FILM DREAMS

EL AMOR EN MEDIO DEL CONFLICTO BÉLICO

PAÍSES: Estados Unidos-España ( 2016 )
DIRECCIÓN: Terry George
LUGAR Y FECHA DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 20 de Diciembre de 1952, Belfast ( Irlanda del Norte )
INTÉRPRETES: Christian Bale, Oscar Isaac, Charlotte Le Bon, James Cromwell, Jean Reno, Shohreh Aghdashloo, Angela Sarafyan, Numan Acar, Marwan Kenzari, Igal Naor, Jean Claude Ricquebourg, André Marques, Lino M. Gomes, João Sirgado
GUIONISTAS: Terry George, Robin Swicord
FOTOGRAFÍA: Javier Aguirresarobe
MÚSICA: Gabriel Yared
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Wonderful Films, Survival Pictures, Babieka
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Eone Films
DURACIÓN: 134 minutos
PREMIOS:1 premio en Heartland Film awards 2017

SINOPSIS:
1914. A medida que se avecina la Gran Guerra, el poderoso Imperio Otomano se desmorona. A Constantinopla, antaño vibrante y multicultural, llega Michael Boghosian ( Oscar Isaac ), decidido a convertirse en médico para ejercer en su pequeño pueblo en el sur de Turquía, donde musulmanes turcos y cristianos armenios han vivido en paz durante siglos. Cuando Michael conoce a Ana ( Charlotte Le Bon ), una artista de origen armenio que acompaña al periodista norteamericano Chris Myers ( Christian Bale ), su vida dará un vuelco. Pero cuando los turcos forman una alianza con Alemania y el Imperio se revuelve violentamente contra sus propias minorías étnicas, la pasión deberá dejar paso a la supervivencia. En tiempos de guerra se hacen promesas… y se rompen promesas.
( Fuente sinopsis: One Films )
( Fuente cartel e imágenes: Sensacine )
( Fuentes información de la película: Filmaffinity, Sensacine, IMDb )

CRÍTICA:
El director y guionista norirlandés Terry George dirige su sexto largometraje, en una carrera cinematográfica bastante corta hasta la fecha pese a tener 64 años. Su primer trabajo fue como coguionista junto a su amigo Jim Sheridan en la excelente " En el nombre del padre ( 1993 ) " por cuyo trabajo fue nominada al premio Óscar en 1994 por la adaptación de la autobiografía del miembro del IRA Gerry Conlon, publicada en 1990 con el título " Inocencia probada ", cuyo personaje interpreta Daniel Day Lewis en la cinta dirigida por Jim Sheridan. Ese fue su primera presencia en la gala de los Óscar y no se pudo llevar la estaquilla al perder el premio ante el guión de " La lista de Schindler ( 1993 ) ". Posteriormente estuvo nominado otras dos veces más, en 2005 por el guión original de la que probablemente es su mejor película como director, " Hotel Rwanda ( 2004 ) ", y de nuevo volvió a morder el polvo en este caso ante el complejo guión, del que soy un detractor, escrito por Charlie Kaufman para "¡ Olvídate de mí ! ( 2004 ) " dirigida por Michel Gondry. Pero no hay dos sin tres y por fin pudo llevarse a Irlanda del Norte el premio de la academia de Hollywood en este caso por el corto de ficción " The Shore ( 2011 ) " que fue el ganador en su categoría en la gala celebrada en 2012. Su debut en el mundo de la dirección llegó con la película " En el nombre del hijo ( 1996 ) ", la segunda parte de la trilogía irlandesa con participación de Jim Sheridan sobre el conflicto del IRA ( la tercera es " The boxer " ), y en este caso Sheridan devuelve el favor a su amigo dejándole dirigir la película partiendo de un texto escrito por ellos mismos.

No es la primera historia dirigida por George sobre un conflicto bélico teniendo en cuenta que ya había recreado la guerra civil en Ruanda, el conflicto del IRA y la guerra de Vietnam ( en la Tv-movie de la HBO " Mentiras de guerra ( 1998 ) " ). Con esta película se adentra en el genocidio armenio durante 8 años en las primeras décadas del siglo XX por parte del imperio Otomano que provocó más de 1 millón de muertos. El asunto no ha sido tratado muchas veces a lo largo de la historia del cine, aunque en los últimos años se han estrenado al menos dos películas sobre ese conflicto, "El padre ( 2014 )" de Fatih Akin y "Una historia de locos ( 2015 )" de Robert Guédiguian, ambas irregulares lo mismo que " La promesa ".
La propuesta no es una película de guerra o acción, sino que nos quiere mostrar la dureza y el sin sentido de un conflicto bélico mediante la historia de Michael Boghosian que se traslada a Constantinopla, actual ciudad de Estambul, para cumplir su sueño y poder estudiar medicina, abandonando a su familia y a la localidad natal cercana a la frontera con Armenia. Al poco tiempo de llegar a la gran ciudad del imperio Otomano se encuentra en medio del conflicto.
La película se presentó el pasado mes de Septiembre en el festival de Toronto en una proyección especial, y en ese momento no fue muy bien acogida por parte de la crítica asistente al festival canadiense.

El triángulo amoroso entre el protagonista, la artista armenia Ana y el periodista norteamericano Chris Myers, terminará siendo uno de los temas centrales de la película, y el que lastrará el que hasta ese momento era el asunto más importante: las luchas en Constantinopla.
La película tiene un par de escenas de una gran calidad técnica, la primera en el interior de un tren por la noche y la segunda en una batalla marítima, y ambas tienen unos buenos efectos visuales y un sonido adecuado a las escenas en el campo de batalla. Hay que tener en cuenta que es una coproducción de Estados Unidos y España, financiado en su mayor parte por el dinero de el millonario norteamericano de origen armenio, Kirk Kirkoryan, que estaba empeñado en producir un proyecto sobre el conflicto que afectó a su familia, pero no pudo verlo terminar ya que falleció un año antes del estreno de la película a los 97 años de edad. Aunque la acción se desarrolla en Turquía ha sido rodada en otros países ( España, Portugal, Malta y Nueva York ). En concreto en nuestro país la producción estuvo rodando en las Islas Canarias, Murcia, Toledo, Madrid, Almería y Teruel.
Hay una gran recreación de la época que es uno de los grandes aciertos de la película y cuyo diseño de producción es del español Benjamín Fernández, un habitual en las superproducciones de Alejandro Amenábar.
La fotografía del español Javier Aguirresarobe sabe sacar partido de esos lugares de gran belleza y es el otro aspecto positivo de la cinta, junto a la actuación de Oscar Isaac. Por contra la banda sonora compuesta por Gabriel Yared es monótona y no es el mejor trabajo del músico libanés.

Las más de dos horas de duración se hacen pesadas y falta algo de emoción, tanto en la historia de amor como en las conversaciones sobre el conflicto. Uno de los motivos por los que el proyecto se mantiene a flote, además de por su elevada calidad artística, es por la gran interpretación de Oscar Isaac. El actor nacido en Guatemala vuelve a demostrar que es un gran intérprete en papeles muy diferentes, y en este caso consigue que el público empatice con su personaje haciéndolo creíble y con un cambio de registro pasando de la alegría a la tristeza de manera natural. No me convence tanto el papel de la actriz canadiense Charlotte Le Bon cuyo rostro no expresa lo suficiente y que está forzada en las escenas más dramáticas.
En el caso de Christian Bale su personaje está supeditado al de los dos protagonistas y en sus pocas apariciones no está bien, haciendo uno de los peores trabajos de su carrera de casi 30 años, desde su debut con 13 años en " El imperio del sol ( 1987 ) ", otra historia con trasfondo bélico y dirigida por Steven Spielberg. La presencia española en el reparto es bastante amplia, con la presencia de Daniel Giménez Cacho, y con breves apariciones de Abel Folk, Alicia Borrachero, Julián Villagrán, Nacho Aldeguer, Simón Andreu y Luis Callejo.
A destacar la canción que da título a la película compuesta por Chris Cornell, el cantante y guitarrista fallecido hace unas semanas y que conocido por su etapa en el grupo Soundgarden.

LO MEJOR: La recreación de la época.

LO PEOR: La historia de amor resulta aburrida y corta el ritmo de las escenas más dramáticas.

TRAILER:

LA INDUSTRIA FARMACEÚTICA, LAS SETAS Y LAS ALUCINACIONES

PAÍSES: Alemania-Luxemburgo ( 2016 )
TÍTULO ORIGINAL: Die dunkle Seite des Mondes
DIRECCIÓN: Stephan Rick
LUGAR Y FECHA DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 15 de Octubre de 1974, Rosenheim ( Alemania )
INTÉRPRETES: Moritz Bleibtreu, Jürgen Prochnow, Nora von Waldstätten, André Hennicke, Nino Porzio, Doris Schretzmayer, Sabine Rossbach, Marco Lorenzini, Luc Feit, Yves Robert Schaaf, Ian T. Dickinson, Bartosch Lewandowski, Germain Wagner, Eugenie Anselin, Al Ginter, Timo Wagner
GUIONISTAS: Catharina Junk, David Marconi, Stephan Rick
BASADA EN: La novela homónima escrita por el suizo Martin Suter en el año 2000
FOTOGRAFÍA: Stefan Ciupek, Felix Cramer
MÚSICA: Gast Waltzing
GÉNERO: Thriller
PRODUCCIÓN: Port au Prince Film, Kultur Produktion, Iris Productions, Südwestrundfunk, ARD Degeto Film, Film 1, Arctic Pictures Limited, Lailaps Pictures
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Cada Films
DURACIÓN: 98 minutos
PREMIOS:6 nominaciones, incluyendo dos en el festival de Hamburgo de 2015

SINOPSIS:
" La cara oculta de la luna " cuenta la historia de Urs Blank ( Moritz Bleibtreu ), un brillante y calculador abogado que de repente se ve atormentado por el suicidio de un hombre de negocios al que arruinó hace tiempo. En su huida y búsqueda de nuevas experiencias, pierde el control de su vida y su lado más oscuro emerge... entonces comienza su confrontación con el diablo, encarnado en un feroz empresario farmacéutico ( Jürgen Prochnow ).

( Fuente sinopsis, cartel e imágenes: Cada Films )

( Fuentes información de la película: Filmaffinity, Cada Films, IMDb )

CRÍTICA:
El director y guionista alemán Stephan Rick, conocido en su país por sus trabajos en el mundo de la televisión, dirige su segundo largometraje 4 años después de su ópera prima " Unter Nachbarn " ( 2011 ) . La película es un thriller que plantea varios asuntos enigmáticos y al mismo tiempo critica a la industria farmacéutica, lo que se puede extrapolar a cualquier gran compañía cuyos comportamientos a veces son de dudosa ética. La cinta está basada en la novela homónima publicada en su país en el año 2000 y escrita por el novelista suizo Martin Suter.
El prólogo ya marca lo que va a ser la película con una escena en un frondoso bosque y con un disparo que terminará con la vida de un lobo, para cerrarla con un plano cenital del animal muerto entre los árboles. La figura de ese animal estará presente en varias escenas teniendo en cuenta la afición por la caza de Pius Ott, el dueño de una empresa farmacéutica, que guarda sus trofeos de caza en su mansión en el bosque.
Después de esa introducción la historia abandona el pinar para adentrarse durante su primer tercio y plantear ese intento de fusión por parte del dueño de la empresa farmacéutica que quiere formar una compañía más poderosa, pero que el trato no se llega a cerrar. Ese asunto de las corrupciones empresariales me resulta interesante, pero poco a poco se va diluyendo, para pasar a otra trama de estética mucho más oscura que se desarrolla en los alrededores de ese bosque.

Urs Blank es el protagonista y es el principal obstáculo para esa fusión de empresas, y harto de las presiones a las que es sometido y de la tensión diaria de vivir en la ciudad decide dar un giro a su vida y sumergirse en ese lugar tan enigmático en el que se encontrará con un grupo de gente que vive en cabañas en medio del bosque, y termina entablando amistad con Lucille. Las escenas de Urs junto a esa mujer y la convivencia con ese grupo de hippies que viven en paz y armonía con la naturaleza es lo más interesante de la película, pero desde el momento en que se produce la escena clave en la parte central de la película, en donde las setas alucinógenas tienen una gran importancia, la cinta se vuelve más compleja y se entra en unos terrenos del cine fantástico, derivando en unos cambios de personalidad y un enigma que el director resuelve de manera correcta, pero que hasta llegar a ese momento da muchas vueltas de manera innecesaria con un personaje a la deriva que recuerda al Bob de la serie " Twins Peaks " ahora que está tan de moda con el estreno de la tercera temporada.
La ambientación, la música que suena de manera constante y los elementos de suspense y fantasía me recordaron en muchos momentos a la película española "El guardián invisible ( 2017 )", y en ambos casos la manera de abordar los enigmas me alejaron de la película, pero entiendo que ambas son aptas para el gran público pudiendo funcionar en las multisalas si el reparto fuera más conocido. En la adaptación de la novela de Dolores Redondo los pastelitos típicos de esa región navarra tienen un papel importante en la trama y en esta película alemana lo tienen las setas supuestamente alucinógenas.

Me gusta la ambientación de la película, la elección del lugar en donde se desarrolla la historia ( no tengo claro si han sido rodadas en las montañas de Alemania o Suiza ), y las actuaciones de Moritz Bleibtreu y sobre todo Nora von Waldstätten. El actor alemán es popular en su país por sus trabajos en series de televisión y en las películas " Lola, corre Lola ( 1998 ) " y " Soul Kitchen ( 2009 ) ", y que ya ha trabajado como secundario en Hollywood en " Munich ( 2005 ) ", "El quinto poder ( 2013 )" y "Guerra mundial Z ( 2013 )", tiene un cambio de registro entre el hombre comedido y callado que parece inexpresivo de la primera mitad a esa especie de monstruo de la segunda mitad, y está creíble en ambos casos aunque en algunos momentos exagera y puede llegar a desesperar al espectador.
Nora von Waldstätten está excelente en su papel secundario como Lucille, la chica de la que se enamora el protagonista y que vive en una cabaña en el bosque en una comunidad hippie, y que en su primera aparición va vestida con la camiseta del grupo Pink Floyd y " The dark Side of the moon ", el título del álbum publicado en 1973 por la banda británica y que da título a esta película. La actriz sabe transmitir en los momentos de alegría y en los más dramáticos y es una habitual del cine francés y sobre todo de los últimos trabajos de Olivier Assayas, ya que aparece en " Carlos ( 2010 ) ", "Viaje a Sils Maria ( 2014 ) " y "Personal shopper ( 2016 ) ", en esta última película estrenada hace unas semanas interpreta a Kyra, la rica dueña de una compañía de moda para la que trabaja el personaje interpretado por Kristen Stewart como Personal shopper. En cada una de sus apariciones en esta película alemana, rodada entre la penúltima y última cinta de Assayas, la película gana mucho y es un complemento perfecto para el protagonista.
Por contra el otro personaje femenino, el de Evelyn, que no tengo claro si sigue siendo la mujer del protagonista o si ya no están juntos, está muy mal desarrollado y la actuación de Doris Schretzmayer no ayuda a que el espectador se identifique con ella.

Jürgen Prochnow interpreta al malo de la película y el veterano actor alemán es el otro punto fuerte de la película generando tensión en casi todas sus apariciones.
La fotografía es correcta y hay que destacar los efectos visuales durante esa escena clave en la parte central, y tanto el sonido como la banda sonora me parecen excesivos y en muchos momentos me sacan de la historia. El guión plantea muchas cosas y no termina de desarrollar todos los asuntos. Me gusta bastante el final y la atmósfera creada en el interior del bosque cubierto de niebla, pero otra escena clave que tiene lugar unos minutos antes no me convence, pero al menos la cinta termina bastante bien.
Hay dos escenas bastante desagradables con animales de por medio y que me revolvieron el estómago, aunque entiendo que ambas pueden tener justificación en ese momento de la trama ya que ayudan a explicar el comportamiento del protagonista.
La película puede gustar a los aficionados a las películas de suspense modernas y la recomendaría a los que disfrutaron con " El guardián invisible ".

LO MEJOR: Las actuaciones de Nora von Waldstätten y Doris Schretzmayer.
LO PEOR: El guión.

TRAILER:

SEGUNDAS OPORTUNIDADES

PAÍS: Irlanda ( 2015 )
TÍTULO ORIGINAL: You're Ugly Too
DIRECCIÓN: Mark Noonan
LUGAR Y FECHA DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 20 de Abril de 1982, Galway ( Irlanda )
INTÉRPRETES: Aidan Gillen, Lauren Kinsella, Erika Sainte, George Pistereanu, Jesse Morris
GUIONISTA: Mark Noonan
FOTOGRAFÍA: Tom Comerford
MÚSICA: David Geraghty
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Savage Productions, Irish Film Board
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: VerCine
DURACIÓN: 82 minutos
PREMIOS:6 premios y 9 nominaciones, incluyendo una nominación en los premios del cine europeo de 2015

SINOPSIS:

Will ( Aidan Gillen ) recibe la libertad condicional para cuidar de su sobrina Stacey ( Lauren Kinsella ), quien quedó huérfana tras la muerte de su madre, al no haber nadie que pueda encargarse de ella. Mientras buscan un hogar provisional en las midlands irlandesas, una serie de obstáculos les deja lejos de formar una familia normal. Stacey es rechazada en la escuela local debido a la narcolepsia que ha desarrollado en los últimos meses y Will desobedece varias veces las obligaciones de la libertad condicional en sus intentos desastrosos de ser una figura paterna responsable. Con ello, ambos corren un gran riesgo; que a Will le retiren la oportunidad de salir definitivamente de la cárcel y que Stacey tenga que ir a una casa de acogida.

( Fuente sinopsis, cartel e imágenes: VerCine )

( Fuentes información de la película: Filmaffinity, VerCine, IMDb )

CRÍTICA:
Con casi dos años de retraso nos llega este drama familiar dirigido por de debutante Mark Noonan, solo había realizado un cortometraje " The Bookbinder's Daughter ".

Este es un género, el melodramático denominado por las segundas oportunidades y donde el aspecto fundamental en la falta de comunicación entre los personajes. La película nos presenta a dos personas que apenas se conocen, pero que se necesitan: una niña que sufre de narcolepsia y que acaba de perder a su madre, y su tío que acaba de salir de la cárcel para cuidarla.

La cinta está filmada con una maestría y una dulzura admirable, la ambientación y sobre todo la humildad con la que el director nos va mostrando los acontecimientos, es una cinta pequeña con un guión ya visto en muchas ocasiones pero aún así nos sorprende y nos cautiva.

Los personajes encarnados por los actores Lauren Kinsella y Aidan Gillen tienen una química magnífica, fundamental para que la película funcione. También hay unos personajes secundarios muy necesarios para el correcto desarrollo.

Muy recomendable este drama, tiene algunos puntos, salvando las distancia, con " Manchester frente al mar ".

Puntuación: 7.5/10

LO MEJOR: La química entre la pareja protagonista.

LO PEOR: Ritmo algo lento.

( Crítica escrita por Christopher Laso )

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

José Antonio Alarcón en Séptimo Escenario

TRAILER:

( CRÍTICA DE CHRISTOPHER LASO )

ESCUCHAR Y ESCRIBIR

PAÍSES: Francia-Bélgica ( 2016 )
TÍTULO ORIGINAL: La mécanique de l’ombre
DIRECCIÓN: Thomas Kruithof
INTÉRPRETES: François Cluzet, Alba Rohrwacher, Simon Abkarian, Sami Bouajila, Denis Podalydès, Alexia Depicker
GUIONISTAS: Yann Gozlan, Thomas Kruithof
FOTOGRAFÍA: Alex Lamarque
MÚSICA: Grégoire Auger
GÉNERO: Thriller
PRODUCCIÓN: Casting7, Scope Pictures, Silenis Media, 2425 Films, Radio Télévision Belge Francophone, Canal+, Orange Cinéma Séries, La Wallonie, A Plus Image 6, Cofimage 27, SofiTVCiné 3
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Surtsey Films
DURACIÓN: 88 minutos

SINOPSIS:
Un enigmático hombre de negocios se pone en contacto con Duval para ofrecerle un trabajo sencillo y bien remunerado: transcribir escuchas telefónicas. Duval, económicamente desesperado, acepta sin preguntar sobre la finalidad de la empresa que lo contrata. De pronto, envuelto en un complot político, debe afrontar la brutal mecánica del mundo oculto de los servicios secretos.

( Fuente sinopsis y cartel: Surtsey Films )
( Fuentes imágenes: Surtsey Films, Sensacine )

( Fuentes información de la película: Filmaffinity, Surtsey Films, IMDb )

CRÍTICA:

Thomas Kruithof debuta en la dirección con esta película de la que también es el coguionista, consiguiendo que el espectador mantenga el interés hasta los minutos finales, con una historia de suspense que tiene pocos giros y en donde no aparecen muchos personajes, al menos en su primera mitad, y el resultado es una de las mejores películas de suspense de los últimos años, teniendo en cuenta que el género está en horas bajas. La historia aborda el tema de las escuchas y el espionaje tan de actualidad y que hace más de 40 años era el tema central de " la conversación ( 1974 ) ", una de las mejores películas de Francis Ford Coppola y que pasó desapercibido al rodarse entre las dos primeras entregas de la trilogía de " El padrino ". La película fue ignorada en los pasados premios César y tampoco fue seleccionada para algún festival de primer nivel de clase A, y se pudo ver por primera vez en al pasado festival de cine de Gijón ya que formó parte de la sección Rellumes, la misma en la que estaba "Rosalie Blum ( 2015 )" ( ganadora del premio del público en el FICX 2016, y que sí fue nominada a los premios César 2017 en la categoría de mejor ópera prima ).

Es una coproducción de Francia y Bélgica y cuenta con la presencia de François Cluzet como gran protagonista en el papel de Duval, un hombre que en el prólogo se encuentra trabajando en una empresa en donde está sometido a una gran presión, y al que vemos desempleado dos años después en la primera escena después de esa introducción inicial, y acaba de cumplir un año de abstinencia del alcohol. Por lo tanto es un ciudadano en paro y con una vida solitaria lo que facilita su contratación e un trabajo del que únicamente sabe que tiene que transcribir en una máquina de escribir lo que va escuchando y guardar las cintas de audio, pero que no puede hablar con nadie del asunto y ser muy metódico en su procedimiento.
El veterano actor francés es el gran protagonista de la función. Cluzet ese conocido por el gran público por su papel de Philippe, el hombre en silla de ruedas al que tiene que cuidar Omar Sy en la cinta " Intocable ( 2011 ) ", pero que es uno de los mejores actores europeos de finales del siglo XX y principios del siglo XXI y que de manera sorprendente solamente ha sido premiado con un premio César en categorías interpretativas, precisamente fue hace 10 años por su papel protagonista en otro thriller, el dirigido por Guillaume Canet en 2006 titulado " No se lo digas a nadie ( 2006 ) ".

Duval es un hombre metódico, solitario y que su única motivación es acudir a las reuniones de ex alcohólicos en donde forman un grupo que se cuentan lo que han hecho los días anteriores, y es allí precisamente donde conoce a Sara con la que entabla una amistad fuera de esas reuniones.
El espectador no va por delante del protagonista, cosa poco habitual en las cintas de suspense modernas y que ya ponía en práctica Hitchcock en algunas de sus obras maestras, en donde se suelen desvelar cosas al público que el protagonista desconoce, pero hay una diferencia y es que Duval tiene que transcribir y tiene poco tiempo entre una frase y otra, y salvo detalles generales o una gran memoria no siempre tiene tiempo para analizar lo que está sucediendo, mientras que el espectador escucha solamente algunos audios de manera que nos permiten ir construyendo la historia teniendo tiempo para escuchar todas las palabras y analizar lo que está sucediendo mejor que el protagonista.
Alba Rohrwacher es Sara y la actriz italiana ganadora de dos premios David de Donatello, que habla bastante bien el francés en esta película, lo hace bastante bien y aunque no habla mucho al igual que Duval, tiene varias escenas dramáticas de gran intensidad. Su personaje está bien, pero su importancia se va diluyendo en la parte final.

Denis Podalydès es Clément, la persona que contrata al protagonista para el trabajo de la transcripción de las escuchas, y Sami Bouajila es Labarthe. Ambos personajes son la clave de la película, y las interpretaciones de los dos actores franceses es simplemente correcta. El personaje más enigmático es el de Gerfault, interpretado de manera excelente por Simon Abkarian. Uno de los actores que más trabaja en el cine francés de los últimos años, muchas veces en papeles secundarios, vuelve a demostrar su capacidad interpretativa en el personaje más interesante de la trama ya que es bastante irónico, y cuyas apariciones elevan el tono de la película. Los otros aspectos destacables son la música de Gregoire Auger de tono clásico que aumente la intriga del espectador en las situaciones más intrigantes, y el montaje que sabe conectar muy bien las escenas del día a día en la vida de Durval.
La película se pasa en un suspiro y en los minutos finales la trama se acelera llegando a la resolución en los aspectos profesionales y personales del protagonista en una escena para cada uno de esas dos historias. No me convence ese final de la trama de suspense en una larga escena en donde explican todos los enigmas y que me dejó bastante frío, lo que no sucede en otra posterior muy bien traída sobre la vida privada de Duval. Puede ser que falte algún giro más o que debiera haberse presentado otra posterior al desenlace del suspense, pero es una pequeña pega en una cinta que recomiendo al público medio, sobre todo a los que disfrutan con estas tramas enigmáticas de escuchas telefónicas, servicios secretos y complot político.

LO MEJOR: La actuación de François Cluzet.
LO PEOR: La resolución final de la trama de suspense.

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Pedro de Frutos en El Ónfalos

TRAILER:

EL LADO OSCURO DEL SUEÑO AMERICANO

PAÍS: Estados Unidos ( 2016 )
DIRECCIÓN: Ewan McGregor
LUGAR Y FECHA DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 31 de Marzo de 1971, Perthshire ( Reino Unido )
INTÉRPRETES: Dakota Fanning, Jennifer Connelly, Ewan McGregor, Uzo Aduba, Rupert Evans, Molly Parker, David Strathairn
GUIONISTA: John Romano
BASADA EN: La novela " Pastoral americana " escrita por Philip Roth en 1997, y ganadora del premio Pulitzer en 1998
FOTOGRAFÍA: Martin Ruhe
MÚSICA: Alexandre Desplat
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Lakeshore Entertainment, TIK Film
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Tripictures
DURACIÓN: 126 minutos

SINOPSIS:

Basada en la novela homónima de Philip Roth, ganadora del Premio Pulitzer, AMERICAN PASTORAL ( PASTORAL AMERICANA ) recorre la historia de una familia americana a través de varias décadas, en la que su idílica existencia se hace añicos por la agitación social y política que cambiará para siempre la estructura de la cultura estadounidense. Ewan McGregor debuta en la dirección y encarna a Seymour Levov, “ el Sueco ”, un atleta legendario en el instituto que ahora es un exitoso hombre de negocios casado con Dawn, una ex reina de la belleza. Pero, tras la apariencia impecable de la vida del “Sueco”, se fragua la tormenta. Cuando su hija Merry desaparece tras ser acusada de cometer un acto violento, “ el Sueco ” se dedica a buscarla y a reunir a su familia. Lo que descubre remueve sus cimientos, forzándole a mirar más allá de la superficie y afrontar el caos que está forjando el mundo a su alrededor: ninguna familia americana volverá a ser la misma.
( Fuente sinopsis, cartel e imágenes: Images.net-Tripictures )
( Fuentes información de la películas: Filmaffinity, IMDb )

CRÍTICA:

Decente debut de Ewan McGregor como director en este drama ambientado en los años 60. La película fue presentada en el último Festival de Cine de San Sebastián

El director ha adaptado una compleja novela de Philip Roth, su trabajado sin ser ninguna maravilla, no le ha quedado nada mal, nos muestra el lado oscuro del denominado sueño americano. Otros de los temas que toca es el ideal capitalista, la pobreza y la discriminación a la comunidad afroamericana.

En el Nueva Jersey de principios de los 60, Seymour Levo es el protagonista de la historia, con un retrato de la típica clase american pastoral americana. Seymor es el hijo del dueño de una fábrica de guantes y está casado con Dawn, una reina ex reina de belleza. Su perfecta rutina es repentinamente destrozada por la radicalización política de la joven hija Merry, llegando a un punto inimaginable cuando la chica es acusada de un acto terrorista en el que un hombre pierde la vida, y Merry desaparece misteriosamente después del atentado.

Así comienza el largo y doloroso calvario de Seymour, quien busca desesperadamente a su hija desaparecida, lo que quizás sería el inicio de una desintegración progresiva e inevitable de su familia.

Se nota que al director le falta algo de experiencia a la hora de grabar y de dirigir a los actores, en bastantes partes de la historia los actores presentan poca credibilidad, el director apuesta todo a la poderosa historia que tiene detrás, a la gran ambientación y sobre todo a uno de los aspectos que más disfrute como es la introducción de imágenes documentales.

En cuanto al reparto de los actores hay un gran nivel, con grandes interpretaciones de Dakota Fanning y Jennifer Connelly. También hay que valorar el trabajo de Ewan como padre que intentan solucionar y proteger a su hija.

Puntuación: 6/10

LO MEJOR: La introducción de imágenes documentales.

LO PEOR: El guión.

( Crítica escrita por Christopher Laso )

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Pedro de Frutos en El Ónfalos

TRAILER:

( CRÍTICA DE CHRISTOPHER LASO )

LOS NIÑOS GAMBERROS Y EL PROFESOR CONVERTIDO EN SUPERHÉROE

PAÍS: Estados Unidos ( 2017 )
TÍTULO ORIGINAL: Captain Underpants: The First Epic Movie
DIRECCIÓN: David Soren
INTÉRPRETES: Ed Helms, Kevin Hart, Thomas Middleditch, Jordan Peele, Kristen Schaal, Nick Kroll, DeeDee Rescher, Brian Posehn, David Soren
GUIONISTA: Nicholas Stoller
BASADA EN: Los personajes de las novelas infantiles escritas por el norteamericano Day Pilkey desde 1997 hasta la actualidad
MÚSICA: Theodore Shapiro
GÉNERO: Animación
PRODUCCIÓN: DreamWorks Animation, Scholastic Productions
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Twentieth Century Fox
DURACIÓN: 89 minutos

SINOPSIS:
Una divertidísima y alocada película de animación basada en la serie de libros del autor e ilustrador superventas Dav Pilkey El Capitán Calzoncillos. La película se centra en la amistad entre dos niños creativos y traviesos de cuarto de primaria, que accidentalmente convierten a su malvado director en el Capitán Calzoncillos, un superhéroe de su propia creación.

( Fuente sinopsis, cartel e imágenes: Twentieth century Fox )

( Fuentes información de la película: Filmaffinity, Twentieth Century Fox, IMDb )

CRÍTICA:
El cine de animación de los últimos años es el más rentable, sobre todo el producido en Estados Unidos, ya que las películas son un gran éxito de taquilla, consiguiendo llevar a los cines de todo el mundo a padres e hijos que disfrutan con estas películas tan entrañables y divertidas. Pero además consiguen unir entrenamiento con calidad ya que es el género, junto al documental, que más ha evolucionado, y aunque no han envejecido los clásicos Disney o las películas de los estudios Ghibli japoneses, cada nueva película de animación nos intenta ofrecer algo diferente.
La productora Dreamworks Animation es la gran competencia de Pixar-Disney y si analizamos sus películas de los últimos 15 años son las más entretenidas y las más asequibles para el público infantil, pero si analizamos sus guiones en muchos casos son bastante mejorables, y en otros casos han conseguido crear un texto muy bien trabajado como el esta primera película del personaje de " Capitán calzoncillos ", que aparece en las novelas gráficas escritas por Day Pilkey desde hace 20 años.
La cinta es el segundo largometraje dirigido por David Soren, uno de los trabajadores más importantes de la compañía de animación, y que realiza distintas labores desde elaborar las técnicas de animación hasta ser actor de doblaje. Debutó en el mundo de la dirección hace unos años con una cinta bastante irregular titulada "Turbo ( 2013 )" y en su segunda película ha conseguido la que hasta el momento es su mejor trabajo, y que me ha hecho reír con muchas situaciones planteadas como no lo hacía hace tiempo, y este año solamente me había sucedido con la cinta francesa "La alta sociedad ( 2016 )".

Jorge y Berto son amigos inseparables y acuden cada día a la escuela con ganas de reírse y pasarlo bien a costa de Carrasquilla, el director del colegio, y del empollón de la clase, Gustavo Lumbreras. El jefe de estudios ya no sabe que hacer con estos niños tan " graciosetes " hasta que un día se le ocurre el que parece iba a ser el castigo definitivo, después de haber probado con infinidad de métodos para cambiar el comportamiento de esos dos alumnos. La solución consistía en separarles de clase, y ese aviso dado un viernes de que al lunes siguiente ya no compartirían aula les había traumatizado y ambos estaba pasando el fin de semana juntos maquinando gamberradas como siempre, pero muy preocupados por la posibilidad de perder esa amistad.
Pero todo da un giro por casualidad y desde ese momento es cuando viene lo más divertido de la película, que provocan las carcajadas continuas en el espectador, gracias a ese giro en el guión y a la aparición de dos nuevos personajes, el capitán Calzoncillos y el Profesor Pipicaca ( traducción exacta de los nombres en inglés ). La hora central es cine de entretenimiento sin necesidad de escenas de acción con persecuciones, sino con dos o tres detalles muy bien trabajados. También hay dos personajes femeninos muy entrañables, y aunque su presencia es muy secundaría otras responsables de las situaciones de humor, Dulce la encargada del almuerzo escolar y enamorada del jefe de estudios y la profesora que se pasa toda la película con una llamada en espera.

En la media hora final la película no tiene tantos momentos divertidos, pero sigue manteniendo el tono de humor y sabe cerrar muy bien las diferentes tramas. El guión está muy bien trabajado y ha sido escrito por Nicholas Stoller basándose en
los personajes de los libros escritos por Day Pilkey. En total se han publicado 12 libros, el primero en 1997, se han traducido a 20 idiomas y en total se han vendido 80 millones de libros en todo el mundo.
La película cuenta con una gran calidad técnica en la animación de personajes, al igual que otras propuestas de los estudios Dreamworks y su banda sonora compuesta por Theodore Shapiro tiene la suficiente fuerza para mantener al espectador despierto, aunque las canciones no me gustan, pero entiendo que son los típicos temas que pueden tener un gran éxito, sobre todo entre el público adolescente.
La película es ideal para que van las familias con los padres y sus hijos porque todos disfrutarán con esta propuesta tan divertida, pero al contrario de otras cintas de animación como " Frozen: El reino de los hielos ( 2013 ) " o " Vaiana ( 2016 ) " pueden gustar más a niñas que a niños ( eso no quiere decir que nos niños se aburran ), en este caso va dirigida más al público masculino y no tanto al femenino teniendo en cuenta que los niños se identificarán más con esas bromas de Jorge y Berto.

LO MEJOR: El guión y los personajes.

LO PEOR: Las canciones.

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

José Antonio Alarcón en Séptimo Escenario

Pedro de Frutos en El Ónfalos

TRAILER:

JOHANNA QUIERE CUMPLIR SU SUEÑO

PAÍS: Francia ( 2017 )
DIRECCIÓN: Dany Boon
LUGAR Y FECHA DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 26 de Junio de 1966, Armentières ( Francia )
INTÉRPRETES: Alice Pol, Dany Boon, Michel Blanc, Yvan Attal, Patrick Mille, Sabine Azéma, Anne Marivin, Alain Doutey, François Levantal
GUIONISTAS: Dany Boon, Sarah Kaminsky
FOTOGRAFÍA: Denis Rouden
MÚSICA: Maxime Desprez, Michaël Tordjman
GÉNERO: Comedia
PRODUCCIÓN: Artémis Productions, Les Productions du Ch'timi, Pathé, TF1 Films Production, Shelter Prod, Canal+, Ciné+, La Wallonie, Taxshelter
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DeAplaneta
DURACIÓN: 105 minutos

SINOPSIS:
Johanna Pasquali no es la típica agente de policía. Es olvidadiza, distraída y torpe. Desde un punto de vista estrictamente profesional es agradable... y un cero a la izquierda. Aunque destaca por su buena puntería, su habilidad para el combate cuerpo a cuerpo y su intuición policial, su torpeza la ha convertido en una amenaza tanto para los criminales como para sus compañeros de trabajo y los ciudadanos en general. Relegada a misiones tan peligrosas como poner multas de tráfico e investigar pequeños hurtos en tiendas, dedica cada minuto de su tiempo libre a hacer realidad su sueño: ser la primera mujer en entrar en el R.A.I.D., la unidad de élite de la policía francesa.

( Fuente sinopsis e imágenes: DeAplaneta )

( Fuente cartel: Sensacine )

( Fuentes información de la película: Filmaffinity, IMDb )

CRÍTICA:
El actor Dany Boon es uno de los más populares en su país, y sus películas como protagonista también tienen muchos adeptos en otros países, que disfrutan con ese tipo de humor. A nivel personal no conecto con ese cine y no me hacen gracia los personajes interpretados por el actor francés. Desde hace una década compagina su faceta de intérprete con la de director y guionista, y esta película es su sexto largometraje al frente de la dirección, en un proyecto del que también es coguionista y a diferencia de sus otros trabajos su papel no es el de protagonista, dejando todo el peso de la película a Alice Pol. La actriz es Johanna Pasquali, una policía bastante torpe, hija del ministro de interior, y cuya única ilusión en la vida es ser la primera mujer en formar parte de la unidad de élite de la policía francesa. La película es una comedia sin ninguna gracia, y que intercala esas situaciones de humor absurdo con una trama de suspense, y precisamente es en esas escenas de acción con atracos y persecuciones en donde mejor funciona la película.

Pero el papel de esa policía, que al más puro estilo inspector Clouseau va cometiendo errores uno tras otro, y que no desiste en su empeño de lograr su objetivo sin darse cuenta de que no es apta para ese puesto, no consigue hacerme reír, salvo una escena en la parte final. Tanto el personaje femenino como la actuación bastante limitada por parte de Alice Pol hacen que incluso echemos de menos a Dany Boon, que en esta película está mucho más comedido y sus apariciones son más brillantes que las de su compañera de reparto.

La película cuenta con un gran elenco de secundarios que están desaprovechados, desde Michel Blanc en el papel del padre de la protagonista y el de Sabine Azéma como la madre de Edouard, el novio de Johanna. Al menos esta última sube el interés de la película en cada una de sus apariciones, en especial la de la comida familiar, ya que Michel Blanc cuyo personaje tiene un mayor peso en la trama está simplemente correcto, por ser generoso, en una actuación impropia de su capacidad interpretativa. La película aumenta de interés desde la aparición de un personaje clave en la segunda mitad, el de Viktor, interpretado por Yvan Attal, y la trama que se desarrolla alrededor de él hace que el espectador salga del letargo causado por unas situaciones sin gracia y repetitivas.

En los aspectos artísticos y técnicos la película tampoco destaca, y su banda sonora es bastante convencional, además de que la mayoría de canciones me sacaron de quicio y terminaron por desconectarme de la película.

Estoy seguro que la película tendrá su público e incluso debería tener éxito entre el gran público, que disfruta con estas comedias llenas de tópicos y situaciones absurdas que hacen tanta gracia a gran parte del público moderno. Me resultó curioso que una película tan machista y que se ríe de la mujer, intentando imitar la fórmula del cine norteamericana con un policía torpe, pero en este caso con una mujer policía, provocara las carcajadas de las mujeres asistentes a la proyección de prensa y no de los hombres que estábamos en esa sesión, y es probable que sea porque el hombre siente vergüenza ajena de la actitud machista de algunos personajes de la película, en especial el de Eugéne interpretado por Dany Boon.

LO MEJOR: El personaje de Viktor.
LO PEOR: El guión.

TRAILER:

LA LUCHA VIDA DIARIA DE PERSONAS CON UN FÍSICO DIFERENTE

PAÍS: España ( 2017 )
DIRECCIÓN: Eduardo Casanova
INTÉRPRETES: Candela Peña, Ana Polvorosa, Macarena Gómez, Carmen Machi, Secun de la Rosa, Jon Kortajarena, Joaquín Climent, Enrique Martínez, Eloi Costa, Itziar Castro, Carolina Bang, Ana María Ayala, Adolfo Fernández, Javier Bódalo
GUIONISTA: Eduardo Casanova
FOTOGRAFÍA: José Antonio Muñoz " Nono "
MÚSICA:Ángel Ramos
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Pokeepsie Films, Nadie es Perfecto, The Other Side Films, Netflix
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Premium Cine
DURACIÓN: 77 minutos
PREMIOS:1 premio en el festival de Málaga de 2017

SINOPSIS:
Nadie elige cómo nace. La forma física nos condiciona para con la sociedad, lo hayamos o no elegido nosotros. PIELES, es la historia de gente físicamente diferente que por este motivo se han visto obligados a esconderse, recluirse o unirse entre ellos. SAMANTHA, una mujer con el aparato digestivo al revés, LAURA una niña sin ojos o ANA una mujer con la cara mal formada. Personajes solitarios que luchan por encontrarse en una sociedad que solo entiende una forma física, que excluye y que maltrata al diferente.
( Fuente sinopsis, cartel e imágenes: DYD Comunicación )
( Fuentes información de la película: Filmaffinity, IMDb )

CRÍTICA:

El actor Eduardo Casanova, conocido por el gran público por su personaje de Fidel en la serie " Aída " dirige su ópera prima, después de haber dirigido 8 cortometrajes, y de seguir apareciendo en televisión, cine y teatro. La cinta se presentó en la sección Panorama del pasado festival de Berlín, y posteriormente se pudo ver en el festival de Málaga ya que formó parte de la sección oficial a concurso del certamen celebrado en la localidad costera. No se fue de vacío de Málaga ya que fue elegida como la mejor película por el jurado joven. La película cuenta con el apoyo económico, entre otras compañías, de la productora Pokeepsie propiedad de Álex de la Iglesia y su mujer Carolina Bang, y la película al menos en su aspecto estético comparte bastante con el cine del director español, y curiosamente en Berlín y Málaga estaba también presente de la Iglesia presentando "El bar ( 2017 )", su nueva película.
El guión ha sido escrito por el propio Eduardo Casanova y en 77 minutos nos muestra algunas situaciones en la vida de unas personas que tienen un defecto físico, y que intentan superar las trabas planteadas en la sociedad moderna para poder tener una vida mejor, y salir adelante gracias a su coraje y espíritu de superación. Aunque tiene algún momento de humor, muy al estilo del cine de Álex de la Iglesia, y otros momentos pueden resultar desagradables a algunos espectadores, nos encontramos con un drama de personajes, que al principio no tienen conexión entre sí, pero que en varios casos coinciden en la parte final, aunque sea de manera fortuita.

La película presenta a tres personas con defectos físicos, Samantha una mujer con el aparato digestivo al revés, Laura un niña sin ojos y Ana una mujer con la cara mal formada, y las tres son mujeres con carácter que miran hacia adelante aunque en el día a día se encuentran con gente mala que se burlan de su físico. La cinta se inicia con un prólogo que se sitúa en el año 2000 en donde el personaje de Simón se encuentra en una especie de prostíbulo pintado de rosa y recibe la llamada de su mujer, Claudia, para decirle que ha dado a luz, y la mirada de Simón pone de manifiesto que no está contento con la noticia. Entonces hay un salto temporal de 17 años para situarnos en la actualidad e ir presentando poco a poco a los diferentes personajes, y mostrar sus inquietudes y la manera en la que sobreviven en la sociedad moderna teniendo que convivir con un defecto físico bastante llamativo y que no pueden ocultar. Es verdad que se han buscado situaciones extremas para llamar más la atención en los espectadores, y que hay muchas personas en la sociedad actual con defectos físicos más comunes y que no tienen nada que ver con el extremismo planteado en esta película. Pero me parece bien esa elección de cada uno de los personajes y sus defectos físicos.

El problema es que según avanzan los minutos ese ingenio inicial se va diluyendo, y después de una buena presentación de personajes no termina de cerrar bien las historias, sobre todo porque falta algo de metraje para poder desarrollar mejor todos los personajes, y nos quedamos con las ganas de conocer algo más de la vida de los protagonistas.

La historia que mantiene el pulso en la parte final es la protagonizada por Ana ( Candela Peña ) y los dos hombres que tienen relación con ella, Guille ( Jon Kortajarena ) y Ernesto ( Secun de la Rosa ). También me parece bastante bien finalizada la vida de Vanesa, la enana interpretada de manera excelente por Ana María Ayala.El guión no es lo peor de la película, y funciona gracias a algunas situaciones aisladas. Me parece peor el montaje y no encuentro necesarias esas conexiones mínimas y sin ningún interés que se producen en la parte final. De todas formas me parece un buen punto de partida para la carrera de un cineasta cuyo primer largometraje quiere tener un estilo propio y personal, recordando a nivel estético a los inicios del cine de Pedro Almodóvar y a " Diamond flash ( 2011 ) ", la ópera prima de Carlos Vermut.

El reparto coral tiene unas actuaciones correctas, otras mejorables y algunas bastante buenas. Si tengo que destacar a cuatro nombres me quedo con los de Candela Peña ( Ana, una mujer con un defecto en la cara, y que está en medio de un triángulo amoroso, con Guille y Ernesto ), Macarena Gómez ( Laura, una mujer sin ojos que sustituye por unos diamantes ), Joaquín Climent ( Alexis, el director del programa de televisión en donde trabaja Vanesa, una enana ), y Ana María Ayala ( la enana Vanesa que trabaja en un programa de televisión vestida de osito ). Carmen Machi, cuyas últimas actuaciones he defendido en películas como "Rumbos ( 2016 )", "El bar ( 2017 )", y sobre todo " La puerta abierta ( 2016 ) ", está bastante exagerada en sus apariciones, y parece que se está encasillando en el papel de mujer sufridora, mientras que la actuación de Secun de la Rosa no me convence con respecto a los otros miembros del reparto citados anteriormente.

Conviene destacar el empleo de colores pastel, el rosa o el lila, en todas las escenas, desde las paredes a la ropa, al color de un coche, y según el director ha tomado esta decisión porque el rosa se asocia a lo femenino, a lo dulce, a lo cándido, y al mismo tiempo sirve de contraste en algunas situaciones dolorosas o difíciles para el espectador. A nivel de fotografía, diseño de producción y banda sonora la película es bastante correcta, y si tengo que destacar otras dos cosas, aparte de algunas actuaciones, son el maquillaje y las canciones ( unos temas españoles clásicos, entre los que destaca " Alguien cantó " que popularizó el cantante británico Matt Monro, conocido por cantar el tema central de la película " Desde Rusia con amor ", la segunda película de la saga Bond ).
Una película que no es sencilla de recomendar y que puede gustar a los que buscan historias diferentes y extrañas, si tener en cuenta la credibilidad del guión.

LO MEJOR: El reparto.
LO PEOR: El montaje.

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Xavier Vidal en Cinoscar & Rarities

Fer García en MacGuffin007

TRAILER:

TODO POR UN ROLEX

PAÍS: España ( 2017 )
TÍTULO ORIGINAL: Mil coses que faria per tu
DIRECCIÓN: Dídac Cervera
INTÉRPRETES: Peter Vives, Carmina Barrios, Iris Lezcano, Peyu, Jordi Vilches, Boris Ruiz, Carles Sanjaime, Cristina Brondo, Pep Cortés
GUIONISTA: Joan Sanz
FOTOGRAFÍA: Núria Roldos
MÚSICA: Julie Reier
GÉNERO: Comedia
PRODUCCIÓN: Alhena Production, Dacsa Produccions, Calle Carmen, Institut Català de les Empreses Culturals, Natixis Coficiné, Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales, CulturArts, Televisió de Catalunya ( TV3 ), Televisión Española (TVE)
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Alfa Pictures
DURACIÓN: 89 minutos

SINOPSIS:

Dani ( Peter Vives ) ha perdido el reloj de lujo que su novia Mónica ( Iris Lezcano ) le regaló por su cumpleaños. Harta de ésta y otras decepciones, Mónica decide romper con Dani que, aconsejado por Elías, un amigo aficionado a la psicología ( Peyu ), hará lo imposible por recuperar el reloj y salvar su relación con Mónica. Pero lo que parecía un plan fácil de llevar a cabo desencadenará en una rocambolesca historia de enredos entre policías, mafiosos y un ladrón de poca monta, con descargas de surrealismo y humor asegurados.

( Fuente sinopsis, cartel e imágenes: Alfa pictures )

( Fuentes información de la película: Filmaffinity, IMDb )

CRÍTICA:
Dídac Cervera debuta en la dirección con esta comedia de enredos, tenemos que decir que el director tiene buenas ideas y ha querido hacer una película diferente a lo que estamos acostumbrados. La historia está basada en un argumento de Joan Sanz. Dídac ha querido buscar referencias en el cine de Woody Allen y de Fellini, pero el resultado no es nada satisfactorio.
Peter Vives es el actor protagonista, nos cuenta las aventuras que tiene que vivir después de que su novia lo dejara porque había perdido un reloj rolex que le regaló. La cinta es toda un rocambolesca historia entre mafiosos, policías y ladrones.
El guión es muy flojo, entre escenas los actores hablan con el espectador para aclarar algunas situaciones, pero aunque sea original corta el ritmo de la acción y es un punto negativo para la película.
Uno de los aspectos más negativos ha sido el doblaje, penoso, estoy seguro que le hace perder mucho a la película.
En cuanto a los actores protagonistas destacan Peter Vives ( " El tiempo entre costuras " ), Cristina Brondo ( " Una casa de locos ") e Iris Lezcano ( " Sin tetas no hay paraíso ").
Puntuación: 4/10

LO MEJOR: La idea.
LO PEOR: el guión y el resultado de esa idea.

( Crítica escrita por Christopher Laso )

NOTAS DEL DIRECTOR:

Las relaciones humanas son un tema bastante complejo. Por eso las películas casi siempre terminan con un beso, aunque nunca sabemos qué pasa después. Mantener viva la llama y la pasión entre una pareja no es fácil y el concepto “ amor eterno ” habría que ponerlo en cuarentena.
Nuestra película gira en torno a estas cuestiones. Comienza con una relación que no ha sido capaz de prosperar después del beso inicial. Ha caído en la rutina y el amor ya no es lo que era al principio. Dani, nuestro protagonista, se ha acomodado demasiado y piensa que su relación con Mónica es segura y para siempre.
Dani, para recuperar aquello que ha perdido, lo que ha tenido durante tanto tiempo, sin darle la importancia que merecía, deberá hacer las mil y una para devolver la situación al estadio inicial. Rehacer su vida le obligará a enfrentarse a una serie de problemas e imprevistos que crecerán exponencialmente a medida que avanza la trama.
La historia comienza con un pequeño detonante: la pérdida de un reloj de lujo que Mónica le ha regalado a Dani por su 30 cumpleaños. Dani intentará recuperar el reloj porque piensa que éste le permitirá recuperar a Mónica. Esta idea le meterá de lleno en un asunto criminal que crecerá como una bola de nieve, hasta que se le escapa completamente de las manos.

( Fuente: Alfa Pictures )

DÍAS DE CINE:

'Mil cosas que haría por ti'

TRAILER:

( CRÍTICA DE CHRISTOPHER LASO )

BRUTALIDAD CONTRA LA MUJER

PAÍS: Colombia ( 2016 )

DIRECCIÓN: Víctor Gaviria
LUGAR Y FECHA DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 19 de Enero de 1955, Medellín ( Colombia )
INTÉRPRETES: Natalia Polo, Tito Alexander Gomez, Jesus Vasquez
GUIONISTA: Víctor Gaviria
FOTOGRAFÍA: Rodrigo Lalinde
MÚSICA: Luis Fernando Franco
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Polo a Tierra, Viga Producciones
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Cinemaran
DURACIÓN: 120 minutos
PREMIOS:2 premios en el festival de Málaga de 2017

SINOPSIS:

Tras ser descubierta disfrazándose de Virgen, Amparo huye por miedo a su padre del internado de monjas donde la acogían. Llega a un barrio marginado de Medellín a vivir de " arrimada " donde su hermana. Cuando su cuñado la introduce a la familia, el primo Libardo queda infatuado con ella, la rapta en un rito matrimonial para luego obligarla a vivir bajo su mismo techo; la familia del Animal, testigo de su cautiverio. La comunidad, amedrentada por Libardo, no intercede en favor de Amparo quien es abandonada a la vigilancia permanente. Forzada a convertirse en la mujer del Animal, Amparo tiene sin poder evitarlo una niña. ¿ Podrá, por medio del amor y la templanza, detener la repetición del ciclo del que también fue víctima su madre, sobrevivir y salvar a su hija ?

( Fuente sinopsis y cartel: Flamingo comunicación )
( Fuentes imágenes: Cinemaran )

( Fuentes información de la película: Filmaffinity, IMDb )

CRÍTICA:

Película presentada en el último Festival de Cine de la Habana y también este año en el Festival de Cine de Málaga donde gano dos premios: Mejor Dirección y Mejor Montaje.
La película está dirigida por Víctor Gaviria, director colombiano que ha realizado varios largometrajes con numerosos éxitos. Con su anterior cinta " Sumas y Restas " gano el premio a la mejor película Iberoamericana en los premios Ariel de 2005. Y " La vendedora de Rosas " tuvo varios premios internacionales y estuvo en la sección oficial del Festival de Cannes.
En esta ocasión nos presenta una historia real ocurrida durante los años setenta, el director conoció a Margarita la persona real que padeció todas estas barbaridades. En la película la actriz protagonista escapa del internado donde estudiaba porque las monjas con su estricta disciplina le imponían castigos humillantes. Así llega a la casa de su hermana, en el barrio Popular Uno, en el oriente de Medellín, un barrio por entonces convulso donde crecían algunos de los cuchilleros de la ciudad en esos años, entre ellos está uno despiadado, ladrón con experiencia, temido por el resto: el Animal, quien se enamora de Margarita, la secuestra y la viola ante el silencio de los testigos, algunas de ellas mujeres que no veían en eso una injusticia, un crimen, sino el destino, la voluntad de un dios extraño.
Es una de las cintas más duras sobre el maltrato a la mujer vistas desde hace tiempo, lo que más estupor provoca es que en esas culturas se ve como algo normal el abuso a la mujer. Lo más difícil de soportar no son los golpes que recibe la víctima sino la indiferencia de los testigos. Dura pero necesaria, te deja una sensación rara, no te puedes imaginar que ocurran todavía esas barbaridades.
El montaje, la dirección y el guión son los aspectos más fundamentas para que todo funcione.
Puntuación: 8/10

LO MEJOR: El montaje.

LO PEOR: Las barbaridades que tiene que soportar la actriz protagonista.

( Crítica escrita por Christopher Laso )

NOTA DEL DIRECTOR:

La violencia del Animal había ocurrido delante de todos, y desde allí, desde cada escenario e donde había acontecido, detrás o delante de la puerta, se había manifestado claramente a los testigos, y ellos querían negarlo, querían hacernos creer que " todo era normal ", querían normalizarlo para no enfrentarse al remordimiento de su mido, de su cobardía.

Cuando conversé, haciendo el casting, con centenares de mujeres de barrios populares, que le confiaron a la película sus secretos, el Animal apareció multiplicado y acezaste, con cuerpo de padrino de tío, de hermano, de paapá y de abuelito, de vino, de delincuente del barrio, de parado y guerrillero... era el mismo personaje.

Con esta película está públicamente denunciado. Tuvimos el coraje de no esconderle sus acciones, renunciamos al poder de lo tácito para que nadie tuviera dudas de su esencia letal. El espectador saldrá impactado y golpeado, pero una pregunta liará en su cabeza ¿ Por qué no hacemos nada ?, ¿ Por qué no hago nada ? Es una confusa vergüenza.

( Fuente: Flamingo comunicación )

TRAILER:

( CRÍTICA DE CHRISTOPHER LASO )

EL AMOR EN TIEMPOS DE GUERRA

PAÍS: Portugal ( 2016 )
DIRECCIÓN: Ivo Ferreira
LUGAR Y FECHA DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 1975, Lisboa ( Portugal )
INTÉRPRETES: Miguel Nunes, Margarida Vila-Nova, Ricardo Pereira, João Pedro Vaz, João Pedro Mamede
GUIONISTAS: Ivo Ferreira, Edgar Medina
BASADA EN: La novela " Cartas de la guerra. Correspondencias desde Angola " escrita por el portugués António Lobo Antunes en 2005
FOTOGRAFÍA: João Ribeiro
MÚSICA: António Pedro
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: O Som e a Fúria, Foley Walkers Studio
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Golem Distribución
DURACIÓN: 105 minutos
PREMIOS:26 premios y 19 nominaciones, incluyendo 9 premios Sophia en 2017

SINOPSIS:
1971. La vida de António Lobo Antunes se ve brutalmente interrumpida cuando el ejército portugués le recluta para ejercer cómo médico en una de las peores zonas de la guerra colonial, el Este de Angola. Alejado de todo lo que ama, escribe numerosas cartas a su joven esposa, envuelto en un ambiente cada vez más violento. A medida que le cambian de destino, se enamora de África y madura políticamente. A su lado, toda una generación lucha contra la desesperación y se pregunta si regresará a casa algún día. En un decorado bélico tan incierto, las cartas se convierten en su único vínculo con la supervivencia.

( Fuente sinopsis: Golem Distribución )

( Fuente cartel: Images.net-Golem Distribución )
( Fuentes imágenes: Images.net-Golem Distribución, Sensacine )

( Fuentes imágenes: Filmaffinity, IMDb, Wikipedia )

CRÍTICA:
El cuarto largometraje dirigido por el portugués Ivo Ferreira es hasta la fecha su película de mayor éxito y la única que se va a estrenar en España. La película se presentó el año pasado en el festival de Berlín en donde formó parte de la sección oficial de uno de los festivales más prestigiosos del mundo, aunque se fue de vacío del palmarés de la Berlinale. El pasado mes de Septiembre Portugal la seleccionó para ser la representante de su país para competir por el premio Óscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa, quedándose fuera de las 9 preseleccionadas, al igual que sucedió con "Julieta ( 2016 )" y otras muchas propuestas interesantes que luchaban por una plaza entre las nominadas por los académicos de Hollywood. El pasado mes de Marzo fue la gran triunfadora de los premios Sophia, que otorga la Academia Portuguesa de las Artes y las Ciencias ( los Goya portugueses ) al ganar 9 de los 11 premios por los que competía, perdiendo en las dos principales categorías interpretativas, incluyendo los de mejor película y dirección. Su fotografía fue candidata a los premios Fénix 2016, perdiendo en ese apartado ante la cinta brasileña " Boi Neon ( 2015 ) ", estrenada el año pasado en España, en una gala celebrada el pasado mes de Diciembre en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de Ciudad de México. Hace unas semanas se hicieron públicas las nominaciones a los premios Platino 2017, cuya gala se celebrará el próximo 22 de Julio en la ciudad de Madrid, y la esta película es candidata a 3 premios, todos en categorías técnicas o artísticas: Fotografía, sonido y dirección artística.

Por lo tanto la película ha tenido una gran repercusión en los premios entregados en el último año y medio desde su estreno en Berlín, y salvo en los premios Sophia su mayor éxito lo ha obtenido en los apartados en donde la propuesta es más destacada, es de circulación todos los relacionados con su calidad visual y artística.

La película está narrada con la voz en off del personaje femenino, el de Maria José interpretado de manera correcta por Margarida Vila-Nova, que va leyendo las cartas enviadas por su marido que se encuentra como médico de guerra en territorio africano, y se van intercalando con algunas escenas en donde vemos la vida diaria de Antonio, con una buena interpretación por parte de Miguel Nunes, y de esa manera mostrar la sin razón de las guerras y las dificultades que tiene que vivir un militar alejado de su familia e intentando sobrevivir en medio del conflicto y al mismo tiempo tiene que curar vidas de los soldados y los ciudadanos de esa región africana, en este caso Angola, que están sufriendo ese conflicto. La cinta está basada en la novela " Cartas de la guerra. Correspondencias desde Angola ", escrita por el portugués António Lobo Antunes en 2005. El asunto no es novedoso, ya que en el cine europeo y norteamericano se han producido muchas películas con argumentos similares, y ni siquiera es algo nuevo la manera de contar una historia empleando ese recurso narrativo que es la voz en off, y grandes películas clásicas emplearon la lectura de cartas para desarrollar una historia ( Me vienen a la mente dos grandes títulos como " Carta de una desconocida ( 1948 ) " dirigida por Max Ophüls y " Carta a tres esposas ( 1949 ) " por la que Joseph L. Mankiewicz ganó su primer Óscar en la categoría de mejor director ).

La película no es nada fácil y gustará mucho a los amantes del cine independiente europeo, pero es complicada para un público medio acostumbrado a otro tipo de narración más convencional, debido a su estética, ritmo pausado y el empleo durante casi todo el metraje de la voz en off. La historia permite al espectador imaginarse la vida en Portugal del personaje femenino sin necesidad de verla en imágenes, con lo que la película hace que cada espectador se haga una idea de lo que está sucediendo y su mente recree de manera distinta este personaje, por lo tanto da pie a la imaginación personal y a pensar sin necesidad de que nos den todo mascado, y al mismo tiempo vamos conociendo las inquietudes de Antonio, al que sí vemos en imágenes y como va cambiando su percepción de la vida y de su relación de pareja después de tanto tiempo sin ver a su esposa, teniendo en cuenta además que ella está embarazada en la primera parte de la película. La cinta es poesía y mantiene el interés durante su primera mitad, pero según avanza el metraje se hace repetitiva y el abuso de la voz en off hace que el espectador pueda desconectar de la historia, y su duración superior a las dos horas tampoco ayuda a que la cinta no resulte aburrida en la parte final. Hay que reconocer su calidad en los apartados artísticos, sobre todo en su fotografía en blanco y negro obra de João Ribeiro, pero no por que todas las películas que empleen el blanco y negro tienen una buena fotografía sino porque en este caso es buena, ya que ha conseguido plasmar la belleza de la naturaleza y los paisajes africanos, con una gran variedad de recursos técnicos según lo que necesite cada escena, desde una imagen fija con amplitud de campo hasta un enfoque más cercano.

Nuno Mello ha sabido recrear muy bien esa época, durante la década de los 70 del siglo XX, y el sonido de la naturaleza. La banda sonora compuesta por Antonio Pedro es perfecta para ese tipo de historia y a la época que se desarrolla la película.

Hay varias escenas de gran intensidad dramática y la historia personal del protagonista es bastante creíble, con esos cambios en su estado de ánimo por su trabajo en Angola y estar alejado de su país y de su mujer. En la parte final se plantean varios asuntos interesantes que el guión no termina de desarrollar y al terminar la proyección el espectador sale con la impresión, al menos eso me sucedió a mí, de que el guión tiene varios defectos por querer abusar de la imaginación del espectador, por lo tanto es una película ideal para un debate posterior a la proyección e incluso a formar parte de proyecciones en Filmotecas con coloquios posteriores, ya que cada espectador puede imaginarse cosas diferentes de la vida de Antonio y Maria José, antes de 1971, durante la época en la que se desarrolla la película y sobre todo lo que sucederá a partir de 1972 cuando finaliza esta película tan diferente y al mismo tiempo tan complicada para el público moderno.

LO MEJOR: La fotografía.

LO PEOR: La historia se estanca en la parte central.

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Pedro de Frutos en El Ónfalos

COMENTARIOS DEL DIRECTOR EN 2010:

Volví de un viaje de madrugada. Abrí la puerta, y cuando me dirigía hacia la alcoba, oí la voz de mi mujer: leía en voz alta una carta de amor a nuestro hijo que aún no había nacido. El texto formaba parte de un libro que contenía la transcripción de las cartas escritas por un joven médico durante su servicio militar en Angola, entre los años 1971 y 1973, en los peores momentos de la guerra colonial portuguesa. Las cartas estaban dirigidas a su joven esposa, que le esperaba en Lisboa. Las misivas rebosaban de pasión, de desorientación; sus vidas se habían visto brutalmente interrumpidas por una guerra que apenas entendían, obligándoles a abandonar el comienzo de una vida compartida como amantes apasionados y jóvenes padres.
En las cartas también se describe a algunos de los casi quinientos hombres, la mayoría de ellos entre 18 y 20 años, que embarcaron con el autor y fueron destinados a una de las peores zonas de combate de la época.
El libro es Cartas de la guerra ( Correspondencia desde Angola ), editado por mi amiga Maria José Lobo Antunes y su hermana Joana Lobo Antunes, las hijas de la mujer a la que iban dirigidas las misivas, que había expresado el deseo de que se publicaran en un libro después de su muerte. Y así fue en 2005.
Mi coguionista Edgar Medina y yo mismo nos documentamos muy a fondo para escribir el guion. Entrevistamos a excombatientes que fueron " personajes " en las cartas, las novelas y las crónicas en las que António Lobo Antunes retrata su experiencia bélica. Consultamos cientos de documentos, fotografías, informes, archivos militares, etcétera. A medida que avanzaba nuestra investigación, empezamos a conocer de modo más íntimo a los miles de hombres que no habían contado su historia en la guerra colonial porque, en realidad, muy poca gente quería oírla.
Cartas de la guerra se mueve entre la vida de un joven doctor y de su batallón, su odisea y dolor, y paralelamente, la lectura de las cartas que escribe a su esposa. Los dos niveles son sincrónicos y establecen una relación complementaria entre la brutalidad e inevitabilidad de la guerra y su intento por " escapar " a la vida que António tenía en lisboa con su mujer.
La película mezcla el universo narrativo del libro con el dramatismo que nace naturalmente de la cronología de las cartas, una realidad tan fascinante como cinematográfica. Los correos enviados a través del Servicio Postal Militar, que forman el núcleo de la película, no eran cartas normales, sino aerogramas: una hoja de papel amarillo muy no que se doblaba para formar un sobre con sello prepagado ofrecido por TAP, la aerolínea portuguesa, con el fin de facilitar la comunicación entre los soldados y sus familias.
Los numerosos personajes que aparecen en la película darán la sensación coral requerida para una historia colectiva. Nos hacen sentir la fraternidad, amistad y lealtad de los hombres, así como la entereza que les permitió sobrevivir en condi- ciones físicas y psicológicas infames. También nos dejarán ver un país agonizante en manos de un régimen fascista.

Cada uno de esos jóvenes a los que se les amputó la vida, así como los otros 800.000 hombres que sirvieron en el ejército portugués durante los 13 años que duró la guerra, dejaron atrás familias, esposas, novias, amigos, amantes. Se silenció a todo un país y, de paso, a todo un episodio de la Historia. esta película también se hace para honrar la memoria de estos hombres y sacar a la luz la infamia a la que estuvieron expuestos durante y después de la guerra. Y en memoria de los muchos hombres inocentes en todo el mundo cuya vida fue destruida por la estupidez de la violencia organizada
Ya vivo con los rostros, las voces de los hombres que serán los personajes de la película, el sonido de los motores, el temblor de los tejados de zinc, las cabañas africanas, las danzas y el viento que recorre la sabana hasta la jungla. Tal como me han comunicado las descripciones del escritor y de sus camaradas, quiero que algunas de las escenas sean brutales y asombrosas, y que otras secuencias se sumerjan en un trance agónico. Pero por otra parte, la película estará impregnada de un universo romántico y universal puntuado por las canciones de las estrellas portuguesas de los sesenta y setenta.
Una loca historia de amor, una trágica historia de guerra, una película autobiográ ca acerca del autor portugués contemporáneo más internacional, tres elementos que me fascinan y entusiasman.
Y mientras regreso a la alcoba donde mi mujer lee en voz alta las cartas al niño que lleva en su vientre, pienso que nada podría ser peor que ver nuestra vida brutalmente in- terrumpida, como les ocurrió al hombre y a la mujer de los que tanto deseo hablar.
( Fuente entrevista: Images.net: Golem Distribución )

TRAILER:

EL OTRO LADO DE LAS BECAS ERASMUS

PAÍS: España ( 2017 )
DIRECCIÓN: Elena Martín
INTÉRPRETES: Elena Martín, Oriol Puig, Laura Weissmahr, Jakob Daprile, Remi Pradere, Julius Ferdinand, Paula Knüpling, Carla Linares, Pablo Macho, Max Grosse
GUIONISTAS: Maria Castellvi, Elena Martín, Marta Cruañas, Pol Rebaque
FOTOGRAFÍA: Pol Rebaque
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Lastor Media, Antaviana Films
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Avalon Distribución
DURACIÓN: 90 minutos
PREMIOS:2 premios en el festival de Málaga de 2017

SINOPSIS:
Antes de irse a Berlín de Erasmus, el futuro parecía muy claro para Júlia, una estudiante de arquitectura de 21 años. Una vez allí, completamente sola por primera vez, se da cuenta de que no se conoce tan bien a si misma como pensaba y que no tiene ni idea de lo que quiere hacer. Tendrá que asumir el reto de construirse una nueva vida en una ciudad enorme y llena de gente.

( Fuente sinopsis: Avalon Distribución )

( Fuente cartel e imágenes: Madavenue )

( Fuentes información de la película: Filmaffinity, IMDb )

CRÍTICA:

La actriz Elena Martín debuta en la dirección con su ópera prima Júlia ist, a partir de un guión de Maria Castellvi, Elena Martín, Marta Cruañas, Pol Rebaque. La cinta fue presentada en la sección Zonazine del último Festival de cine de Málaga.
La película tiene un objetivo bastante claro, seguir el proceso de una estudiante Erasmus durante su estancia en Berlín. En un principio la actriz protagonista se va con las ideas muy claras, pero desde su llegada a la capital alemana todo se desmorona. Nos cuenta la cara más amarga y dura que viven muchos estudiantes becados.
La directora que a su vez es la actriz protagonista nos cuenta los graves problemas de adaptación de una estudiante de arquitectura padece durante las primeras semanas. Ni en la universidad, ni en el piso que comparte, ni en la calle encuentra esa felicidad que necesita. Se siente completamente sola e incluso rechazada.
Aquí nos han querido mostrar otra imagen de los estudiantes que se marchan a estudiar fuera de nuestras fronteras, no todo es sexo, alcohol y drogas. Todo lo que nos cuentan esta basado en la experiencia real que la directora vivió durante su época de estudiante.
La película va avanzando a pasos muy pequeños, con unos primeros planos que te hacen imaginar el sufrimiento de la protagonista. Yo entré bastante bien en ella y me deje llevar para descubrir los éxitos, fracasos, miedos e inquietudes de Júlia.
Puntuación: 6/10

LO MEJOR: El proceso que va llevando la actriz protagonista.
LO PEOR: Desaprovecha algo la ciudad de Berlín.

( Crítica escrita por Christopher Laso )

NOTA DE LA DIRECTORA:
Por inercia y huyendo de una relación que ya no tenía sentido, decidí como tantos otros estudiantes a mitad de carrera, irme de Erasmus. Elegí Berlín porque la idea de ir a una gran ciudad me parecía algo terriblemente excitante. Y también porqué dominar el alemán era un requisito y eso me aseguraba una plaza, para qué negarlo...
Sin embargo, al llegar a nuestros destinos nos encontramos con algo distinto a lo que esperábamos: nos encontramos con nuestra ineptitud para adaptarnos. De pronto, encontramos al adulto que nos creíamos. La experiencia enseguida me puso a prueba. Una vez allí, volví a encontrarme con todo aquello de lo que huía en un principio.
Júlia Ist es el resultado de la necesidad de contar cómo fue nuestra primera vez lejos de casa. La primera vez viviendo en otro país. La primera vez sin amigos. La ruptura con el primer amor. La primera decisión por uno mismo. El primer rechazo. La primera vez sintiéndose egoísta. Llegar a una ciudad desconocida, hacerse un lugar y, en el mejor momento, tener que volver a la casilla de salida: a casa
Pero no lo hemos querido explicar desde la inocencia de la primera vez, sino desde la torpeza de aquél que va tarde. Con la conciencia de aquél que lo querría hacer mejor, pero que todavía no ha vivido lo suficiente.
De este modo fue cómo surgió el personaje protagonista. Júlia es alguien que siente la necesidad de escapar de su contexto vital para poder seguir creciendo y madurando, y casi sin saber porqué, decide partir a Berlín para seguir sus estudios de arquitectura.
Esta premisa nos permitió recorrer los recuerdos de nuestro propio Erasmus tal y cómo los vivimos.

( Fuente texto: Madavenue )

TRAILER:

( CRÍTICA DE CHRISTOPHER LASO )

TODO GIRA EN TORNO A MARION COTILLARD

PAÍSES: Francia-Bélgica-Canadá ( 2016 )
TÍTULO ORIGINAL: Mal de pierres
DIRECCIÓN: Nicole Garcia
LUGAR Y FECHA DE NACIMIENTO DE LA DIRECTORA: 22 de Abril de 1946, Orán ( Argelia ) ( en 1946 era una ciudad francesa )
INTÉRPRETES: Marion Cotillard, Louis Garrel, Àlex Brendemühl, Brigitte Roüan, Victoire Du Bois, Aloïse Sauvage, Daniel Para, Jihwan Kim, Victor Quilichini, Ange Black-Bereyziat, Sören Rochefort, Camilo Acosta Mendoza, Francisco Alfonsin
GUIONISTAS: Jacques Fieschi, Nicole Garcia
BASADA EN: La novela " Mal de piedras " escrita por la italiana Milena Agus en 2006
FOTOGRAFÍA: Christophe Beaucarne
MÚSICA: Daniel Pemberton
GÉNERO: Romántica
PRODUCCIÓN: Les Productions du Trésor, StudioCanal, France 3 Cinéma, Pauline´s Angel, My Unity Production, Lunanime, Canal+, Ciné+, France Télévisions, Cofinova 12, La Banque Postale Image 9, Indéfilms 4
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Festival Films
DURACIÓN: 120 minutos
PREMIOS:13 nominaciones, incluyendo 8 en los premios César 2017

SINOPSIS:

Francia. Años 50. Gabrielle ( Marion Cotillard ) vive en un pequeño pueblo en la Provenza francesa y sueña con encontrar el amor verdadero. Sus padres la obligan a casarse con José ( Àlex Brendemühl ), un granjero español honrado y cariñoso, pues creen que hará de ella una mujer respetable. Pero Gabrielle no lo ama y siente que ha sido enterrada viva. Durante su estancia en un balneario en los Alpes, Gabrielle conoce a André ( Louis Garrel ), un teniente herido de la guerra de Indochina, que hará renacer en ella el deseo de amar y ser amada. Al descubrir ese gran amor, Gabrielle desea escapar con André y liberarse de un matrimonio que parece encerrarla. Esta vez, está decidida a perseguir su sueño

( Fuente sinopsis, cartel e imágenes: Festival Films )

( Fuentes información de la película: Filmaffinity, IMDb )

CRÍTICA:
El sueño de Gabrielle fue presentada en el Festival de Cine de Cannes de 2016 y obtuvo 8 nominaciones a los premios César. La película está dirigida por la veterana Nicole Garcia, autora entre otras de las no muy conocidas " Un beau dimanche " y " Un balcon sur la mer ". La cinta está basada en la novela de Milena Agus, Mal de Piedras.
La directora nos cuenta el periplo de una joven durante 20 años, la protagonista tiene una enfermedad, tiene piedras en el riñón, por las cuales tiene que pasar una larga temporada en un sanatorio donde conoce a un joven enfermo que ha vuelto de la guerra de Indochina.
Todo el relato está marcado por la mirada de Marion Cotillard, todo gira en torno a ella, es víctima de ciertos desequilibrios mentales que su familia intenta arreglar con un matrimonio con un hombre bastante frío y calculador. Uno de los aspectos fundamentales son los sueños como dice el título de la película que tiene la actriz protagonista, pero ninguno de ellos terminan materializándose. Esos sueños van entre la realidad y la imaginación.
La cinta es un fuerte melodrama con mucha pasión, la recreación de la época esta bastante conseguida y el trío protagonista conectan bastante bien entre ellos. Es muy sensible, apasionante en ocasiones y tienen una gran fuerza.
Me queda la duda si la directora nos ha querido contar una historia o hundirnos en ella, hasta dejarnos en el mismo estado de delirio de Gabrielle a los espectadores.
Puntuación: 6.5/10

LO MEJOR: Marion Cotillard.
LO PEOR: El guión y las pretensiones de la cinta.

( Crítica escrita por Christopher Laso )

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Xavier Vidal en Cinoscar & Rarities

Pedro de Frutos en El Ónfalos

NOTAS DE LA DIRECTORA:
La historia está basada en una novela de Milena Agus, que me dio una idea muy significativa de cómo podría ser el destino de una mujer. Pero los libros requieren interpretación y reinvención. Para contar mi propia historia, tenía que ser capaz de apropiarme de ella libremente. Es posible desviarse de la historia original sin traicionarla, y creo que eso es lo que Jacques Fieschi y yo hicimos al escribir el guión. Lo modificamos, desarrollamos ideas e inventamos partes nuevas, pero siempre tuve presente el aspecto que me conmovió tanto de la historia, la verdadera razón por la que me encantó.
Para mí, el destino de esta mujer representa un tipo de imaginación, una fuerza creativa que todos tenemos cuando nuestros deseos y sueños nos llevan a nuestros propios límites, a ir más allá. En el caso de Gabrielle, al ser tan joven, tenía ese fuerte deseo carnal que ella llama « la cosa principal », esa dulce fuga de deseo y amor, esa fuerza animal. Esa pasión, que rodea toda su existencia, acaba chocando brutalmente con el hombre que pretende reprimirla, el profesor de la aldea, y termina condenada por su familia y por toda la sociedad en los años 50.
Pero algo real se mantiene intacto en su interior, aunque la obliguen a casarse. Durante los 17 años de su vida que transcurren en la película, no pierde ni un ápice de esa fuerza palpitante que hace que el mundo a su alrededor parezca mediocre.
Gracias a su locura, o lo que otros llaman locura, nunca abandona sus sueños. Al rebelarse, los demás intentan detenerla y parece rendirse, pero nunca renuncia a nada. Cuando, finalmente, siente ese gran amor, ese momento frenético que puede darle sentido a su existencia, y el destino amenaza con arrebatárselo de nuevo, muestra exactamente de lo que su gran pasión es capaz. Gabrielle vive entre un mundo anticuado y una época de grandes esperanzas y libertades. Me interesan los personajes femeninos que presentan esa dimensión emocionante, temblorosa y poética. Hay algo en la locura de las mujeres que me gusta, algo en esa fragilidad que albergan cuando existe una posibilidad de que todo se desborde, a veces incluso corriendo el riesgo de que todo se suma en el caos.

También me gustan los personajes masculinos, José, el marido, y André, el amante. Me gusta su modestia, su valentía y sus silencios. Uno de los principios de la historia novelística es que los personajes no se estancan, no son prisioneros de sus situaciones. Dan la sensación de estar improvisando sus vidas delante de nuestros ojos. La historia solo avanza a través de ellos. Les seguimos en lo que piensan hacer, en lo auténtico de su comportamiento, en sus ideas y en lo imprevisibles que pueden llegar a ser. Es esa libertad la que nos ofrece la posibilidad de conseguir alcanzar algo real.

Inmediatamente pensé en Marion Cotillard para el papel. Y no pude encontrar una respuesta a la pregunta:« ¿ Quién sino ? ». Así que esperé a que se quedara libre de sus proyectos en Estados Unidos. Es lo que había que hacer y no me arrepiento. Marion mostró un gran rigor. Me conmovió con su dedicación y confianza. Trabajó en el personaje por su cuenta y escribió muchas notas en un cuaderno que consultaba a menudo. En la película, desprende una sensualidad muy especial que me parece muy poco común en el cine.

Supo captar perfectamente el lado animal pero también contenido de Gabrielle, así como su locura creativa. Me gustó esta historia porque veía reflejos de mi vida.Representa cómo entiendo la imaginación,su fuerza y su capacidad de curar. He sentido lo que vive Gabrielle, como todos. Es una fuerza que está en nuestro interior, es universal, hace la vida mejor de lo que es y nos arrastra hacia lo extraordinario, lo desconocido.

( Fuente del texto: Festival Films, entrevista de Olivier Seguret )

PODCAST:

DÍAS DE CINE:

'El sueño de Gabrielle'

TRAILER:

( CRÍTICA DE CHRISTOPHER LASO )

LA LUCHA POR LA SUPERVIVENCIA

PAÍS: Georgia ( 2016 )

TÍTULO ORIGINAL: Anna's Life
DIRECCIÓN: Nino Basilia
INTÉRPRETES: Ekaterine Demetradze, Lasha Murjikneli, Lili Okroshidze, Lamzira Chkheidze, Keso Maisuradze, Konstantine Djandjagava, Luka Chachibaia
GUIONISTA: Nino Basilia
FOTOGRAFÍA: Nino Basilia
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Studio 99
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Compacto
DURACIÓN: 108 minutos
PREMIOS:2 premios y 2 nominaciones, incluyendo el premio a la mejor película en el festival Cinema Jove de Valencia de 2016

SINOPSIS:

Anna es una joven madre soltera obligada a tener varios trabajos para mantener a su hijo autista. Para mejorar la situación de ambos, decide emigrar de Georgia a los Estados Unidos. Anna se arriesga y vende su casa para poder pagar a un hombre que le promete conseguir un visado ilegal con el que viajar a América.

A través de un estilo realista, ‘ La vida de Anna ’ capta hábilmente los sentimientos de esperanza de una madre y su lucha diaria para poder salir adelante.

( Fuente sinopsis, cartel e imágenes: Compacto )

( Fuentes información de la película: Filmaffinity, Compacto, IMDb )

CRÍTICA:

Nino Basilia nos presenta su ópera prima, una más que interesante película que ha pasado por un gran número de festivales internaciones y que obtuvo el premio a la mejor película en el último Cinema Jove de Valencia.
En esta ocasión el guión escrito por la propia realizadora gira en torno a Anna, una joven madre divorciada que tiene que realizar varios trabajos para salir adelante y poder sobrevivir. Su objetivo es poder hacer feliz a su hijo que padece la enfermedad del autismo y está ingresado en una centro especializado. Una madre coraje que vive resignada, contando cada céntimo y llevándose a casa las sobras de comida. Este panorama podría parecer bastante triste, pero la cineasta logra no oscurecerlo excesivamente, gracias, de un lado, al espíritu luchador y la bondad de la protagonista, que es retratada minuciosamente a través de todos sus gestos, tanto en el trabajo como en sus desplazamientos, y sobre todo por el sueño que tiene de marcharse a Estados Unidos para tener una vida mucho mas apacible.

La protagonista no encuentra otra salida que la de marcharse para poder salir de la pobreza, pero también tiene un gran remordimiento de conciencia por tener que dejar a su hijo.
El proceso desde que decide marcharse es muy complejo porque no puede conseguir el visado, hace todo lo posible hasta vender su cuerpo y poner en venta su apartamento.
Para ser su primera película tenemos que decir que esta bastante bien conseguido el objetivo, está realizada con una humanidad increíble, con unos planos secuencia que te enganchan a la historia. Queda plasmada la lucha de esta madre por conseguir sus objetivos. La cinta ha sido comparada con la forma de dirigir de los hermanos Dardenne.
Puntuación: 6.5/10

LO MEJOR: Ekaterine Demetradze.

LO PEOR: Ritmo cansino en algún tramo de la película.

( Crítica escrita por Christopher Laso )

NOTA DE LA DIRECTORA:

Quería hacer una película que reflejase la vida y los sueños de los jóvenes que viven en Georgia, que luchan día a día para mejorar sus condiciones de vida. La película retrata el día a día de una madre joven y soltera: su optimismo, su pobreza, su entrega a su hijo, sus problemas y las dificultades que tiene que atravesar.

( Fuente del texto: Compacto )

ENTREVISTA A LA DIRECTORA:

¿ Qué te ha motivado para pasar del documental a la ficción con La Vida de Anna ?
Hacer los documentales me ha aportado mucha experiencia en el proceso de realización de películas, pero mis estudios de cine se centraban en la cción y siempre había querido hacer un largometraje de cción con un contenido real, no una película comercial. Instintivamente me decanté por el drama social, el naturalismo, los sentimientos humanos y la percepción de las situaciones. Me gusta hacer películas que transmitan estos mensajes. Por ejemplo, el hijo de Anna es autista y algunos espectadores me han confesado que la película les ha hecho tomar consciencia sobre el grado de di cultad de esta situación y les ha animado a ayudar a las madres que se encuentran en
esas circunstancias. Si mi trabajo ha conseguido cambiar un poco a las personas, a modi car su modo de enfocar las relaciones humanas, y a actuar como un tipo de catarsis, para mí es una victoria personal. Además, La Vida de Anna representa la vida de muchas mujeres divorciadas, que crían a sus hijos solas porque los padres se han desinteresado. Su vida diaria es dura, y lo era todavía más en los años 90 en Georgia. Asimismo, el personaje de Anna se parece a mí, porque, aunque yo no haya tenido los mismos trabajos que ella, puedo comprender perfectamente lo que siente, lo que se siente cuando no tienes ni dinero ni nada que comer al día siguiente, cuando estás completamente perdida, pero incluso si durante algunos días tiras la toalla, enseguida te levantas y luchas, haces algo.

El núcleo de la película es el sueño americano, la esperanza de conseguir un visado.
Este sueño se ha convertido en una realidad para muchos georgianos, sobre todo para las mujeres con estudios. Cuando Georgia se independizó y entró el capitalismo, todo estaba devastado y por ello las mujeres querían encontrar un modo más sencillo para sobrevivir: huir del país, legal o ilegalmente, e ir allá donde cobrar buenos sueldos y enviar dinero a su familia en Georgia. Muchos niños de las nuevas generaciones han crecido sin sus madres o su relación se limita a Skype, porque las madres que han ido a Estados Unidos han entrado en una situación ilegal tras unos cuantos meses y no pueden volver. He escogido este tema porque creo que en determinadas situaciones las mujeres son más fuertes que los hombres.

La presión por el dinero es un tema que vemos a lo largo de toda la película.
En realidad es un personaje principal, con una presencia literalmente física, por ejemplo, el sonido de los billetes que se cuentan y recuentan en el coche. Todos los sucesos de la historia se articulan alrededor del dinero, pero para Anna no es tan importante y no vende por dinero, ella tiene dignidad. Sin embargo, es humana como todos y a veces titubea, como cuando tiene la posibilidad de robar fácilmente una gran cantidad de dinero.

El film es muy realista pero está plagado de suspense.
Tener una historia está bien, pero si al público le interesa mucho mejor. Son pequeños trucos. Reflexiono mucho sobre el guión y cuando escribo visualizo todo. Soy muy meticulosa para los decorados, porque huyo de lo arti cial, de lo falso. Por ejemplo, hemos grabado en sitios alquilados o donde vivía gente, e insistí en que no se tocara nada, quería mantener esa realidad intacta.

Has presentado en el Festival de cine de Arras tu próximo proyecto, Child.
Quiero hacer una trilogía protagonizada por mujeres. La Vida de Anna es un drama sobre una mujer que lucha en la vida social, y Child se centra sobre la mujer en la guerra. La tercera película, cuyo guión ya he escrito, tratará sobre la mujer y el amor, con todas sus complicaciones. Quiero mostrar la valentía de las mujeres.
( Fuente de la entrevista: Compacto )

TRAILER:

( CRÍTICA DE CHRISTOPHER LASO )

LA VIDA DEL FUNDADOR DE LA COMPAÑÍA DE JESÚS

PAÍS: Filipinas ( 2016 )
DIRECCIÓN: Paolo Dy
INTÉRPRETES: Andreas Muñoz, Javier Godino, Julio Perillán, Gonzalo Trujillo, Isabel García Lorca, Lucas Fuica, Mario de la Rosa, Jonathan D. Mellor, Rick Zingale, Tacuara Casares, Ben Temple, Imanol Reta, Javier Tolosa, Samuel Pérez, Javier Abad, Aitor Beltrán
GUIONISTAS: Paolo Dy, Cathy Azanza, Pauline Mangilog-Saltarin, Emmanuel Alfonso, Ian Victoriano
FOTOGRAFÍA: Lee Meily
MÚSICA: Ryan Cayabyab
GÉNERO: Biográfica
PRODUCCIÓN: Jesuit Communications Foundation
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: European Dreams Factory
DURACIÓN: 118 minutos

SINOPSIS:
Una mirada incisiva y emocionante a la vida del hombre detrás de la leyenda, después de su transformación de una juventud impetuosa e impulsiva obsesionada con las mujeres y la lucha de espadas; Al magistral y carismático líder de una Orden que cambiaría la cara de la cristiandad para siempre ..
IGNACIO DE LOYOLA narra la vida de un joven soldado, Iñigo ( Ignacio de Loyola ), que se vio obligado a renunciar a su carrera militar tras resultar herido en batalla. Lo que se presentaba entonces como una desgracia, se tornó a raíz de encontrarse postrado en cama y con nuevas lecturas con un repentino deseo ardiente de convertirse en un santo. Desde entonces, el joven y pasional Loyola, se encontrará inmerso en una nueva batalla: la de enfrentarse con la incredulidad, el rechazo de la gente más cercana, y la necesidad de luchar por encima de todo contra sí mismo.

( Fuente sinopsis, cartel e imágenes: European Dreams Factory )

( Fuentes información de la película: Filmaffinity, European Dreams Factory )

CRÍTICA:
Paolo Dy dirige su primer largometraje, después de más de un centenar de trabajos en el mundo de la publicidad, incluyendo spots a nivel internacional para Colgate-Palmolive, Sc Johnson y Kraft, así como varios cortometrajes. La película es una producción filipina, en un país del que nos llegan muy pocas producciones, si exceptuamos gran parte de la filmografía de Brillante Mendoza, y con un reparto con presencia española, ya sea por intérpretes nacidos en España o de ascendencia española.
La propuesta nos cuenta los aspectos fundamentales de la vida de Iñigo, un soldado español conocido por ser el fundador de la Compañía de Jesús en el siglo XVI, una orden religiosa de la Iglesia Católica. Iñigo ha pasado a la historia como uno de los personajes claves de la primera mitad de ese siglo, con el nombre de Ignacio de Loyola. Su vida e influencia han cambiado el rumbo durante siglos en cultura, educación y evangelización en diferentes continentes.
La película mezcla diferentes géneros, ya que es un biopic con momentos dramáticos y algunas escenas de acción y aventuras, y tiene como aspecto más destacable su calidad visual, tanto en la fotografía como en sus efectos visuales, y un cuidado diseño de vestuario, y se ha conseguido gracias al empleo del modelo de cámaras Arri Alexia Xt, que son unas cámaras digitales modernas empleadas en películas como " La vida de Pí ( 2012 ) ", " Los vengadores ( 2012 ) " y " Birdman ( 2014 ) ".

l largometraje IGNACIO 

DE LOYOLA fue grabado 

con el modelo ARRI Alexa 

XT, lo último en la línea de Alexa 

de cámaras de cine digital (uti

-

lizada también en otros títulos 

como 

Birdman, La Vida de Pi o Los 

Vengadores -Marvel-

). La línea 

Alexa es particularmente recono

-

cida por lograr una alta precisión 

en los tonos  de la piel humana, 

una prestación muy valorada por 

los cinematógrafos y directores 

más famosos de la actuali

Pero hay muchos aspectos negativos, ya que no todo está bien a nivel artístico o técnico, porque el diseño de producción no me convence y tanto el sonido como la música son mejorables.
El guión y montaje que no ayudan a entender los aspectos fundamentales de la vida del protagonista, alargando la película hasta las dos horas terminando por aburrir, sobre todo en la primera mitad que es bastante plana y con una sucesión de escenas que no están bien estructuradas. Es verdad que según pasan los minutos se hace más interesante, y en el tercio final es cuando llegan las mejores escenas.
El reparto está bastante bien, en especial Andreas Muñoz como el protagonista y sobre todo Javier Godino que interpreta a Santi y Julio Perillán como el padre Sánchez.
La producción por parte de Jesuit Communications Foundation, la empresa filipina que financia proyectos religiosos con materiales audiovisuales para la educación y evangelización, hace que la película sea una historia de promoción de la Compañía de Jesús, y sobre todo gustará a los miembros de esa orden religiosa. Si se están aburriendo en la primera mitad recomiendo que estén preparados para dos o tres escenas muy bien filmadas en la parte final.

LO MEJOR: La calidad de técnica de algunas escenas de acción y combate.
LO PEOR: El montaje.

TRAILER:

ASESINO EN PROCESO

PAÍS: Irlanda ( 2016 )
DIRECCIÓN: Billy O'Brien
INTÉRPRETES: Max Records, Christopher Lloyd, Laura Fraser, Karl Geary, Bruce Bohne, Matt Roy, Morgan Rysso, Ryan J. Gilmer, William Todd-Jones, Tim Russell, Joel Thingvall, Lucy Lawton, Molly Gearen, Sally-Anne Hunt, Emmylou Barden
GUIONISTAS: Christopher Hyde, Billy O'Brien
BASADA EN: La novela homónima escrita por el norteamericano Dan Wells en 2009
FOTOGRAFÍA: Robbie Ryan
MÚSICA: Adrian Johnston
GÉNERO: Thriller
PRODUCCIÓN: Floodland Pictures, Fantastic Films, Level 5 Films, Liquid Noise Films, Tea Shop & Film Company, Winterland Pictures
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films
DURACIÓN: 104 minutos
PREMIOS:10 premios y 5 nominaciones, incluyendo un premio en el festival de Sitges de 2016

SINOPSIS:
En un pequeño pueblo de la América profunda, John Wayne Cleaver es un adolescente obsesionado con los asesinos en serie que trabaja en la morgue familiar. Debido a sus tendencias sociópatas sufre abusos por parte de sus compañeros. Cuando una ola de sangrientas muertes acecha el pueblo, John decide perseguir al culpable, bajo la amenaza de descubrir que él es mucho peor que su enemigo.

( Fuente sinopsis y cartel: A Contracorriente Films )
( Fuente imágenes: Sensacine )

( Fuentes información de la película: Filmaffinity, IMDb )

CRÍTICA:
La película se ha ido haciendo hueco en el mercado internacional tras su paso por diversos festivales: El Festival de cine de Toronto, el Festival de cine de Terror de Molins de Rei en el que obtuvo los galardones a Mejor película, actor y director en la Sección Oficial, y en el Festival de Sitges donde se alzó con el premio a la Mejor película de la Sección Panorama, y además obtuvo tres nominaciones en los British Independent Film Awards ( BIFA ). La película sigue la historia de John Wayne, un adolescente que trabaja en la morgue familiar. Su extraño gustos por los cadáveres y su enfermiza personalidad le obligarán a seguir unas estrictas reglas con el objetivo de no llevar su sociopatía al siguiente nivel. Debido a las misteriosas muertes que azotan el pequeño pueblo, el joven John empezará una búsqueda del asesino en serie que está actuando impunemente.
Basada en la novela del mismo nombre de Dan Wells, y dirigida por Billy O’Brien, la película se mueve entre géneros como el thriller, el terror sobrenatural o el fantástico.

Se trata de una película diferente, auténtica e independiente. Otro de los aspectos fundamentales es la ambientación: Situada en una pequeña localidad del medio Este norteamericano durante los meses de otoño e invierno, los paisajes helados de los que presume terminan por filtrarse en el distanciamiento con que son representados los hechos.
El director consigue mantenerte vivo y sin aburrirte durante todo el metraje, la película tiene una buena mezcla entre escenas impactantes y golpes de efectos visuales, con escenas mucho más pausadas y diálogos entre los personajes, el ritmo y la música consiguen que nos vayamos metiendo en la película y que conozcamos y empaticemos con los personajes. La cinta aunque es muy sencilla, no peca de pretenciosa, tiene unas buenas interpretaciones.
En cuanto al elenco de actores destaca la pareja protagonista con un Christopher Lloyd ( “ Regreso al futuro ", " La Familia Adams ", " Quién engañó a Roger Rabbit ? ”) que cumple de sobra con su papel de anciano reservado pero bastante amable con todo el mundo y el joven actor Max Records, quién lleva el peso de la película en muchísimos momentos de la misma.
Puntuación: 7/10

LO MEJOR: La ambientación de la historia.
LO PEOR: Le falta algo de ritmo en algún tramo.

( Crítica escrita por Christopher Laso )

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

José Antonio Alarcón en Séptimo Escenario

Pedro de Frutos en El Ónfalos

PODCAST:

TRAILER:

( CRÍTICA DE CHISTOPHER LASO )

EL CUIDADOR DE ANIMALES SE ENAMORA

PAÍS: Estados Unidos ( 2016 )
TÍTULO ORIGINAL: Pet
DIRECCIÓN: Carles Torrens
LUGAR Y FECHA DE NACIMIENTO DE LA DIRECTORA: 1984, Barcelona ( España )
INTÉRPRETES: Dominic Monaghan, Ksenia Solo, Jennette McCurdy, Da'Vone McDonald, Nathan Parsons, Janet Song, Sean Blakemore
GUIONISTA: Jeremy Slater
FOTOGRAFÍA: Timothy A. Burton
MÚSICA: Zacarías M. de la Riva
GÉNERO: Thriller
PRODUCCIÓN: Magic Lantern, Revolver Picture Company
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: La Aventura Audiovisual
DURACIÓN: 94 minutos
PREMIOS:1 premio en el festival de Sitges 2016 y 3 nominaciones

SINOPSIS:
ANIMAL DE COMPAÑÍA es la historia de Seth ( Dominic Monaghan ), empleado de un refugio de animales que se reencuentra por casualidad con Holly ( Ksenia Solo ), de quien estuvo enamorado en el instituto, y que ahora es camarera. Tras intentar seducirla sin éxito, decide secuestrarla y encerrarla en una jaula para animales del refugio en el que trabaja.

CRÍTICA:
El barcelonés Carles Torrens dirige su tercer largometraje, después de la película que rodó para Tv3 " Plou a Barcelona ( 2008 ) " con 24 años de edad, y la película española de género "Emergo ( 2011 )" que formó parte de la sección oficial del festival de Sitges de 2011 pero que no llegó a las salas españolas hasta casi dos años después y con una distribución muy limitada teniendo en cuenta que era una cinta de terror, uno de los géneros más atractivos para el gran público. " Emergo " es una película bastante decente, y superior a la media de las cintas de terror que llegan cada año a las salas españolas.
Pero el nombre de Carles Torrens es desconocido para la mayoría del público español, y le cuesta encontrar apoyo dentro de la industria española, además de tampoco encontrar ese apoyo mediático necesario teniendo en cuenta que su cine hasta el momento me parece superior al de otros cineastas que ya han traspasado nuestras fronteras y al que los medios de comunicación les dan mucho más bombo, y me refiero a Nacho Vigalondo que en dos semanas estrena la insoportable " Colossal ( 2016 ) " o Paco Cabezas.
Han tenido que pasar 5 años desde el anterior largometraje del director español, y no ha tenido nada fácil conseguir apoyo para su este proyecto, que al final ha tenido que producir una pequeña productora norteamericana, y que tuvo su presentación en España en el pasado festival de Sitges, ya que formó parte de la extensa lista de películas de la sección oficial a concurso, demostrando que Ángel Sala el director del festival sabe apreciar el buen cine de género y sí tiene en cuenta los proyectos de un gran director como Carlos Torrens. La película no se fue de vacío del festival catalán ya que se llevó el premio al mejor guión, escrito por Jeremy Slater. En este periodo entre su segundo y tercer largometraje ha dirigido varios cortometrajes en Estados Unidos, entre ellos el multipremiado " Sequence ( 2013 ) ".

La película es un thriller psicológico, con algún elemento de terror, y que consigue atrapar al espectador desde los primeros minutos, con un guión muy bien trabajado tanto en las escenas con diálogos entre los personajes como en la historia central de la película, que si bien no es novedosa al menos consigue dar los giros necesarios sin abusar para lograr que el espectador no desconecte y llegar hasta un sorprendente final que cierra de manera perfecta la película.
El proyecto nació cuando el agente del director le pasó el texto escrito por Jeremy Slater y que estaba guardado en un cajón de la MGM a la espera de algún día poder sacar adelante una película con gran presupuesto. Ante el pasotismo de productora americana, Torrens decidió buscar la fórmula para que el texto se convirtiera en una película bajo su dirección, y al final pudo sacar el proyecto adelante con el apoyo de una compañía mucho más pequeña, pero que dejó más libertad creativa al director, aunque tendría que sacarlo adelante con menos dinero y eso sí mucho ingenio.
Dominic Monaghan era el actor que aparecía en el proyecto original de la MGM, y se ha mantenido al frente del reparto una vez que el director español se puso en marcha para buscar los intérpretes de la película. El actor, conocido por sus personajes en las películas de " El señor de los anillos " y sobre todo por su papel de Charlie en la serie " Perdidos ", realiza una de las mejores interpretaciones de su carrera, y sale del ostracismo después de varios años en proyectos televisivos y cinematográficos menores.

El actor nacido en Alemania está correcto como Seth, el trabajador en un refugio de animales, cuya vida solitaria se ve alterada cuando se encuentra con el amor de su vida en uno de los viajes diarios en autobús desde su casa al trabajo. Holly no se acuerda de él, y por la primera conversación entendemos que es lógico ya que ni siquiera iban a la misma clase en el instituto.
Desde ese momento el protagonista se obsesiona con esa mujer, y decide seguirla hasta que localiza que trabaja como camarera en un bar. A partir de entonces la historia introduce los elementos necesarios para provocar el suspense en el espectador, que no va por delante de los personajes, sino que desconoce lo que va a suceder a continuación, aunque en algún caso se puede intuir, y que sabe mantener hasta el final.
Kenia Solo, la actriz rusa elegida en un casting, está bien tanto en las escenas de suspense y terror como en las más dramáticas y transmite mucho desde su primera aparición en el interior del autobús público. En las escenas más dramáticas ella saca adelante su personaje, mientras que el actor protagonista tiene limitaciones para expresar sus sentimientos.
El resto de personajes tienen unas pequeñas apariciones, aunque en algún caso tienen importancia en la trama, sobre todo Nate, el vigilante de seguridad del refugio de animales interpretado por Da'Vone McDonald. La historia aborda asuntos muy de actualidad como son la locura del ser humano, las obsesiones y llevar el amor por una persona hasta el extremo de transformarse en un ser humano con un comportamiento deleznable.

Otro de los aspectos por el que la película mantiene la tensión es por su calidad técnica, con el trabajo del compositor español Zacarías M. de la Riva, un habitual en películas españolas como " Las aventuras de Tadeo Jones ", " Autómata " o " Nieve negra ", y que ha compuesto una banda sonora potente pero sin ser excesiva y que ayuda a mantener el interés en la trama, la fotografía del alemán Timothy A. Burton que se mueve muy bien entre una película de género y una textura de cine independiente con algunos buenos planos nocturnos y otros en la parte final de la película, y el gran montaje de Elena Ruiz ( la técnico habitual de Juan Antonio Bayona y Kike Maíllo ). El sonido realizado en su totalidad por técnicos españoles es perfecto para el tipo de historia de suspense, consiguiendo crear junto a la música un ambiente de angustia en el espectador.
Desde el primer momento se juega muy bien con los tiempos de la película, desde la presentación de los personajes en su vida personal y profesional, con una escena en los minutos iniciales con Lexi, un perro pastor alemán como protagonista, que provocará la reacción de algunos espectadores, pero que está muy bien filmada para no mostrar nada más que lo necesario y así dejar desalentado al público.
Una notable película, que tiene algún momento con situaciones repetitivas en la parte central, pero que vuelve a mejorar en el tercio final para llegar a un buen final. La recomiendo a los aficionados al thriller psicológico, y desgraciadamente es probable que pase desapercibida en una cartelera española llena de Blockbusters distribuidas por las mayores americanas.

LO MEJOR: El guión.
LO PEOR: El asunto central no es novedoso.

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Pedro de Frutos en El Ónfalos

COMENTARIOS DEL DIRECTOR:
En el momento en que el público se alegró por Norman Bates cuando el coche de Marion Crane se hunde en el lago, el thriller de terror alcanzó un nuevo nivel de sofisticación. Después de ver cómo la protagonista era brutalmente asesinada en los primeros 30 minutos, al espectador no le quedó otra opción que no fuera conectar con el otro personaje que aparece en la película: el villano.
Lo que Hitchcock nos enseñó con su obra maestra Psicosis es que si quieres transmitir al espectador máxima tensión y enseñarle que las normas pueden cambiar, tienes que sacudir el relato delante de sus ojos, sacudir sus expectativas y llevarlas por un terreno donde quede claro que cualquier cosa puede pasar, a cualquier persona y en cualquier momento. El relato tiene que ser divertido, atrevido y sobre todo, subversivo.
De hecho, la subversión fue el ingrediente que me hizo enamorarme perdidamente del guion de ANIMAL DE COMPAÑÍA desde el primer momento en que lo leí. Por un lado, está ese thriller lleno de tensión, con personajes al límite y buenos diálogos, y por otro lado, había una perversa y cínica sátira bajo la superficie, un ejercicio de punto de vista donde el público puede presenciar de primera mano una brutal batalla de sexos.
De la misma manera que American Psycho era una crítica a las profundidades del capitalismo, yo veo ANIMAL DE COMPAÑÍA como una mirada irónica a la crueldad de las citas entre hombres y mujeres jóvenes en la actualidad, como un cruce entre El silencio de los corderos y 500 días juntos. Una reunión con Jeremy Slater, el guionista, me confirmó este pensamiento.
Pero vayamos hacia atrás en la historia. ANIMAL DE COMPAÑÍA me llegó a través de mi agente, no como un proyecto para dirigir, sino como un ejemplo para ver qué se estaba haciendo. Tan pronto como llegué a la última página no tenía duda que tenía que ser yo quien lo llevara a cabo, pero no tenía los derechos y nadie me tenía en mente como director del proyecto.

Resulta que el proyecto lo había tenido dando vueltas MGM un montón de años. Convencerles para que yo lo dirigiera ( solo había hecho una película y unos cuantos cortos ) era una locura. Así que llegué a una opción que era un poco menos locura en comparación: compré los derechos de ANIMAL DE COMPAÑÍA y realicé una película de bajo presupuesto.
Afortunadamente fui capaz de encontrar algún dinero en España para comprar el guion y, una vez con el proyecto bajo el brazo, encontré un gran aliado en Revolver Picture Company, dirigida por Nick Phillips y Kelly Wagner, quienes creyeron en mi habilidad para llevar el proyecto a cabo y lo produjeron y financiaron.
La aventura estaba lejos de acabar, tenía dos nuevos retos. Uno fue rodar lo que anteriormente era una “ película de estudio ” con un presupuesto cinco veces menor y en 22 días, y la otra encontrar los actores adecuados para hacer de Seth y Holly, dos personajes extremos y complejos que necesitaban dar la sensación de ser capaces de llegar a ser más peligrosos e impredecibles aún. Así entraron Dominic Monaghan y Ksenia Solo.
Dominic estaba en el proyecto desde 2008, conocía muy bien al personaje y estaba encantado de interpretarlo finalmente. Ksenia, sin embargo, se salió en su audición, parecía conocer a Holly mejor que a ella misma.
Cuando por fin nos pusimos a trabajar, ambos actores pillaron de inmediato lo que yo quería y aportaron a la película dos increíbles actuaciones que capturan perfectamente la esencia de lo que Jeremy Slater había escrito.
ANIMAL DE COMPAÑÍA trata de la dominación y la posesión de otro ser humano, no solo física, sino también mental, y explora temas como la co-dependencia, el abuso y, más importante, cómo la presa siempre será una presa incluso cuando se las apaña para atrapar a su captor en la jaula.
Tenemos una película que toma una posición moral, cruel y sin remordimientos, lo cual lleva al espectador por una montaña rusa llena de misterios, emociones y risas nerviosas.

( Fuente del texto: La Aventura Audiovisual )

TRAILER:

UNOS DÍAS EN LA PENÍNSULA DE IZU

PAÍS: Japón ( 2016 )
TÍTULO ORIGINAL: While the Women Are Sleeping
DIRECCIÓN: Wayne Wang
LUGAR Y FECHA DE NACIMIENTO DE LA DIRECTORA: 12 de Enero de 1949, Hong Kong
INTÉRPRETES: Takeshi Kitano, Shiori Kutsuna, Hidetoshi Nishijima, Sayuri Oyamada, Hirofumi Arai, Makiko Watanabe, Lily Franky
GUIONISTAS: Michael Ray, Lee Shin-ho, Mami Sunada
BASADA EN: Uno de los cuentos de la novela " Mientras ellos duermen " escrita por Javier Marías en 1990
FOTOGRAFÍA: Atsuhiro Nabeshima
MÚSICA: Youki Yamamoto
GÉNERO: Thriller
PRODUCCIÓN: Creative Associates Limited ( CAL ), Toei
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Mediatres Estudio
DURACIÓN: 120 minutos

SINOPSIS:
Kenji ( Hidetoshi Nishijima ) pasa junto con su mujer Aya ( Sayuri Oyamada ) unos días en un hotel de la costa. Mientras ella se dedica a mejorar algunas relaciones de trabajo, él intenta encontrar de nuevo la inspiración que le permita terminar su novela. Pero una mañana en la piscina, una pareja llama su atención: un hombre de avanzada edad llamado Sahara ( Takeshi Kitano ) y su jovencísima acompañante Miki ( Shiori Kutsuna ). Sahara acabará confesando a Kenji que graba cada noche a su pareja mientras duerme. La obsesión de Sahara por la joven estimula a Kenji y le permite liberarse del bloqueo que sufría, pero a costa de caer en una espiral de misterio que le arrastrará a un peligroso juego: contra más cosas descubre, menos comprende.

( Fuente sinopsis, cartel: Mediatres Estudio )
( Fuentes imágenes: Mediatres Estudio, Filmaffinity )

( Fuente información de la película: Filmaffinity, Mediatres Estudio, IMDb, Wikipedia )

CRÍTICA:
El director nacido en Hong Kong cuando era una colonia británica y que ha desarrollado casi toda su carrera profesional en Estados Unidos, en algunos casos en coproducciones con otros países europeos o asiáticos, exceptuando una producción China rodadas hace unos años y esta película japonesa, es el encargado de adaptar uno de los 10 cuentos que aparecen en la novela " Mientras ellas duermen " escrita por el español Javier Marías en 1990, y que 10 años después añadió otros 4 relatos en una nueva edición con un total de 14 cuentos. En concreto esta película ha cogido como base el relato que da título a la novela, y que es uno de los 10 escritos por el novelista madrileño a principios de la década de la novela, desarrollando la historia en una localidad costera española, mientras que la película tiene lugar en la Península de Izu.
La carrera de Wayne Wang es bastante irregular, y muchas veces ha tenido que hacer películas de limitada calidad que fueron un gran éxito comercial en su momento para tener más dinero y así poder acometer sus proyectos más personales. " Smoke ( 1995 ) " y " La caja China ( 1997 ) " son sus dos películas más interesantes, y sobre todo la primera es la cinta mejor considerada por los críticos y que se ha llevado más premios en los circuitos de festivales y premios más independientes. Hace 10 años triunfó en San Sebastián con " Mil años de oración ( 2007 ) ", una coproducción de Estados Unidos y Japón que se llevó la Concha de oro a la mejor película y la Concha de plata a la mejor interpretación masculina protagonista, para Henry O.

" Mientras ellas duermen " se presentó en el festival de Berlín de 2016 formando parte de la sección oficial de la 66ª edición de la Berlinale, y posteriormente formó parte de la sección Nuevas Visiones del pasado festival de Sitges. En ambos casos se fue de vacío de los dos festivales europeos.La película se desarrolla de manera lineal durante 5 días en un lujoso hotel situado en la Península de Izu, en un enclave de gran belleza, y allí se encuentran alojados un matrimonio formado por Kenji, un escritor cuya segunda novela ha recibido un premio prestigioso, y Aya, una editora de libros de una empresa editorial diferente a la de su marido. La cinta se inicia el primer día de ambos en ese recinto hotelero, mientras que están desayunando y han elegido ese lugar para que la mujer se pueda reunir con un escritor de 72 años y así perfilen los aspectos más importantes de la nueva novela de ese escritor que vive cerca de Izu. Mientras tanto el marido aprovecha esos días para relajarse y así poder inspirarse en el texto de su nueva novela. Pero esos días de supuesta calma se ven alterados por las obsesiones del protagonista por Miki, una mujer muy joven y de gran belleza que va acompañada por Sahara, un hombre mucho mayor que ella.

Kenji se aburre y se encuentra solo en el hotel ya que su esposa se tiene que marchar todas las mañanas para reunirse con el escritor mayor, y tampoco tiene muchas ganas de seguir escribiendo porque se ha cansado de esa profesión de la que según confiesa solamente pueden vivir unos pocos privilegiados, y que la mayoría tiene que compaginar con otro empleo. Así que busca entretenimiento en observar a esa pareja y termina siendo un voyeurista, y comienza a entablar amistad con el señor Sahara, con el que tiene conversaciones nocturnas al borde de la piscina.

La película va poco a poco introduciendo elementos de suspense y las resoluciones de las tramas no están muy claras, dejando al espectador que saque sus propias conclusiones sobre los asuntos centrales. Analizando la película puedes entenderla, pero pienso que hay un detalle que no cuadra en mi teoría sobre la realidad y ficción, y sobre los sueños y la vida real. No he leído el texto original de Javier Marías y desconozco el enfoque de la novela, pero tampoco creo que el director haya querido hacer una película de suspense sino analizar el comportamiento del ser humano y crear la incertidumbre en el espectador sobre las cosas que son reales y las que son imaginación del subconsciente o las vividas en los sueños, y al igual que muchas películas de David Lynch lo importante no es descubrir todos los detalles de la trama sino generar ese enigma en el espectador con situaciones muy extrañas.

La película no tiene muchos personajes, y a esos 4 centrales les podemos unir otros 3 que aparecen en ciertos momentos de la trama, y que en algún caso tienen una gran importancia ya que dan pistas sobre la vida de otros personajes. Kyuko, una empleada del hotel amiga de Aya a la que vemos en la primera escena, el policía que interroga a Kenji en la parte final de la película y sobre todo un tercer personaje secundario, cuyos diálogos con el protagonista son de gran importancia: el dueño de una tienda que tuvo su auge 10 años atrás cuando la zona atraía mucho más turismo y tenía un parque recreativo y que vive con su madre que está enferma y conoce los entresijos del lugar, así como que fotografió a Miki cuando era una niña y estaba en la zona junto a sus padres pasando unos días de vacaciones. Cada uno de los diálogos puede aclarar la trama o complicarla, pero nos ofrecen detalles interesantes y en algún caso son conversaciones con toques de humor, como las que tiene el protagonista con el policía, Sahara y el dueño de la tienda.
El director ha elegido dos intérpretes con poca experiencia, y sin ser una película en donde destaquen las actuaciones, al menos cumplen con sus personajes. Hidetoshi Nishijima interpreta a Kenji, el escritor protagonista, y Sayuri Oyamada es Aya la editora.
El veterano director e intérprete Takeshi Kitano, uno de los rostros más conocidos de su país a nivel cinematográfico, y que hace poco vimos en la película "Ghost in the Shell: El alma de la máquina ( 2017 )", tiene dos escenas de gran carga dramática, una junto a la joven Miki y otra en la piscina hablando con Kenji.

Shiori Kutsuna interpreta a la joven Miki, y la joven actriz ganadora de un concurso de belleza hace una década tiene el papel más sensual y al mismo tiempo enigmático. La actriz realiza una actuación correcta. El otro rostro conocido es el de Lily Franky, un habitual de las últimas películas de Koreeda, en el papel del dueño de esa tienda que visita dos veces el protagonista y con el que tiene un diálogo de gran importancia en la parte final de la película.
El guión es bastante confuso y si la cinta destaca es por su aspecto visual, gracias a la elección del lugar en donde se desarrolla la película, en la península de Izu, pero también por la fotografía de Atsuhiro Nabeshima, sobre todo en algunas escenas en el interior del hotel muy bien filmadas y en las que se desarrollan en la playa con los paseos de los personajes por la arena o los acantilados.
Una película que no es fácil de recomendar y que puede gustar a un público medio que busca historias enigmáticas con independencia de la credibilidad de la trama y a los que han leído el texto original escrito por Javier Marías.

LO MEJOR: La fotografía.
LO PEOR: El guión.

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Miguel Martín en Nos hacemos un cine en Orión

DÍAS DE CINE:

'Mientras ellas duermen'

TRAILER:

DE LA MORALEJA A LAVAPIÉS

PAÍS: España ( 2017 )
DIRECCIÓN: Víctor García León
LUGAR Y FECHA DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 1976, Madrid ( España )
INTÉRPRETES: Santiago Alverú, Macarena Sanz, Javier Caramiñana, Alicia Rubio, Pepe Ocio, Clara Alvarado, Esther Regina
GUIONISTA: Víctor García León
FOTOGRAFÍA: Eva Díaz
MÚSICA: Christian Tosat
GÉNERO: Comedia
PRODUCCIÓN: Gonita, II Acto, Apache Films
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films
DURACIÓN: 85 minutos
PREMIOS: 2 premios en el festival de Málaga de 2017 y otros 4 en el festival de Alicante de 2017.

SINOPSIS:

A un ministro del gobierno le acaba de detener la policía, imputado por corrupción, malversación de fondos públicos, blanqueo de capitales y otros dieciocho delitos económicos. Esta es la historia de su hijo Bosco.
Sus andanzas desde que es expulsado de su lujoso chalet en la Moraleja hasta que entra a “ okupar ” una casa en Lavapiés; sus angustias sentimentales desde que le deja su novia de dentadura perfecta y labio indolente hasta que le acepta una trabajadora social ciega, educadora en un colegio de discapacitados; sus miserias desde que le expulsan de su exclusivo máster de dirección de empresas hasta que pasea asustado por las calles de su nuevo barrio.
Si esta fuera una comedia romántica Bosco aprendería una lección, la vida le enseñaría algo… y al final, vería un rayo de luz y una esperanza de cambio. Encontraría a la mujer de su vida, mostraría empatía con los más desfavorecidos o estimularía su amor por los animales.
Lamentablemente, ésta no es una comedia romántica.

( Fuente sinopsis, cartel e imágenes: Vértigo Films )
( Fuentes información: Filmaffinity, IMDb )

CRÍTICA:
El tercer largometraje de Víctor García León, después de dos cintas multipremiadas: " Más pena de gloria ( 2001 ) " y " Vete de mí ( 2006 ) " y varios cortos y trabajos para televisión, dirige esta película con guión propio partiendo de una idea bastante original e interesante, pero que va perdiendo fuerza según avanzan los minutos hasta llegar a un final decepcionante. La película inició su carrera en el pasado festival de cine de Málaga, en donde fue premiada con el premio de la crítica y la mención especial del jurado y hace un mes se presentó en la sección oficial del festival internacional de cine de Alicante en donde fue la gran triunfadora al obtener 4 de los premios entregados a los largometrajes, los de mejor película, dirección, guión y premio de la crítica.
La idea surgió en un bar cuando Víctor García León le convenció al productor para financiar su tercer largometraje, y el director se puso a escribir el guión de la película que pretende hacer un retrato de lo que se mueve alrededor de los políticos actuales, sus familias, intentando entretener y al mismo tiempo hacer una crítica social.
El arranque es muy bueno ya que con dos o tres pinceladas nos presentan a Bosco, el hijo de un político que vive en La Moraleja, una de las zonas más ricas de Madrid, cuya vida de opulencia se ve alterada cuando su padre, un ministro del gobierno español es encarcelado por supuesta corrupción.

La cinta no aborda ese caso de corrupción política ni pone su punto de mira sobre el político de turno, que en las primera escenas no dicen que sea de un partido en concreto para posteriormente nombrar que es del P.P, sino en las personas que rodean al gobernante de turno y que ven como pierde el acceso a esa vida lujosa y que conseguía todo si ningún esfuerzo. A partir de aquí el protagonista se tendrá que salir a la calle para buscarse la vida como tienen que hacer la mayoría de ciudadanos españoles y así conseguir sobrevivir sin ingresos y teniendo que tirar de ingenio, cosa que no le hacía falta hasta ese momento por tener la vida solucionada sin necesidad de esforzarse. Su novia y la familia de ella ya no quieren saber nada de él, y decide contactar con una chica que se estaba manifestando en contra de su padre en la entrada de la casa familiar, lo que sucede en una de las primeras escenas que es un ejemplo de lo ingenioso que es el guión en ese tercio inicial, y como ejemplo este detalle en donde el protagonista decide unirse a esos ciudadanos anónimos que protestan a la puerta de la casa y que no saben que están ante el hijo del político, cuya intención inicial era la de entrar en la vivienda hasta que se encuentra con ese grupo de manifestantes.

El reparto lo conforman unos intérpretes desconocidos encabezados por Santiago Alverú, en el papel de Bosco, cuyo personaje se ha hecho famoso en Twitter desde hace unos meses lo que puede facilitar que la película sea más fácil de vender a un público medio o incluso al gran público que querrá saber algo más de este personaje de gran impacto en las redes sociales, aunque la película puede tener un problema a la hora de atraer espectadores a las salas y es que no está producida por una televisión privada, con lo que no tendrán ese marketing adicional de la cadena televisiva de turno. El intérprete cumple en el papel de chico pijo que tiene que buscarse la vida ante un imprevisto.
Macarena Sanz es Macarena, el personaje con el que se identificarán muchos espectadores, ya que representa a una joven que vive en Lavapies y que se manifiesta contra la corrupción de ese partido político. Una mujer que forma parte de la militancia de Podemos, que acude a mítines y que realiza actividades en defensa de sus ideales. La joven actriz está correcta y también me parece una cierto su elección como Macarena.

El tercer personaje por orden de importancia es el de Ramón interpretado por Javier Caramiñana, el amigo de la chica con la que colabora en las laboras informativas y reivindicativas de la ideología de Podemos, y que tiene ciertos escarceos amorosos que se ven interrumpidos con la llegada de Bosco, lo que provocará un rechazo y desconfianza por parte del joven que no se fía del protagonista, lo que se acentúa cuando se interpone entre Macarena y él.
En la parte final la película se centra más en las relaciones personales entre esos tres personajes, dejando de lado la idea inicial de poner a una persona rica y pija en la calle teniéndose que buscar la vida. Eso se estanca y se pierde la originalidad y por lo tanto el humor de la primera mitad.
La película es correcta a nivel técnico y artístico, y tampoco pretende nada más que contar una historia basándose en el guión y los personajes.
Una película que puede gustar a casi todo el mundo, salvo a los aficionados al cine de acción o a películas con grandes escenas de acción, pero pueden salir satisfechos las personas que comparten las ideas políticas de Macarena y Ramón y que se pueden sentir identificados en muchos momentos de la película. También al público medio que disfruta con todo tipo de historias.

LO MEJOR: La idea inicial y la frescura del tercio inicial.
LO PEOR: El desenlace.

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Miguel Martín en Nos hacemos un cine en Orión

NOTAS DEL DIRECTOR:
¿ Cómo se retrata España ? ¿ Quién ha capturado mejor nuestra esencia, nuestras costumbres, nuestros momentos históricos ? Berlanga, Buñuel, Almodóvar... Y más allá, Valle-Inclán, Gutiérrez Solana, Goya, Cervantes... Todos, cada uno en lo suyo, han enseñado una España grotesca, absurda, imposible... y sin embargo, la más exacta.
Lo que yo pretendo con esta película es precisamente eso: retratar este momento de nuestra historia, de nuestra vida, de nuestras calles. El momento político y la crisis económica, las turbulencias sociales y sentimentales... pero algo tiene la realidad española que se escapa al retrato convencional, al análisis clásico. Vivimos en la exageración.
Nunca me ha interesado la parodia... seguramente porque no es posible parodiar una realidad tan mema, tan inconcebible. La ironía se queda corta, la farsa resulta flácida por innecesaria, el sarcasmo lo tiñe todo de un pesimismo que tampoco nos representa... al final nos queda el esperpento. Después de todo las máscaras esconden más verdad que los retratos; el humor descabellado es más preciso que un ensayo académico.
Por aquí nace la idea de esta película. O más bien: por aquí nace nuestro personaje; porque nuestra película es Bosco. Un chico de clase alta, producto de un entorno protector y confortable, que se ve expuesto a la intemperie económica. Un pijo descabellado, un cliché, un esperpento con el flequillo lacio y un jersey sobre los hombros. Un personaje absurdo.
Pero, de alguna manera, todos somos Bosco. Todos somos niños grandes a los que la crisis nos ha tirado de culo contra el suelo... Nos levantamos metiendo tripa y sonriendo, intentando aparentar cierta dignidad, queriendo tomarnos en serio a nosotros mismos... pero lo que tenemos en frente, lo que mejor nos retrata, es un espejo de feria. ( Fuente texto: Vértigo Films )

TRAILER:

EL ARTE O LA BATALLA DURANTE EL GENOCIDIO UCRANIANO

PAÍS: Canadá ( 2017 )
TÍTULO ORIGINAL: Bitter Harvest
DIRECCIÓN: George Mendeluk
LUGAR Y FECHA DE NACIMIENTO DEL DIRECTOR: 20 de Marzo de 1948, Augsburgo ( Alemania )
INTÉRPRETES: Max Irons, Samantha Barks, Barry Pepper, Tamer Hassan, Terence Stamps, Aneurin Barnard, Richard Brake, Tom Austen, Brown, Nicholas Aaron, Edward Akrout, William Beck, Michael Jenn, Richard Ashton, Jack Hollington, Gary Oliver
GUIONISTAS: Richard Bachynsky Hoover, George Mendeluk
FOTOGRAFÍA: Douglas Milsome
MÚSICA: Benjamin Wallfisch
GÉNERO: Drama
PRODUCCIÓN: Devil's Harvest Production
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: VerCine
DURACIÓN: 103 minutos

SINOPSIS:
Ucrania, 1930. Stalin avanza con sus ambiciones mientras Yuri, un joven artista nacido en una familia de guerreros cosacos, trata de salvar a su amante, Natalka, cuando el Ejército Rojo invade su país y tiene lugar el genocidio ucraniano que acabó con las vidas de millones de personas.
( Fuente Sinopsis: VerCine )
( Fuente cartel e imágenes: Sensacine )
( Fuente información de la película: Filmaffinity )

CRÍTICA:
El veterano George Mendeluk, un habitual de, mundo de la televisión, es el encargado de dirigir esta película que aborda
la matanza de ucranianos por parte los rusos durante el gobierno de Stalin. El director nacido en Alemania, y que se trasladó de joven a Canadá en donde ha pasado la mayor parte de su vida, y que procede de una familia de origen ucraniano que vivió de cerca este genocidio por parte del ejército ruso que masacró al pueblo ucraniano, y que no fue reconocido por la URSS hasta 1991 cuando tuvo lugar la disgregación de la Unión Soviética.
La historia se centra en la familia de Yuri a principios de la década de los años 30 del siglo pasado en una pequeña localidad de Ucrania, con el abuelo Iván, interpretado por el vetaron Terence Stamp, que había sido un guerrero y que pretende que sus descendientes también luchen contra la amenaza de las tropas de Stalin. Todo se inicia cuando el protagonista interpretado por el británico Max Irons es un joven que se enamora de una chica de su misma localidad. Esa joven es Natalka y su personaje está interpretado por la actriz británica Samantha Barks. Cuando el protagonista había conseguido conquistarla se produce la separación, ya que el joven artista se traslada a Kiev en donde piensa que puede ser más fácil desarrollar su creatividad artística.

La película aborda varios asuntos a priori interesantes como las matanzas de ciudadanos ucranianos y el sometimiento a las normas de comportamiento soviéticas a los que han conseguido sobrevivir, y por otro lado intenta abordar la relación de Yuri con su familia y la difícil decisión de tener que elegir entre cumplir los deseos de su abuelo o cumplir sus sueños como artista en la capital de su país. El tercer asunto, que es el que más me interesa, sobre todo porque es el que mejor está contado al menos en la primera mitad, es la relación entre Yuri y Samantha, con unas buenas escenas románticas en esa parte inicial, pero cuya historia va perdiendo interés según pasan los minutos. Creo que quiere contar demasiadas cosas y funciona en las escenas aisladas tanto a nivel romántico como en las situaciones bélicas más duras, y en este último aspecto hay que reconocer que tiene dos o tres escenas bastante impactantes, pero es ingenio inicial se va perdiendo en una segunda mitad bastante floja, que me dejó bastante frío. A nivel interpretativo destaco la actuación de Samantha Barks, la actriz protagonista, que trasmite mucho más que su compañero de reparto, un Max Irons bastante inexpresivo. Terence Stamp tiene un papel muy secundario y lo hace bastante bien como casi siempre. Otra gran actuación del veterano actor británico.

El guión y sobre todo el montaje son bastante mejorables, tanto el diseño de producción como el vestuario están muy bien trabajados. Lo más destacado es su banda sonora compuesta por Benjamin Wallfisch que es bastante potente y con unos temas ideales para la época, e lugar en donde se desarrolla la película y el tipo de historia. El compositor es británico al igual que los miembros más destacados del reparto, pese a que la película es una producción canadiense grabada en Ucrania y en los populares estudios británicos de Pinewod. La película está hablada en inglés.
Recomendable a los que quieran conocer algo más de esa matanza y genocidio sufrido por el pueblo ucraniano.

LO MEJOR: La banda sonora.
LO PEOR: El montaje.

CRÍTICAS EN BLOGS ESPECIALIZADOS:

Pedro de Frutos en El Ónfalos

TRAILER:

LA PROMESA ( 2016 )

LA CARA OCULTA DE LA LUNA ( 2015 )

ENTRE LOS DOS ( 2015 )

TESTIGO ( 2016 )

AMERICAN PASTORAL ( 2016 )

CAPITÁN CALZONCILLOS: SU PRIMER PELICULÓN ( 2017 )

UNA POLICÍA EN APUROS ( 2017 )

PIELES ( 2017 )

MIL COSAS QUE HARÍA POR TÍ ( 2017 )

LA MUJER DEL ANIMAL ( 2016 )

CARTAS DE LA GUERRA ( 2016 )

JÚLIA IST ( 2017 )

EL SUEÑO DE GABRIELLE ( 2016 )

LA VIDA DE ANNA ( 2016 )

IGNACIO DE LOYOLA ( 2016 )

I AM NOT A SERIAL KILLER ( 2016 )

ANIMAL DE COMPAÑÍA ( 2016 )

MIENTRAS ELLAS DUERMEN ( 2016 )

SELFIE ( 2017 )

COSECHA AMARGA ( 2017 )