITY )
 ( FUENTE IMÁGENES: IMDB )

CRÍTICA:
El cine serbio tiene poca distribución en nuestro país, y de momento no ha llegado a nuestros cines la ópera prima de Vuk Rsumovic, que he tenido la suerte de ver al formar parte de la Sección Atlas de la V edición del Atlántida Film Fest. Ganadora de premios en Venecia, incluyendo el premio del público, es una propuesta impactante en su parte inicial, aunque en el arranque tiene similitudes con la cinta de Truffaut " El pequeño salvaje ( 1970 ) " y con otra más actual "La historia de Marie Heurtin ( 2014 )". Basada en un hecho real que sucedió en Bosnia en 1988, con la aparición de un niño salvaje, que encontraron unos cazadores en la selva cercana a Travnik, y que fue trasladado al orfanato de Belgrado. Salvaje y sin comunicarse con nadie va transcurriendo esa primera media hora, en donde hay pocos diálogos, y unas escenas de calidad que nos muestran las dificultades de los cuidadores y de otros niños para controlar a esa bestia. Pero a partir de una situación parece que todo va evolucionando, y ya empieza a relacionarse con otras personas, principalmente con el único chico que no se ríe de él, y que le ayuda a integrarse en la sociedad. 
 

La amistad entre Haris o Pucke como le llaman los compañeros del orfanato ( Denis Muric ) y Zika ( Pavle Cemerikic ) es muy interesante, y vemos la evolución del joven, que poco a poco se sienta a la mesa a comer y sale al patio sin armar ningún estropicio. Hay que entender a todas las partes, pero la cinta refleja que los responsables del centro no tuvieron mucha paciencia con este menor, y dieron su caso como imposible teniendo que acogerlo por obligación. Pero esa dureza inicial que se mantenía, pese a estar viviendo momentos más felices vuelve a torcerse y hay un giro, a partir del cual la película pierde calidad ( entendiendo que es una historia real, y que sucedió así, pero ya no me interesa el rumbo actual de la propuesta ). Empieza a ser una película convencional, en donde ya casi no hay escenas atractivas, y llega al tercio final en donde vuelve a aumentar el interés. 

 
El final sí me gusta, y de él podemos sacar conclusiones sobre el comportamiento del ser humano, teniendo en cuenta la situación en ese momento del país que estaba inmerso en una guerra interna. Un buen guión, salvo algunas situaciones en su parte central, y una fotografía que ayuda a crear esa atmósfera de tensión en esa parte inicial, en donde el niño salvaje se mueve de un lado a otro rápidamente y se esconde el resto de seres humanos.
Recomendable a los aficionados a los dramas europeos, teniendo en cuenta que en la primera mitad hay alguna escena dura.

SPOILERS:
Hay mucho realismo en la parte inicial, en donde Pucke vive de manera diferente a los otros chicos del orfanato, y come con la comida en el suelo ( fuera del plato ), y se niega a relacionarse con otras personas. La amistad con Zika es lo que hace que se integre en la sociedad, e incluso se escapen a la ciudad para disfrutar de la noche en Belgrado junto a una chica. Pero su amigo abandona el centro escolar, y se queda ora vez solo, y en una de esas mofas del resto de alumnos consigue hablar. A partir de aquí hay un parón, y todo se vuelve rutinario. 
Tampoco me gusta el suicidio de Zika, que había regresado al orfanato por el abandono de su padre, y menos el momento en que una carta dice que los bosnios le reclaman ( en el momento en que estaban en guerra ).
 

Al final termina combatiendo, y ante tanta barbarie se escapa y vuelve a la selva, a lo mejor para vivir como en su infancia, teniendo en cuenta todo el sufrimiento que ha visto al convivir con otros seres humanos ( la última imagen de un lobo que se le acerca y no le hace nada indica que su mejor amigo es ese animal, y no las personas que se ha encontrado por el camino ). Me gustaría saber si ese final de la historia es real, o no sucedió exactamante así. 


LO MEJOR: La presentación de los personajes. Las actuaciones de Denis Muric y Pavle Cemerikic.
LO PEOR: La parte central. Termina siendo una historia convencional y ya vista anteriormente.


PREMIOS Y NOMINACIONES:

- 6 PREMIOS Y 1 NOMINACIÓN, INCLUYENDO 3 PREMIOS EN EL FESTIVAL DE VENECIA DE 2014.
 ( FUENTE: IMDB )
 
CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

Nota IMDb:

No One's Child (2014) on IMDb

Nota Filmaffinity: 7,3 / 10

TRAILER:




STILL ( 2014 )

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LA ÓPERA PRIMA DE SIMON BLAKE ES UN THRILLER PSICOLÓGICO QUE SE DESARROLLA EN LONDRES. AIDAN GILLEN ES EL PROTAGONISTA

PRODUCCIÓN: REINO UNIDO ( 2014 )
DIRECCIÓN: Simon Blake
INTÉRPRETES: Aidan Gillen, Jonathan Slinger, Elodie Yung, Amanda Mealing, Sonny Green, Kate Ashfield, Joseph Duffy, Caroline Ford, Sam Hazeldine, Pedro Caxade, Eddie Bagayawa, Hannah Blamires
GÉNERO: Thriller
DURACIÓN: 97 minutos

SINOPSIS:
Situada en el norte de Londres, " Still " es un devastador y atmosférico thriller sobre la turbia y violenta desintegración de un hombre y un padre, brutalmente encarnado por un gran Aidan Gillen ( Juego de Tronos ). 
Tom Carver se encamina a una encrucijada en su vida. Intentando superar la muerte de su hijo adolescente en un accidente automovilístico, pronto se ve involucrado en una disputa con una banda criminal adolescente tras tropezarse con uno de los chicos.  
 ( FUENTE: FILMIN )
 ( FUENTE CARTEL: FILMAFFINITY ) 

CRÍTICA:
La ópera prima en la dirección de largometrajes del británico Simon Blake es un thriller psicológico, con una atmósfera de tensión y suspense creada en la ciudad de Londres. Para ello ha seleccionado al irlandés Aidan Gillen, famoso por su papel en la serie " Juego de tronos " y que también ha trabajado en la serie " The wire ( 2002-2008 ) " y en películas como "Calvary ( 2014 )"  para interpretar a Carver, un fotógrafo que sufre por la muerte de un ser querido, y que se ve sumido en una vida nocturna de alcohol y drogas. En la historia hay varios crímenes sin resolver, y a los cuales la policía no les hace mucho caso, y aparecen en escena unos personajes que crean terror y que en algún momento descolocan al espectador. Entre medias aparecen varias mujeres, y se introduce una situación dramática que está conectada con el suspense. 


En el fondo no hay mucho interés en saber quien es el culpable, sino por una descripción de los personajes, sus miedos y la manera diferente de afrontar la realidad. Un gran reparto encabezado por Gillen, pero en donde todos cumplen su rol, tanto su amigo Ed interpretado por Jonathan Slinger como los dos personajes femeninos. También quiero destacar a los adolescentes, en concreto Joseph Duffy ( Jimmy ) y Sonny Green ( Carl ). 
Pero lo que más llama la atención en la propuesta es su atmósfera enigmática, gracias a esa fotografía nocturna de la ciudad de Londres, y en donde la cámara juega con la luz artificial y con algunos recursos como el desenfoque para mostrarnos el efecto del alcohol o las drogas, o la visión reducido cuando estamos detrás de una máscara. Ese clima creado alrededor de Carver va acompañado de una música que recuerda a las películas de David Lynch. Sin llegar a la complejidad argumental del cine del director de " Terciopelo azul ( 1986 ) ", la trama está bien cerrada, y aunque casi todo es previsible hay alguna sorpresa inesperada. 



Hay varias cosas que no están muy claras, y puede ser que me haya perdido algún detalle o bien que se deje como un asunto abierto para el debate de los espectadores.
Recomendable a los aficionados al cine de suspense, rodado a ritmo lento y con una atmósfera nocturna.
 
SPOILERS:
El protagonista está decidido a encontrar al asesino del hermano de Jimmy, ya que le recuerda a la muerte de su hijo también de 15 años. Todo ello le acarrea consecuencias ya que le pegan, violan a su novia y le dejan un gato muerto y lleno de sangre en la puerta. Por fin captura a Carl, uno de los 3 sospechosos, y le somete a torturas en su casa obligándole a confesar. Resulta que era amigo de su hijo y explica como sucedió el accidente por el que murió Stephe. Ya es demasiado tarde porque le ha inyectado una sobredosis de droga, y es probable que el adolescente muera. Una gran escena durante las torturas al chico.
Hay dos cosas que me descolocan, y son el motivo por el que Ed corre hasta la casa de Carver, justo cuando se encuentra con Rachel y un amigo de la ex-novia del protagonista. Tampoco comprendo la razón por la que esos 3 niños, entre ellos Carl, están detrás de todos las situaciones conflictivas teniendo en cuenta que eran amigos del hijo del protagonista.

  
LO MEJOR: La atmósfera de tensión creada por la fotografía nocturna en la ciudad de Londres. El reparto.
LO PEOR: Algunas subtramas no están bien desarrolladas. 
El protagonista desaprovecha la compañía de esas mujeres tan guapas por estar metido en un mundo de alcohol y drogas.
 
PREMIOS Y NOMINACIONES:
CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

Ben Nicholson en CineVue  2 / 5

Liam Dum en Sound on Sight

Nota IMDb:

Still (2014) on IMDb


TRAILER:


 
 

LEJOS DEL MUNDANAL RUIDO ( 2015 )

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THOMAS VINTERBERG DIRIGE LA NUEVA ADAPTACIÓN DE LA OBRA DE THOMAS HARDY. CAREY MULLIGAN Y MATHIAS SCHOENAERTS SON LOS PROTAGONISTAS

PRODUCCIÓN: REINO UNIDO ( 2015 )
DIRECCIÓN: Thomas Vinterberg
INTÉRPRETES: Carey Mulligan, Matthias Schoenaerts, Michael Sheen, Tom Sturridge, Juno Temple, Jessica Barden, Hilton McRae, Richard Dixon, Bradley Hall, Jamie Lee-Hill, Eloise Oliver
GÉNERO: Romántica
DISTRIBUIDORA: Twentieth Century Fox
DURACIÓN: 119 minutos

SINOPSIS:
Basada en la clásica novela original de Thomas Hardy, LEJOS DEL MUNDANAL RUIDO narra la historia de la independiente, bella y testaruda Bathsheba Everdene ( Carey Mulligan ), la cual enamora a tres pretendientes muy distintos: Gabriel Oak (Matthias Schoenaerts), un ganadero dedicado a la cría de ovejas, cautivado por su atrayente terquedad; Frank Troy ( Tom Sturridge ), un apuesto y  temerario sargento; y William Boldwood ( Michael Sheen ), un soltero rico y maduro. El inmortal relato de las pasiones y los dilemas de Bathsheba examina la naturaleza de las relaciones y el amor, así como la facultad humana de superar las dificultades por medio de la capacidad de recuperación y la perseverancia.
 ( FUENTE: TWENTIETH CENTURY FOX )
 ( FUENTE CARTEL: SENSACINE )

CRÍTICA:
Thomas Vinterberg fue uno de los iniciadores del movimiento Dogma, que nos ha regalado algunas grandes películas como " Celebración ( 1998 ) " ( del propio Vinterberg ) y " Los idiotas ( 1998 ) " de Lars von Trier. Pero el cine del director danés ha tenido altibajos, teniendo una trilogía interesante: " Celebración-Submarino y La caza " y otras no tanto. Después de una larga carrera trabajando en su país se ha animado a dirigir en una producción británica, adaptando la novela de Thomas Hardy. 
Se nota la mano del director danés en muchos aspectos positivos, pero por motivos que desconozco no consigue cerrar la historia de manera correcta. La parte inicial y la final están mal desarrolladas y la central muy alargada. 


Una buena dirección de actores, ya que en general están bastante bien, y además ha conseguido que Matthias Schoenaerts exprese algo ( cosa que no había mostrado en sus anteriores trabajos ), y mostrar el talento de Carey Mulligan y Michael Sheen. Otro de los problemas es que el personaje de William Boldwood ( Michael Sheen ) queda muy olvidado, y se le podía haber dado más importancia y menos al de Francis Troy ( Tom Sturridge ). También podemos destacar su puesta en escena, y sobre todo la fotografía que, al igual que en "La caza ( 2012 )", ha sabido conjugar sus conocimientos de cine de autor ( manteniendo la cámara cercana a los rostros de los personajes en los diálogos intensos ) con otra fotografía más convencional y clásica cuando es necesaria. Juega muy bien con la luz natural, y el contraste de luces y sombras, pero también con la artificial como la reflejada por una vela. 


Unos escenarios que reflejan como era la época, y sin necesidad de excederse en unos decorados artificiales. La banda sonora es poco llamativa, pero va apareciendo poco a poco en la parte final, incluso con unos sonidos asiáticos en una escena. Hay una canción en una cena, que canta Carey Mulligan, y que ha sido doblada al verla en versión no original, con lo que no puedo opinar de esa escena, pero la actriz ya había demostrado saber cantar, como en " Shame ( 2011 ) ". Los vestidos son perfectos para la época, sobre todo los que lleva la protagonista.
Una pena que una película con tantas cosas positivas sea tan densa y aburrida en la hora central, y cuando me volví a enganchar a la historia es cuando se precipita en la parte final, quedando cosas mal resueltas.


Recomendable a los aficionados al cine de época, y a los que les gusta la obra original. Desconozco si en la novela están mejor explicados algunos asuntos mal resueltos en la película.

SPOILERS:
En la parte final hay dos asuntos que se abordan de manera rápida y que no están bien terminados. Me refiero a la entrada en la cárcel de William Boldwood y la supuesta muerte ahogado de Francis Troy ( aunque luego aparece vivo ). Me gusta la escena final con los dos protagonistas mirándose, y en un diálogo con la cámara cercana a sus rostros.


LO MEJOR: El vestuario. La fotografía.
LO PEOR: El final un poco precipitado. El montaje.



CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

José Antonio Alarcón en Séptimo Escenario  7 / 10 

Joan Boter en Faces on the Box  2 / 5

Beatriz Martínez en Fotogramas  3 / 5

Irene Crespo en Cinemanía  3 / 5

Suso Aira en Sensacine  3 / 5

Jesús Villaverde en Esencia Cine  5 / 10

Diego Salgado en Guía del Ocio  2 / 5 

Alberto Sáez en El Antepenúltimo Mohicano  4 / 5

Jesús Martín en Acción Cine  4 / 5

Francisco Marinero en Metrópoli  2 / 5

David Cabello en Críticas en 8mm  6,5 / 10

DeCine21  6 / 10

Javier J Valencia en El Pájaro Burlón

Carlos de Villalvilla en Cinema365  7,5 / 10

Jordi Costa en El País  3,5 / 5

Javier Ocaña en El País

Salvador Llopart en La Vanguardia  3 / 5

Todd McCarthy en The Hollywood Reporter  3,5 / 5

Scott Foundas en Variety  3,5 / 5

Peter Bradshaw en The Guardian  3 / 5

David Ehrlich en Time Out London  4 / 5

A. O. Scott en New York Times

Peter Travers en Rolling Stone  3 / 4

Jesse Cataldo en Slant Magazine  2,5 / 4

Claudia Puig en Usa Today  4 / 4

Alonso Duralde en The Wrap

Angie Errigo en Empire  4 / 5 

Chris Nashawaty en Entertainment Weekly

Stephanie Merry en The Washington Post  3 / 4

Graham Fuller en New York Daily News  5 / 5

Stephanie Zacharek en Village Voice  2,5 / 5

Antony Lane en The New Yorker  3 / 5

Allie Gemmill en CineVue  4 / 5

Thirza Wakefield en Sound on Sight

Nota IMDb:

Far from the Madding Crowd (2015) on IMDb

Nota Filmaffinity: 6,6 / 10


TRAILER:




EL NIÑO 44 ( 2015 )

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DANIEL ESPINOSA DIRIGE A TOM HARDY Y NOOMI RAPACE EN LA ADAPTACIÓN DE LA NOVELA DE TOM ROB SMITH

PRODUCCIÓN: ESTADOS UNIDOS ( 2015 )
DIRECCIÓN: Daniel Espinosa
INTÉRPRETES: Tom Hardy, Gary Oldman, Noomi Rapace, Joel Kinnaman, Jason Clarke, Vincent Cassel, Paddy Considine, Dev Patel, Josef Altin, Nikolaj Lie Kaas, Sam Spruell
GÉNERO: Thriller
DISTRIBUIDORA: Eone Films
DURACIÓN: 137 minutos

SINOPSIS:
En la Rusia comunista, Leo Demidov ( Hardy ) es un guardia de seguridad y antiguo héroe de guerra que cree fervientemente en Stalin. Pero cuando investiga una serie de asesinatos de niños, el país lo releva de su cargo y lo aparta de la investigación para preservar la ilusión de una sociedad utópica libre de crimen. Demidov luchará entonces por encontrar la verdad tras estos asesinatos y la auténtica razón por la que el gobierno rehúsa reconocerlos. Por su parte su esposa ( Rapace ) es la única que permanece a su lado, aunque quizá ella oculta también sus propios secretos.
 ( FUENTE. FILMAFFINITY )
 ( FUENTE CARTEL: SENSACINE ) 
 ( FUENTE IMÁGENES: IMDB )

CRÍTICA:
El director sueco Daniel Espinosa dirige su quinto largometraje, el segundo en Hollywood. Con un guión de Richard Price que adapta la popular novela de Tom Rob Smith. Con un reparto lleno de rostros conocidos, ya sea por su trayectoria cinematográfica o por sus papeles televisivos. El gran protagonista es Tom Hardy, que vuelve a demostrar que lo hace bien en todos los papeles, ya sea en las escenas dramáticas o románticas o las de mayor acción. Sigo pensando que sería el actor perfecto para interpretar a James Bond, y sería un premio para su carrera a sus 34 años. 

 
El resto del reparto tienen unos papeles secundarios, y lo hacen bastante bien. Confía en sus compatriotas Noomi Rapacey Joel Kinnaman. Ambos están más intensos de lo habitual, y en el caso del actor conocido por la serie " The Killing " hace de un malvado y egoísta ruso, que trabajó al servicio de Leo Demidov, y que hace todo lo posible por deshacerse del protagonista. En el caso de la actriz, conocida por interpretar a Lisbeth Salander en la trilogía " Millennium ", tiene una gran escena dramática, que además es fundamental para el desarrollo de la historia. El elenco de secundarios se completa con Gary Oldman, Paddy Considine, Vincent Cassel y Jason Clarke. 

 
La historia toca distintos asuntos, pero con unos denominadores comunes " la desconfianza ", " las ganas de poder " y " la envidia ". No te puedes fiar ni siquiera de la persona con la que convives a nivel personal o profesional, porque pueden tener un pasado oculto y que te estén poniendo la zancadilla. Todo eso lo podemos ver en la primera mitad, cuando van apareciendo personajes que no sabemos cual es su modus operandi. Una vez que se produce el giro principal todo se concentra en una investigación vacía y con un final predecible. Me interesan mucho más las relaciones de los personajes, y algunas situaciones dramáticas, que la búsqueda de un asesino. Desconozco como está tratado en la novela, pero la puesta en escena de la película es mucho peor en la segunda mitad. 


Otro problema es la fotografía, que se pone de manifiesto en la primera escena de guerra. No funciona en las escenas de acción, y tampoco en las más emotivas o de tensión dentro de un lugar cerrado. La parte final está  muy alargada, y se llega a un final convencional.
Si funciona es por el reparto que transforma una propuesta plana y aburrida en una comida mucho más fácil de digerir.
Recomendable a los que leyeron la novela, y a los que disfrutan con el cine de tramas de suspense que transcurren en la Rusia de postguerra.

SPOILERS:
Una vez que los protagonistas abandonan Moscú la película es cuando pierde el interés de la primera mitad. Leo continúa la búsqueda del asesino de los niños, y su recorrido le lleva a la fábrica, en donde tiene lugar la mejor escena de la parte final.


LO MEJOR: El reparto, y en especial la gran actuación de Tom Hardy. Las relaciones entre los personajes, y sus dramas personales.
LO PEOR: La fotografía. El tratamiento del asunto principal, en la segunda mitad.


CRÍTICAS EN BLOGS Y MEDIOS ESPECIALIZADOS:

Sergio F. Pinilla en Cinemanía  4 / 5

Suso Aira en Sensacine  3 / 5

Roberto Piorno en Guía del Ocio  2 / 5

Alberto Sáez en El Antepenúltimo Mohicano  2 / 5 

Daniel López en Videodromo

DeCine21  6 / 10

Carlos de Villalvilla en Cinema365  7 / 10

Carlos Boyero en El País  2,5 / 5

Jordi Batlle en La Vanguardia  1 / 5

Horacio Bilbao en Diario Clarín 

Diego Batlle en Diario la Nación

Lucero Calderón en Diario Excélsior

Jordan Mintzer en The Hollywood Reporter  2,5 / 5 

Peter debruge en Variety  2 / 5

Peter Bradshaw en The Guardian  2 / 5

Tom Huddleston en Time Out London  1 / 5

A. O. Scott en New York Times  2,5 / 5

Claudia Puig en Usa Today  2,5 / 4 

Ali Plumb en Empire  2 / 5 

James Rocchi en The Wrap  1,5 / 5

Ed Gonzalez en Slant Magazine  1 / 4

Kyle Smith en New York Post  2,5 / 5

Chris Nashawaty en Entertainment Weekly  2 / 5

Joe Neumaier en New York Daily News  2 / 5 

Drew McWeeny en Hitfix  1,5 / 4

Vadim Rizov en The Dissolve  2 / 5

Steven Rea en Philadelphia Inquirer  1,5 / 5

Marjorie Baumgarten en Austin Chronicle 

Nota IMDb:

Child 44 (2015) on IMDb

Nota Filmaffinity: 5,6 / 10


TRAILER:




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